Écrire l’histoire de l’art: aux frontières de la discipline

Cette seconde édition de la journée des doctorants et doctorantes du Centre F.-G. Pariset est organisée par Sarah Crépieux-Duytche, Naouel Nessark et Léa Tichit. Elle a pour objectif de mettre en valeur les différentes thématiques des thèses portées au sein du laboratoire. Par des communications et tables rondes seront interrogées les interconnexions et les frontières de nos objets d’étude. Une intervention des membres de l’association transfrontaliers, association de doctorants et docteurs en histoire de l’art fondée en 2018, nous permettra d’appréhender bien des contours de la recherche transnationale.

Elle se tiendra le jeudi 14 novembre 2019, à l’université Bordeaux Montaigne, Odéon de l’Archéopôle.

Pour les modalités pratiques et le programme de cette journée :

François-Georges Pariset (1904-1980) : objets et méthodes d’un historien de l’art

Le Centre François-Georges Pariset (université Bordeaux Montaigne, EA 538) et Passages (École nationale supérieure d’architecture et de paysage de Bordeaux, UMR 5319) lancent cet appel à communication pour l’organisation d’une journée d’étude qui aura lieu le 9 octobre 2020, à Bordeaux, dans l’auditorium de la bibliothèque Mériadeck.

À l’occasion du quarantième anniversaire de sa disparition et du dépôt récent à l’INHA d’une part importante de ses archives personnelles, cette journée d’étude souhaite réévaluer les travaux de François-Georges Pariset (1904-1980) et considérer les enjeux de l’érudition en histoire de l’art, à la lumière de son positionnement méthodologique.

François-Georges Pariset tenant un exemplaire de L’Art classique (Paris, Presses universitaires de France, coll. « Les Neuf muses » – Histoire générale des Arts, 1965), photographie non datée, archives privées.

La carrière de François-Georges Pariset épouse les grandes dynamiques de l’implantation de l’histoire de l’art dans le paysage universitaire, entre les années 1930 et les années 1970. Issu d’une famille d’érudits, sa formation d’historien à l’université de Strasbourg marque son approche documentaire et archivistique de la connaissance des œuvres d’art. Parmi ses premiers soutiens, on compte Louis Réau, René Schneider et Pierre Lavedan mais aussi Lucien Febvre qui, en 1950, publie dans les Annales un compte rendu de la monographie consacrée à Georges de La Tour (Paris, Henri Laurens, 1948), issue de sa thèse soutenue en Sorbonne en 1947. Quel bilan faire de ce type d’approche et, plus largement, de l’apport de Pariset dans le processus de redécouverte des œuvres de La Tour ?

L’ancrage régional constitue un trait de la trajectoire intellectuelle de François-Georges Pariset. De l’est de la France à l’Aquitaine, son itinéraire l’amène, au fil des années, à considérer de nouveaux sujets. Grünewald, Jacques de Bellange, Hans Baldung Grien et Georges de La Tour constituent, dès ses premiers articles publiés dans les années 1930, quelques-uns de ses artistes de prédilection, auxquels s’ajoute Claude Deruet à la fin des années 1940. À son arrivée à Bordeaux, en 1952, suite à sa nomination en tant que professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain à la Faculté des Lettres, son intérêt se focalise davantage sur l’architecture bordelaise, en particulier du XVIIIe siècle. Son goût de l’enquête sur le terrain, dont il s’attache souvent dans ses articles à restituer les étapes, l’amène à produire plusieurs études consacrées à Victor Louis et Louis Combes. Des peintres alsaciens et lorrains de la Renaissance à l’architecture classique et néo-classique, la province se révèle être au cœur du discours historique que Pariset développe et consolide jusqu’aux années 1970. Comment appréhender ce parcours, non seulement au regard d’une carrière jalonnée par les échanges avec l’Allemagne (détachement à l’Institut français de Berlin de 1931 à 1932, docteur honoris causa de l’université de Hambourg), mais aussi à l’échelle de l’histoire transnationale de l’art ?

