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Élèves et maîtresses : permanences et ruptures dans l’apprentissage des artistes femmes (France, 1849-1924)

Femina, n° 1941, 15 février 1909, p. 80

 

  • Appel à communication pour une journée d’étude organisée par le centre François-Georges Pariset (EA 538) et le musée Roybet-Fould (Courbevoie), en partenariat avec le musée Rodin. Cette journée d’étude se tiendra au musée Rodin, les 2-3 juin 2020.

Dans le cadre de l’exposition « Juana Romani (1867-1923), modèle et peintre. Un rêve d’absolu » (13 mai-20 septembre 2020), le musée Roybet-Fould de Courbevoie a souhaité approfondir la réflexion sur la formation des artistes femmes au XIXe siècle. Les problématiques de transmission pratique et intellectuelle ont notamment été explorées par Alain Bonnet et France Nerlich dans Apprendre à peindre. Les ateliers privés à Paris. 1780 à 1863, publication (2013) issue d’un colloque tenu en 2011. L’essai de Séverine Sofio dans ce même ouvrage, ainsi que ses recherches sur les artistes femmes de la fin du XVIIIe siècle et de la première moitié du XIXe siècle (2016), ont permis de faire émerger le rôle des artistes femmes en tant que formatrices. La pédagogie était également au cœur de la récente exposition Transmission/Transgression. Maîtres et élèves dans l’atelier : Rodin, Bourdelle, Giacometti, Richier… (2019), contribuant à mettre en exergue les nombreuses sculptrices formées dans l’atelier d’Antoine Bourdelle. À la suite de deux colloques organisés par AWARE, l’un autour de la problématique de la parentèle (2016), l’autre sur la formation et la professionnalisation (2019), et ce sur une large période entre le XIXe et le XXe siècle, il paraît pertinent de se pencher sur la manière dont les élèves se sont construites en tant qu’artistes au travers de l’apprentissage auquel des femmes ont pu contribuer.

La question de la transmission dans ses continuités et ses ruptures demeure, en France, au cœur de la création dans une période où les femmes accèdent seulement à la fin du XIXe siècle à l’École des beaux-arts, institution publique garante d’une forme de professionnalisme. La transmission ne se résume pas aux seules problématiques plastiques mais s’étend à un ensemble de valeurs et de codes constituant la culture artistique à laquelle on pourrait rattacher la notion de réseau, enjeu primordial de l’accès à la professionnalisation.

Le terme de « maîtresses » renvoie bien entendu à l’emblématique ouvrage de Roszika Parker et Griselda Pollock (1981) et à ce désir de transgresser le récit canonique de l’histoire de l’art. Nous souhaitons attirer plus particulièrement l’attention sur le rôle de référent et de pédagogue de certaines femmes. Qui sont-elles dans ce contexte de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle ? Comment des femmes – telles Rosa Bonheur et sa sœur Juliette se retrouvant en 1849, à la suite de leur père, à la tête de l’École nationale de dessin pour les jeunes filles –, envisagent-elles la pédagogie ? À cet égard, la date nous paraît intéressante à retenir comme premier jalon de cette histoire. Un autre exemple marquant et peu étudié est celui de « l’Espagnole » Amélie Beaury-Saurel, longtemps dans l’ombre de Rodolphe Julian et contribuant à la formation artistique des femmes jusqu’à sa mort en 1924, dernier repère de notre étude. En outre, que savons-nous des massières et de leur rôle d’intermédiaire ? Il est évident que les figures masculines, nombreuses, ne peuvent être écartées de cette histoire.

Elles ont indéniablement joué un rôle important dans un cadre individuel ou collectif, tel l’atelier des dames de Carolus-Duran et Jean-Jacques Henner, l’atelier de Thomas Couture ou ceux de Ferdinand Humbert et Laurent Marqueste à l’École des beaux-arts.

Au-delà de la différenciation sexuelle des professeurs, on peut s’interroger sur l’organisation matérielle de l’apprentissage au sein de l’atelier. Les sujets, les méthodes et les enseignements connaissent-ils des distinctions ou variations genrées ? Comme le suggère Camille Mauclair dans son article, « L’art des femmes peintres et sculpteurs en France » (1901), le fait d’être femme et de devoir prouver sa capacité artistique conduit-il à se conformer à des modèles traditionnels ? À quelle histoire de l’art les artistes femmes se réfèrent-elles ? Quelles sont leurs sources artistiques et littéraires ? Quels canons et quels modèles reproduisent-elles ?