Ce sont donc les enjeux méthodologiques et institutionnels promus par l’un des représentants académiques de l’histoire de l’art, sur lesquels cette journée d’étude entend revenir. Sur la base d’une relecture critique de ses écrits, nous proposons de réexaminer l’apport de François-Georges Pariset à l’histoire de l’art et de recontextualiser les liens, échanges et collaborations qu’il a pu établir avec ses confrères. En quelle mesure contribua-t-il à la redécouverte de nombreux artistes ? Comment lire Pariset aujourd’hui ? Ces questions sont d’autant plus légitimes que cet historien de l’art est quelque peu tombé dans l’oubli.

La manifestation sera accompagnée d’une exposition des dessins de François-Georges Pariset qui se tiendra à la bibliothèque municipale Mériadeck de Bordeaux à la rentrée 2020.

Comité scientifique et organisateur

Laurence Chevallier (École nationale supérieure d’architecture et de paysage de Bordeaux, UMR 5319)

Myriam Metayer (université Bordeaux Montaigne, EA 538)

Adriana Sotropa (université Bordeaux Montaigne, EA 538)


Les propositions de communication, de 300 mots environ, accompagnées d’un titre et indiquant les principales sources utilisées, de même qu’une brève notice biographique, sont à adresser avant le 1er février 2020 à :

   – Laurence Chevallier : laurence.chevallier@bordeaux.archi.fr

   – Myriam Metayer : myriam.metayer@u-bordeaux-montaigne.fr

   – Adriana Sotropa : adriana.sotropa@u-bordeaux-montaigne.fr

Les réponses seront communiquées au plus tard à la fin du mois de février 2020.

Les communications ne devront pas excéder 25 minutes.


Pour télécharger le présent appel :

Architecture et urbanisme de la Reconstruction en Nouvelle-Aquitaine (1940-1958) : sources, méthodes et outils

Cette journée d’étude, organisée par Gilles Ragot, professeur d’histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset, EA 538) et Émilie d’Orgeix, directrice d’études à l’EPHE (PSL – Histara), se tiendra le jeudi 7 novembre 2019 à la Direction des Affaires régionales de Nouvelle-Aquitaine, salle chapelle, 54 rue Magendie, 33074 Bordeaux.

En France, les travaux consacrés au patrimoine de la seconde Reconstruction (1940-1958) portent essentiellement sur des ensembles urbains (Brest, Le Havre, Caen, Royan, Oradour-sur-Glane…) ou des départements massivement détruits tels le Nord-Pas-de-Calais, le Finistère ou la Normandie. Il est désormais nécessaire d’élargir ce spectre à des territoires plus vastes et plus inégalement touchés par la guerre. Cette inflexion permettra notamment d’affiner les typologies de destructions, d’étudier de manière exhaustive les processus d’interventions urbaines et rurales  et de documenter l’ensemble des postures professionnelles. D’un point de vue patrimonial, elle rendra également effective l’identification et la protection de sites et d’architectures remarquables qui ont échappé au crible des inventaires.

Le glissement à de nouvelles échelles territoriales, plus vastes et moins méthodiquement détruites, impose néanmoins des stratégies d’analyse fondamentalement différentes. Comment conformer ou adapter les méthodes de recherche déjà éprouvées, à petite ou moyenne échelle, pour rendre compte au Large de la politique urbaine, architecturale et territoriale mise en œuvre par le ministère de la Reconstruction et de l’Urbanisme ? Quels sites sélectionner et en fonction de quels critères ? Quelles stratégies d’analyse, de classement et de croisement des sources adopter face à des dossiers documentaires pléthoriques issus de fonds d’archives nationales, départementales, communales et privées ?

Se fondant sur la vaste enquête engagée en 2017 sur le patrimoine de la Reconstruction par la Direction régionale des affaires culturelles de Nouvelle-Aquitaine, cette journée d’étude invite à repenser la structuration de méthodes d’analyse architecturale et urbaine menée à l’échelle de la plus grande circonscription administrative de France. Les interventions présentées offriront l’occasion de revenir sur la méthodologie du travail et d’en réinterroger la pertinence dans le cadre d’une étude pionnière qui couvre les douze départements de la Nouvelle-Aquitaine, classée cinquième région pour le nombre de destructions à l’issue de la seconde guerre mondiale.

Pour les modalités pratiques et le programme des interventions : 

Fig. : vue d’une des salles de l’exposition “Reconstruire : Santé, Habitation, Urbanisme”, organisée au musée des Beaux-Arts de Bordeaux, 2-25 mars 1946 (Bordeaux, musée des Beaux-Arts)

http://www.musba-bordeaux.fr/article/reconstruire-sant%C3%A9-habitation-urbanisme

Usages européens des matières et des denrées venues d’ailleurs aux XVIIIe et XIXe siècles

Tabatière. Paris, 1781-1783. Laque japonais, or, émail. Paris, musée du Louvre, département des Objets d’art. Legs Philippe Lenoir, 1874

Table ronde organisée dans le cadre des jeudis du MADD, jeudi 10 octobre à 18h

Les Amis du madd et le Centre François-Georges Pariset (EA 538, Université Bordeaux-Montaigne) proposent une table ronde dans le cadre de l’exposition “La passion de la liberté. Des Lumières au romantisme” qui est organisée conjointement par le madd-bordeaux et le musée des Beaux-Arts de Bordeaux, avec la participation exceptionnelle du musée du Louvre.  

La circulation des marchandises et le développement du commerce à l’époque moderne favorisent la création d’objets dédiés et l’apparition de nouveaux usages. Cette thématique sera abordée sous différents angles à l’occasion d’une discussion menée par Sabine du Crest, maître de conférences en histoire de l’art moderne, membre du Centre F.-G. Pariset. Elle réunira Geneviève Lacambre, conservateur général honoraire du patrimoine et spécialiste du japonisme, ainsi qu’Annick Notter, conservateur honoraire du musée d’Art et d’Histoire de la Rochelle.

Pour les modalités pratiques et la préinscription obligatoire, voir :

https://madd-bordeaux.fr/les-jeudis-du-madd

Espaces frontière : la demeure comme œuvre

Colloque organisé par Sabine du Crest (université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset, EA 538 ; FF The Harvard University Center for Italian Renaissance Studies, Villa I Tatti), en collaboration avec le Museo Stibbert et l’Institut français de Florence.

Firenze, Museo Stibbert

Ce colloque, qui se tient le 1er octobre 2019 à Florence, au Museo Stibbert et à l’Institut français, a pour objet d’approfondir l’un des propos d’une future exposition : “Si loin si proche. L’Esotismo negli interni europei tra Ottocento e Novecento” (Museo Stibbert, septembre 2020-janvier 2021), dont le commissariat est assuré par Sabine du Crest. L’idée est de s’intéresser ici au cas le plus extrême, celui de la demeure comme œuvre, suivant l’idée de Walter Benjamin d’une transfiguration des objets introduits dans son intérieur par le collectionneur.

Pour une présentation plus détaillée et le programme de la journée, voir :

Quel avenir pour notre-dame ?

Dans la nuit du 15 au 16 avril 2019, le monde entier assistait en direct, impuissant, à l’incendie de la charpente et de la flèche de la cathédrale Notre-Dame de Paris. En une nuit disparaissait un élément iconique du ciel parisien. C’est, au-delà, un édifice majeur dans la relation des Français à l’égard de leur patrimoine qui a été atteint, et l’un des monuments les plus emblématiques des biens inscrits sur la liste du patrimoine mondial. L’émotion a été immédiate, planétaire, et l’élan de solidarité aussi spectaculaire que l’avait été la catastrophe. L’exécutif a réagi sur le champ, avec l’annonce par le Président de la République que Notre-Dame serait rebâtie “plus belle” dans un délai de cinq ans, puis, par le Premier Ministre, qu’un concours d’architecture serait lancé pour la reconstruction de la flèche. Dans les jours qui ont suivi, les commentaires de spécialistes parfois improvisés se sont multipliés, et bien des propos fantaisistes ont été répétés sans contrôle, sur les causes de l’incendie, sur l’étendue des dégâts, sur l’état de la structure, sur les solutions envisageables pour le rétablissement de la toiture….