On pourra également s’intéresser à l’incidence de la modernité et de l’individualisation croissante de la pratique artistique sur la formation. Comment les artistes femmes se positionnent-elles face à un enseignement qui apparaît de plus en plus désuet ? Quelle est la valeur accordée aux maîtres et maîtresses dans ces échanges tandis que les élèves paraissent s’émanciper de leur autorité ? L’atelier s’apparente-t-il à un lieu d’apprentissage d’un savoir technique ou d’une sociabilité professionnelle ? Les liens plus personnels – familiaux, amicaux ou amoureux – entretenus avec certains maîtres ou maîtresses permettent-ils de mieux s’affranchir d’un enseignement traditionnel ? Il paraît également intéressant de porter notre attention sur les académies d’été, comme celles qui accueillent les Finlandaises en Bretagne, ainsi que sur les circulations d’artistes femmes qui peuvent être porteuses de modèles artistiques différents.

  • Les propositions (350 mots au plus) devront être envoyées au plus tard le 17 février 2020, accompagnées d’une courte bio-bibliographie à :

marion.lagrange@u-bordeaux-montaigne.fr

adriana.sotropa@u-bordeaux-montaigne.fr

  • Les participants recevront une réponse le 24 février 2020.
  • Les communications devront durer 25 minutes au maximum.

Comité d’organisation

Marion Lagrange et Adriana Sotropa – Université Bordeaux Montaigne

Comité scientifique

Marion Lagrange et Adriana Sotropa – Université Bordeaux Montaigne

Emmanuelle Trief-Touchard – musée Roybet-Fould Courbevoie

Catherine Chevillot et Véronique Mattiussi – musée Rodin

 

Bacchanales ! Ivresse des arts au XIXe siècle

Ouvrage publié sous la direction d’Adriana Sotropa, maître de conférences en histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne) et Sara Vitacca, docteure en histoire de l’art (université de Paris I).

Ce livre est issu du colloque international adossé à l’exposition Bacchanales modernes ! Le nu, l’ivresse et la danse dans l’art français du XIXe siècle (Palais Fesch-musée des Beaux-Arts d’Ajaccio ; Bordeaux, musée des Beaux-Arts). Sur ces manifestations, qui se sont tenues en 2016, voir : http://www.musba-bordeaux.fr/fr/Bacchanales

Au cours d’un XIXe siècle fortement marqué par la porosité des relations entre les arts, le thème dionysiaque est un témoignage efficace des correspondances constantes entre champs artistiques. La bacchanale pénètre en particulier les mythologies voisines qui s’élaborent autour de l’Orient et de l’Italie. Elle émerge dans un univers idyllique qui célèbre le retour à l’âge d’or, le culte de la fête champêtre et de la pastorale mais qui possède aussi un versant diabolique, dans les scènes de sabbat, de festin ou d’orgie des corps en tumulte. La bacchante côtoie de près l’image de la danseuse, de Salomé, en un mot, de la femme fatale. Simple prétexte iconographique souvent, occasion de dénonciation des tares d’une société bridée parfois, la figure de la bacchante n’a pas fini de livrer ses mystères. Protagoniste d’une mythologie particulière et secrète, ses travestissements sont en partie dévoilés dans les pages qui suivent. L’analogie de la bacchante et de la danseuse, particulièrement heureuse, révèle également le domaine où le dionysiaque trouve son parfait accomplissement à l’époque de la modernité : la danse.

Cette publication cherche à nourrir les réflexions des chercheurs qui s’intéressent au champ du dionysiaque et à sa réception à travers les siècles, mais s’adresse également à ceux et celles qui souhaitent regarder la création dix-neuviémiste sous un nouveau jour. Contournant et détournant les mouvements, les courants et les catégories historiographies traditionnelles, c’est à travers le prisme d’une inspiration commune, puisée dans les poétiques du vin, de l’extase et de la danse, que l’ivresse des arts du XIXe siècle est explorée.