L’émotion passée, il apparaît nécessaire de revenir sur cette catastrophe, pour fournir à tous ceux qui le souhaitent des éléments fiables d’information, de compréhension et de réflexion sur la cathédrale Notre-Dame, son état actuel, son avenir, en s’appuyant sur l’expertise de spécialistes de domaines scientifiques et professionnels tels que l’histoire de l’architecture, l’archéologie, l’histoire des représentations, l’étude des matériaux du patrimoine, ou la restauration des monuments historiques. C’est l’objectif que se fixent, en partageant le plus largement possible leurs interrogations, les intervenants réunis à Bordeaux pour cette journée ouverte à tous les publics, étudiants, universitaires, amateurs et amoureux du patrimoine.

Le programme de cette journée de réflexion, qui se déroulera le 4 octobre 2019 à l’université de Bordeaux Montaigne (amphi 700), est téléchargeable ici, avec l’affiche.

L’organisation de cette journée est assurée par Yves Gallet, professeur d’histoire de l’art médiéval (Ausonius, UMR 5607) et Gilles Ragot, professeur d’histoire de l’art contemporain (Centre François-Georges Pariset, EA 538)

 

La chambre et les arts. L’intime au défi

Étienne Boulanger, Single Room Hotel Skulpturenpark Berlin Zentrum, Berlin, 2007-2008.
Vue intérieure du Single Room Hotel (échafaudage, panneaux de bois aggloméré, plaques de plâtre, matériaux isolants, installation électrique, installation sanitaire, affichage publicitaire, mobilier d’hôtel). Courtesy Association Étienne Boulanger.
  • Appel pour une journée d’étude organisée à l’université de Bordeaux Montaigne par Marie Escorne (CLARE, EA 4593 – ARTES) et Myriam Métayer (Centre F.-G. Pariset, EA 538). Elle se tiendra le 18 février 2020 à la Maison des sciences de l’homme d’Aquitaine, salle Jean Borde.

Dans la culture occidentale, la chambre est un espace clos, généralement intégré à un ensemble de plus grandes dimensions (la maison, l’hôtel, la cité universitaire, l’hôpital…). Cet effet gigogne fait d’elle un lieu particulièrement lié à l’« intime », dont l’étymologie renvoie au superlatif d’interior : plus intérieur que l’intérieur. Ce qui se passe dans la chambre est en effet à l’abri des regards et du monde dont le sujet semble s’extraire lorsqu’il se retire dans cette pièce. Les usages de la chambre (lieu du sommeil, de la sexualité, de la convalescence) renforcent le lien avec l’intime et l’intériorité. Comme les profondeurs du psychisme, la chambre se révèle ainsi, de prime abord, tel un antre que seuls quelques privilégiés peuvent pénétrer.

La chambre apparaît de manière récurrente dans les mises en scène de l’intimité par les artistes habituellement affiliés à la tendance des « mythologies individuelles » (Nan Goldin, Sophie Calle, Pierrick Sorin…). Issue de l’existant ou créée de toutes pièces, la chambre comme environnement, à commencer par Bedroom Ensemble de Claes Oldenburg (1963), se fait aussi espace dialectique, bousculant les représentations sensorielles et psychiques que nous nous faisons de l’intime. Enfin, lorsqu’elle devient espace d’exposition, la chambre met en péril le concept moderniste du white cube, qui se voudrait neutre et épuré, pour situer l’art au cœur de la création dans sa dimension individuelle et singulière. Depuis les années 1960, les artistes se sont donc emparés du territoire de la chambre. En quelles mesures en ont-ils redessiné les bornes, faisant de ce lieu du repli un espace public, de surcroît un laboratoire d’étude privilégié de l’évolution de nos comportements sociaux ? La chambre ne constituerait-elle pas une figure de référence dès lors qu’il s’agit de questionner les contradictions de l’intime ?

Excluant a priori d’autres définitions (la chambre au sens d’un dispositif technique, comme la chambre noire, ou au sens plus large d’une salle pouvant accueillir des réunions, etc.), la journée d’étude que nous organisons propose d’envisager avant tout la chambre à coucher, en tant qu’espace sensible étroitement associé à l’histoire de l’intimité.

Cette journée s’adosse à l’un des programmes de l’épreuve d’histoire de l’art de l’agrégation d’Arts plastiques portant, depuis la session 2019 et jusqu’en 2021, sur « l’intime dans l’art des années 1960 à nos jours ». La chambre dépasse cependant le domaine des arts plastiques et se voit fréquemment représentée, déplacée, investie, déformée, recréée à travers différents médiums et différentes expressions artistiques (cinéma, théâtre, design, architecture…) qui auront leur place dans la journée d’étude. Il s’agira ainsi d’interroger, dans une triple perspective historique, culturelle et artistique, les formes, les dispositifs et les stratégies auxquels les arts ont recours pour faire écho à la dualité de l’intime. Entre repli et partage, à l’heure des réseaux sociaux, la chambre est-elle encore le territoire privilégié de l’intime ? Afin d’interroger cette proposition les contributions pourront s’inscrire dans les axes de réflexion suivants :

La chambre, lieu de la construction de soi

La chambre apparaît souvent comme le reflet de son occupant : la disposition, les objets que l’on choisit d’y conserver, les images affichées, témoignent des goûts et éventuellement du caractère d’un individu. Les installations des époux Kabakov et les photographies de John Thrackway, par exemple, explorent ce lien de manières très différentes.

Le thème de la chambre se prête à un questionnement sur l’identité sexuelle ou sur le genre. Peut-on en conclure qu’il y a des enjeux particuliers pour les femmes, mais aussi pour les minorités, dans la réflexion sur cet espace ?

On pourra enfin s’interroger sur la place des chambres dans le parcours et la mémoire d’un individu, un aspect en particulier exploré par Rachel Whiteread, Heidi Bucher ou encore Armelle Caron.

La chambre, espace d’exposition

Quelles expériences singulières les artistes provoquent-ils lorsqu’ils transforment, à l’exemple de Jeremy Deller (Open Bedroom, 1993), leur chambre en lieu d’exposition alternatif ?  

La chambre envisagée comme une œuvre d’art « totale » pourra aussi être abordée : pensons à la recréation de la chambre de 2001 : L’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrik par Simon Birch et Paul Kember (The Barmecide Feast, 2016) et aux projets utopistes de Joep van Lieshout.  

Cet axe permet en outre de questionner la relation du collectionneur à cet espace particulier (par exemple, la reconstitution de la chambre de Ghislain Mollet-Viéville au Mamco de Genève).

La chambre, espace relationnel ?

Le fait que la chambre soit un espace clos, délimité, normalement réservé à un ou deux individus, lui donne un aspect mystérieux qui suscite la curiosité et l’indiscrétion. Mais le caractère confiné de la chambre est aussi une contrainte qui s’avère parfois créatrice. La Chambre de Chantal Akerman (1972) ou l’adaptation d’Un homme qui dort de Georges Pérec par Bruno Queysanne (1974) pourraient ici être évoqués.

On peut citer les artistes qui ouvrent a contrario leurs chambres, celles-ci devenant de véritables espaces « relationnels » : c’est le cas de Sophie Calle avec Les Dormeurs (1979) ou Chambre avec vue (2003) et plus récemment Caroline Newton avec A Bedroom For Strangers (2018).