Avant-propos, par Laurence Chesneau-Dupin, directrice de la culture à la Fondation pour la culture et les civilisations du vin – Bordeaux, La Cité du Vin

Préface, par Sophie Barthélémy, directrice du musée des Beaux-Arts de Bordeaux et Sandra Buratti-Hasan, directrice adjointe du musée des Beaux-Arts de Bordeaux

Trajectoires bachiques au XIXe siècle, Adriana Sotropa et Sara Vitacca

Bacchus et son cortège sur les cimaises officielles (1801-1900), Dominique Lobstein, historien de l’art

Nymphes, danses et tambourin : de la bacchanale à la saltarelle ou le monde merveilleux de Camille Corot, Nathalie Michel-Szelechowska, musée du Louvre

Autour de Ferdinand Levillain, Bacchus et la vigne dans les arts décoratifs du XIXe siècle, Michaël Vottero, conservateur des monuments historiques de Bourgogne

Dionysos et la musique dans la peinture de Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Daniela Cataldo, Università del Salento

Danseuses en métamorphoses: les bacchantes de la littérature fin-de-siècle, Valérie Lavigne, université de Nice Sophia-Antipolis

Bacchantes romantiques : réminiscences dionysiaques dans le ballet et ses représentations au XIXe siècle, Bénédicte Jarrasse, Université Paris 3

“En cette chair secouée habite, semble-t-il, toute la fièvre de la trépidante existence moderne”. Vierge folle/Het Zotte Geweld de Rik Wouters (1912), Herwig Todts, conservateur au musée royal des Beaux-Arts d’Anvers

Les bacchanales d’Isadora Duncan : réaliser et déjouer un rêve de danse du XIXe siècle, Katharina Van Dyk, université Paris 8

La tentation du symbolisme dans l’art roumain

Avec le soutien du Centre Pariset et l’Université Bordeaux Montaigne, vient de paraître aux Presses universitaires de Rennes l’ouvrage d’Adriana Sotropa, La tentation du symbolisme dans l’art roumain : promoteurs, formes, discours.

Bénéficiant du relais de figures telles que le poète Alexandru Macedonski ou de mécènes comme Alexandru Bogdan-Piteştile, le Symbolisme mérite d’être réexaminé dans ses contours et son contenu, dans une Roumanie à la fois soucieuse de s’inscrire dans la modernité et en quête de racines. Cet ouvrage vise ainsi à faire découvrir tout un pan de l’histoire de l’art roumain du XIXe siècle à l’entre-deux-guerres.

Bacchanales ! Colloque international – appel à communication

Bacchanales !

Le nu, l’ivresse et la danse au XIXe siècle

Colloque international

(Bordeaux, 4-5 février 2016)

 Bacchanale

Le mythe de Bacchus, dieu vagabond de l’ivresse, de l’extase contagieuse et de l’inspiration créatrice, connaît de multiples résurgences au cours de l’histoire. Au XIXe siècle, ce « dieu mystérieux », qui vit selon Baudelaire « caché dans les fibres de la vigne », revient en force troubler et nourrir la création artistique. Alors que les mythographes redécouvrent le culte du dieu antique et que les poètes romantiques, de Schlegel à Schelling, en raniment les profondeurs orphiques et spirituelles, les artistes se laissent également emporter par les pouvoirs enivrants de Bacchus et de son cortège. Bien avant Nietzsche, bacchanales, fêtes orgiaques, cortèges de faunes et satyres, ménades dansantes et triomphes de Continuer la lecture de Bacchanales ! Colloque international – appel à communication

Marché(s) de l’art en province 1870-1914

Marché(s) de l’art en province 1870-1914, études réunies par Laurent Houssais et Marion Lagrange, Les Cahiers du Centre François-Georges Pariset, n° 8, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, 2010. 167 p.

Alors que le marché de l’art parisien a fait l’objet de nombreuses études qui ont permis d’identifier les différents acteurs et favorisé la compréhension des enjeux sous-jacents, la situation en province est plus difficile à appréhender. Ce champ de recherches a fait l’objet d’une première enquête en 1964 par la sociologue Raymonde Moulin. Il bénéficie ensuite, dans les années 1980, des investigations menées sur l’histoire des collections et des institutions. Le présent ouvrage complète et approfondit notre vision, encore imparfaite, du marché de l’art provincial. Il dresse un premier bilan des recherches tout en soulignant la richesse de ce domaine et la variété des approches.

Les contributions réunies dans ce recueil mettent en lumière la diversité des situations et des enjeux, explorent la multiplicité des échanges engendrés par ces marchés, en particulier avec la scène artistique parisienne. Elles permettent de se libérer d’une vision rétrograde et stéréotypée de la province tout en encourageant une réflexion sur la méthodologie de ce domaine d’études partagé entre histoire de l’art, sociologie de l’art, histoire culturelle et géographie artistique.