Regard sur des chambres impersonnelles

Cette piste de réflexion propose d’envisager des lieux plus impersonnels, tels que les chambres d’hôpital, les chambres d’hôtel ou encore les chambres universitaires, qu’il serait possible de rapprocher de la définition que Marc Augé donne des « non-lieux ». Ces chambres sont cependant liées à un imaginaire particulier, perceptible à travers de nombreux films mais aussi des installations comme Motel Room de Georges Segal (1967) ou les œuvres de Chiharu Shiota (Flowing Water, 2009, Flow of Life, 2017).

On pourra analyser ici des installations fonctionnant comme des chambres d’hôtel (Étienne Boulanger, Single Room Hotel, 2007, Tatzu Nishi, Villa Victoria, Liverpool, 2002).

Des enjeux politiques apparaissent enfin lorsque des artistes s’intéressent par exemple aux chambres dans les hôpitaux psychiatriques ou les centres de détention (Raymond Depardon, Grégoire Korganow).

  • Les communications ne devront pas excéder 30 minutes. La journée d’étude se veut pluridisciplinaire. Elle est ouverte aux jeunes chercheurs et chercheurs confirmés.
  • Merci d’envoyer votre proposition de contribution (500 mots), accompagnée d’un titre et de 5 mots clés, ainsi qu’une courte biographie aux organisatrices de la journée d’étude :

Marie Escorne, maître de conférences en arts plastiques : marie.escorne@u-bordeaux-montaigne.fr

Myriam Métayer, maître de conférences en histoire de l’art contemporain : myriam.metayer@u-bordeaux-montaigne.fr

  • Date limite d’envoi des propositions : 10 septembre 2019
  • Date de réponse : mi-octobre 2019

JEUX ET ENJEUX DU CADRE DANS LES SYSTÈMES DÉCORATIFS DE LA PREMIÈRE MODERNITÉ (1500-1700)

Jeux et enjeux du cadre dans les systèmes décoratifs de la première modernité (1500-1700), sous la direction de Nicolas Cordon, Édouard Degans, Elli Doulkaridou-Ramantani et Caroline Heering, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2019.

Qu’il soit éphémère ou permanent, profane ou religieux, qu’il concerne l’architecture, la sculpture, la peinture, la tapisserie ou les jardins, l’art du décor atteint en Europe un degré exceptionnel d’élaboration et de complexité à partir de la Renaissance. Les études réunies dans le présent volume s’intéressent aux dispositifs d’encadrement, réels ou feints, imaginés par les artistes pour délimiter, articuler, transfigurer les différentes parties de leurs décors, tout en conditionnant l’expérience et la réception du message proposé aux sens. Trop souvent considéré par l’histoire de l’art comme un ornement accessoire destiné à embellir objets et images, le motif du cadre trouve dans les décors de la première modernité (1500-1700) un champ d’application aussi vaste que fécond, et permet de penser l’œuvre dans son ensemble comme un système unitaire organisant, parfois de façon étonnamment ludique, plusieurs niveaux de représentation et d’artifice.

 

TABLE DES MATIÈRES

Introduction

Clôture & sémiotique du cadre

Dans la marge, à travers le cadre et au-delà. Dispositifs d’encadrement dans les manuscrits enluminés romains, de Léon X à Paul III, Elli Doulkaridou-Ramantani, doctorante en histoire de l’art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Cadre(s) gravé(s) : les affiches de thèse dans le décor éphémère de la soutenance académique, Gwendoline De Mûelenaere, docteur en histoire de l’art, université catholique de Louvain

Les cadres des azulejos baroques portugais, Rosário Salema de Carvalho (traduit de l’anglais par Édouard Degans), docteur en histoire de l’art de la faculté de lettres de l’université de Lisbonne

Le cadre dans l’art des jardins de la Renaissance : une figure de la transitio, Laurent Paya, ingénieur paysagiste (Agocampus Ouest, Angers), docteur en histoire de l’art (CESR, Tours)

Rhétorique & autonomie du cadre

La sculpture encadrée. Observations sur l’encadrement dans les ensembles sculptés italiens du XVIe siècle, Émilie Passignat, docteur en histoire de l’art (université de Strasbourg/università di Pisa), enseignante à l’università Ca’Foscari, Venezia

La pompe funèbre de Charles III ou les mensonges du cadre, Vincent Dorothée, diplômée de l’École supérieure des arts appliqués Duperré et de l’École Normale supérieure de Cachan, professeur agrégé d’arts appliqués à l’École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art Olivier de Serres (Paris, XVe), doctorant en histoire de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Le frontispice comme encadrement : statuts et fonctions d’un système décoratif (Anvers, XVIe-XVIIe siècles), Annelyse Lemmens, doctorante en histoire de l’art à l’université catholique de Louvain

Cadres et encadrements dans l’architecture française à l’Âge classique, Catherine Titeux, architecte DPLG, docteur en histoire de l’art et archéologie de l’université Paris 4-Sorbonne, maître de conférences à l’École nationale supérieure d’architecture de Montpellier

Un ornement mobile et détachable : le cartouche dans les décors modernes, Caroline Heering, docteur en histoire de l’art de l’université catholique de Louvain, post-doctorante dans le cadre du projet Ornamenta Sacra (Belspo)

Perméabilité du cadre

Portes, cadres, ornements et figures feintes dans les systèmes décoratifs maniéristes italiens, Édouard Degans, membre associé au Centre François-Georges Pariset (université de Bordeaux Montaigne)

De la peinture au relief : à propos des ignudi de la Sala Regia du Vatican, Nicolas Cordon, docteur en histoire de l’art, université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Tapisseries réelles et feintes : dispositifs d’encadrement dans la série du Triomphe de l’Eucharistie de Rubens, Kristen Adams, doctorante à l’université de Ohio State (traduit de l’anglais par Caroline Heering)

Le cadre et son double : le jeu des peintures sur miroirs en Italie au XVIIe siècle, Sandra Bazin-Henry, docteur en histoire de l’art de l’université de Paris 1, Panthéon-Sorbonne

Conclusion

 

“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions

“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions, essais réunis par Adriana Sotropa et Myriam Métayer, Paris, Éditions Esthétiques du Divers, 2019, 189 p. 10 ill.

Le présent recueil explore l’influence du « presque » et de l’« autrement » de la traduction sur les développements de l’histoire de l’art, du XVIe siècle à son institutionnalisation au XIXe siècle, jusqu’à ses pratiques actuelles. Les rapports franco-allemands, dans la continuité des transferts culturels, et la question de la diffusion de la langue anglaise, dans le sillage de l’histoire globale de l’art, dominent l’actualité de la recherche dès lors qu’il s’agit de conjuguer histoire de l’art et traduction. Pourtant ce champ d’étude reste encore très largement à explorer et pourrait reconfigurer une certaine appréhension de l’histoire de l’art. En effet, par son caractère pluriel, la traduction offre toute latitude pour analyser des contextes, des situations et des acteurs que l’historiographie ne met pas toujours en évidence. Comment arrivent, dans une autre langue, une autre culture ou un autre temps, les idées et les discours originaux d’un historien de l’art ? Quels écarts, quelles relectures, quels sens nouveaux les séparent-ils de leurs traductions ? Les essais réunis ici abordent ces questions en mettant en évidence l’irrémédiable imbrication des langues, des pratiques d’écritures, des moyens de diffusion et des acteurs de la traduction…

SOMMAIRE

Introduction

Traductions et reconfigurations de l’histoire de l’art, par Myriam Métayer et Adriana Sotropa, maîtres de conférences en histoire de l’art contemporain, université Bordeaux Montaigne

Études

De la récréation à la souricière : traduire le Dialogo di pittura de Paolo Pino, Pascale Dubus, maître de conférences HDR à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne

Sur quelques problèmes de traduction. De la Stille de Winckelmann aux Nachleben de Warburg, Paul Bernard-Nouraud, docteur en histoire et théorie de l’art de l’EHESS