Table des matières

Avant-propos par Marion Lagrange, maître de conférences en histoire de l’art contemporain, université Bordeaux III

Préface par Raymonde Moulin, sociologue, directrice de recherche honoraire au CNRS

Le « sol ingrat de la province », introduction par Laurent Houssais et Marion Lagrange, maîtres de conférences en histoire de l’art contemporain, université Bordeaux III

Entre art et politique : la Société des amis des arts de Strasbourg (1870-1918) – Anne-Doris Meyer, chargée de mission aux Musées de la Ville de Strasbourg

La Société des amis des arts de Nantes : l’action d’une association sur le marché de l’art local – Alain Bonnet, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Nantes

Les loteries des salons de province, entre économie et philanthropie – Nicolas Buchaniec, docteur en histoire de l’art contemporain, université Charles de Gaulle-Lille III

L’exposition des Nabis en 1894 à La Dépêche de Toulouse : un essai de décentralisation artistique – Aurélie Peylhard, chargée d’études au musée Gustave Moreau

L’atelier-musée des frères Carli et la promotion de la sculpture religieuse à Marseille – Laurent Noet, docteur en histoire de l’art contemporain – université Paul Valéry Montpellier III

La Société des amis des arts de Bordeaux face à la presse nationale et locale : quelle critique d’art pour la province ? – Dominique Dussol, professeur en histoire de l’art contemporain à l’université de Pau et des Pays de l’Adour

Les Artistes normands au Salon : un outil de promotion locale des artistes normands exposant aux expositions de province – Dominique Lobstein, responsable de la bibliothèque du musée d’Orsay

À la recherche d’amateurs : l’exemple de la participation du peintre parisien Gustave Moreau aux expositions de province – Geneviève Lacambre, conservateur en chef honoraire au musée d’Orsay

Edmond Sagot et l’affichomanie en province : commerce et valorisation de l’affiche comme nouveau genre artistique – Nicholas-Henry Zmelty, doctorant en histoire de l’art contemporain – université de Picardie Jules Verne, Amiens ; chargé d’études et de recherche à l’INHA

Les interactions et les échanges artistiques Paris-province à partir de la prosopographie du Conseil supérieur des beaux-arts (1875-1914) – Marie-Claude Genet-Delacroix, professeur d’histoire de l’art contemporain à l’université de Reims Champagne-Ardenne

La fin de l’exclusion artistique. Le marchand d’art berlinois Louis Friedrich Sachse à la conquête de la province – France Nerlich, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université François Rabelais, Tours

Annexe. Rapport de Roger Ballu, dit Roger-Ballu (1852-1908), inspecteur des Beaux-Arts, commissaire principal des expositions des Beaux-Arts en France et à l’étranger, sur l’activité des sociétés en province, 26 décembre 1893

Les ruptures, figures du discours historique

Les ruptures, figures du discours historique, études rassemblées par Richard Leeman, Bordeaux, Centre F.-G. Pariset, 2005. 122 p.

Actes de la 5e journée d’études d’histoire de l’art moderne et contemporain

Table des matières

Avant-propos par Christian Taillard, professeur d’histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne Bordeaux III

Introduction par Richard Leeman, maître de conférences en histoire de l’art contemporain, université Michel de Montaigne Bordeaux III

Attention ! Un train peut en cacher un autre !… – Werner Hofmann, Directeur honoraire de la Kunsthalle de Hambourg

La nature morte dans la hiérarchie des genres. Chronique d’une vraie fausse rupture – Sabine du Crest, maître de conférences en histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

De la rupture comme résurgence du caractère national – Dominique Jarrassé, professeur d’histoire de l’art contemporain, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

Les années 1820 en France ou la « bataille » romantique : historiographie d’un discours orienté – Catherine Martin, docteur en histoire de l’art, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

1888, le Talisman de Sérusier : analyse d’une transmission – Claire Barbillon, maître de conférences en histoire de l’art, université Michel de Montaigne-Bordeaux III ; annexe, « tableau des principales expositions dans lesquelles a été exposé le Talisman (1945-2001) »

In illo tempore… Ces légendes qui font l’histoire – Claude Frontisi, professeur émérite d’histoire de l’art, université Paris X-Nanterre

Deuil et ruptures de la Grande Guerre, entre mobilisation et démobilisation artistique – Annette Becker, professeur d’histoire, université Paris X-Nanterre

L’après-Rodin : « la bande à Schnegg », une rupture ? – Amandine Placin-Geay, docteur en histoire de l’art, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

Historiographie soviétique depuis la mort de Staline : points de rupture et de contact entre l’histoire (de l’art) officielle et non officielle – Claude Ravant, journaliste, docteur en histoire de l’art

Le poststructuralisme, figure d’une historiographie « postmoderne » – Richard Leeman, maître de conférences en histoire de l’art, université Michel de Montaigne-Bordeaux III