L’intrusion dans l’œuvre : les traductions françaises de John Ruskin et de Joshua Reynolds au début du XXe siècle, Julie Lageyre, doctorante en histoire de l’art, université Bordeaux Montaigne

L’art et le langage. Julius Meier-Graefe (1867-1935) et le problème de la traduction, Catherine Krahmer, historienne de l’art

Figures de l’ombre ? Trois traductrices dans l’historiographie de l’art en Europe ( XIXe– XXe siècle), Charlotte Foucher Zarmanian (docteure en histoire de l’art, chargée de recherches au CNRS – UMR 8238) et Émilie Oléron Evans (docteure en études germaniques et lecturer en culture visuelle du monde francophone à Queen Mary, University of London)

Quelle(s) langue(s) pour la muséographie ? Réflexions sur la place de la traduction à l’OIM et dans sa revue Mouseion, Pauline Michaud, doctorante (Paris 1, École du Louvre)

Traductions, transferts méthodologiques et construction d’une histoire de l’art internationale : quelques cas français et italiens, Émilie Passignat, docteure en histoire de l’art, enseignante à l’Università Ca’Foscari Venezia

Au-delà des stratégies éditoriales en temps de censure. Meridiane (1960-2006), maison d’édition bucarestoise, Adriana Sotropa et Myriam Métayer

  • Annexe : collection Biblioteca de Arta (1967-2003), publiée par Meridiane

Entretien

À la croisée des langues, Julie Ramos, maître de conférences à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne


Au pied du mur. Bâtir le vide autour des villes (XVIe-XVIIIe siècleS)

Émilie d’Orgeix, directrice d’études à l’École pratique des Hautes Études (Histara, EA 7347), membre du Centre F.-G. Pariset jusqu’en 2018, vient de publier cet ouvrage chez Mardaga, avec une préface d’Antoine Picon (École nationale des ponts et chaussées, Harvard University).

Dans la ville corsetée d’Ancien Régime où “les bourgeois sont, pour ainsi dire, les uns sur les autres” selon Vauban, les terrains situés au-delà de l’enceinte attisent toutes les convoitises. Si l’administration militaire impose officiellement l’établissement d’une zone non aedificandi où toute construction est interdite – vaste anneau périphérique qui ne cesse de s’élargir au cours des XVIIe et XVIIIe siècles -, l’ensemble des archives dévoile une réalité de terrain bien différente. Au pied des remparts, agents du roi, administrateurs municipaux, gestionnaires militaires et habitants se livrent une guerre sans merci pour s’approprier des espaces où tous se considèrent comme légitimes. La zone, souvent interlope, toujours bruyamment revendiquée par la population, bruisse d’infractions et de “petits arrangements” entre voisins de tout rang et de tout bord. Loin du portrait policé qu’offre la cartographie officielle, il n’y est question que de potagers clandestins établis dans les fortifications, de lavoirs, d’étendoirs, de mares à canards et même de futaies à haut vent plantées sur les glacis qui entravent les tirs depuis les bastions.

Gendarmer les populations n’est pourtant pas le seul défi auquel doit répondre l’administration militaire. Sur “les dehors” des villes, les ingénieurs du roi se retrouvent confrontés à des travaux titanesques impliquant la gestion simultanée d’un grand nombre de corps bâtisseurs et ouvriers, le transport de centaines de milliers de mètres cubes de terre, la construction d’imposants ouvrages militaires et l’établissement de terrains pouvant être rapidement inondés en cas d’attaque. Au fil des décennies, la lente expertise qu’ils acquièrent en fait le principal outil d’un système de modélisation du territoire qui transforme durablement la physionomie des villes.

Cet ouvrage traite ainsi de la construction des marges de la ville à l’époque moderne, tout en allant bien au-delà. Il illustre combien la périphérie urbaine, dont la naissance est encore souvent associée aux mutations de l’ère industrielle, a en réalité constitué l’un des principaux laboratoires de la fabrique urbaine d’Ancien Régime, reconstruisant par là même la généalogie brisée entre villes modernes et contemporaines.

Centre François-Georges Pariset