Archives par mot-clé : Peinture

Francesca Romana Posca, boursière lauréate de l’Institut du Genre

Doctorante au Centre de recherche en histoire de l’art F.-G. Pariset (UR 538), Francesca Romana Posca a récemment obtenu une bourse de mobilité jeune recherche par l’Institut du Genre. Sa thèse, intitulée “Au-delà de la Péninsule : la scène artistique internationale, espace d’affirmation des artistes italiennes (1870-1915)”, est dirigée par Gilles Ragot, professeur en histoire de l’art contemporain, et Marion Lagrange, maître de conférences en histoire de l’art contemporain.

Afin d’encourager la mobilité internationale des jeunes chercheurs et chercheuses en études de genre, l’Institut du Genre finance des missions longues à l’étranger (observations, entretiens, dépouillement d’archives, recherches en bibliothèque, collaboration internationale…). Sont éligibles les doctorant·es ou post-doctorant·es relevant d’un établissement partenaire de l’Institut du Genre. Dix lauréats ont bénéficié d’un tel soutien en 2024. Pour plus de renseignements :

https://institut-du-genre.fr/

Dessiner, enseigner. François-Georges Pariset (1904-1980), historien de l’art au XXe siècle

Myriam Metayer, Adriana Sotropa (dir.), Dessiner, enseigner. François-Georges Pariset (1904-1980), historien de l’art au XXe siècle, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, Les Cahiers du Centre François-Georges Pariset hors-série n° 11, 2023, 227 p., 24 euros.

Ce volume  met en lumière des aspects inédits liés à la carrière et aux pratiques de François-Georges Pariset (1904-1980). Premier professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain de la faculté des lettres de Bordeaux, Pariset est principalement connu comme l’un des spécialistes de Georges de La Tour (1593-1652) et des artistes lorrains de la Renaissance. Le traitement récent de ses archives personnelles et professionnelles, aujourd’hui conservées à la bibliothèque de l’INHA, à la bibliothèque municipale de Bordeaux ou encore à l’université Bordeaux Montaigne, permet notamment d’étudier ses enseignements et de découvrir sa production graphique. Myriam Metayer et Adriana Sotropa explorent ces deux composantes significatives des fonds d’archives, contribuant à mieux analyser les racines intellectuelles de François-Georges Pariset. Les autrices reviennent ainsi sur les traces d’une histoire de l’art inscrite aux croisements de l’érudition, de la connaissance empirique des œuvres et de la compréhension des formes saisies dans leur contexte. Le cas de François-Georges Pariset soulève par ailleurs des questions relatives à la fabrique institutionnelle de la discipline, dans le cadre universitaire de l’immédiat après-guerre jusqu’aux années 1970.

SOMMAIRE

Préface – Laurent Houssais

Avant-propos – Myriam Metayer et Adriana Sotropa

Patrimonialisation des modi operandi d’un historien de l’art  – Myriam Metayer & Adriana Sotropa

Dessiner pour mieux voir : archéologie d’une pratique ininterrompueAdriana Sotropa

  • Introduction
  • Amy, Jeanne et Mina : les « tantes de Nancy qui m’ont donné le goût de l’Art »
  • Dessiner d’après les maîtres : les débuts d’une carrière
  • Un purgatoire éternel ? Le Pariset de Georges de La Tour
  • De la pratique de l’aquarelle au stylo « Bic
  • La vie des formes selon Pariset

Un professeur à la faculté des lettres de Bordeaux (1952-1974)Myriam Metayer

  • Introduction
  • La « chaire » d’histoire de l’art moderne et contemporain : enjeux d’une dénomination
  • Les certificats d’histoire de l’art : un cadre national pour une spécificité régionale d’enseignement et de recherche
  • Liste des enseignements de François-Georges Pariset (1952-1968)
  • Aux sources du cours magistral
  • Par-delà le support pédagogique : une collection de diapositives pour un institut de  recherche

Panorama des archives : les fonds Pariset

Le fonds Pariset de l’Institut national d’histoire de l’art : une vie en archives – Sophie Derrot

Le fonds Pariset de la bibliothèque municipale de Bordeaux – Clotilde Angleys & Hélène Fleury Ameztoy

ANNEXES

Formation et carrière de François-Georges Pariset : chronologie indicative

Publications de François-Georges Pariset

« Une splendide aberration ! ». La réception critique de la peinture anglaise en France (1900‑1938)

Madame Julie Lageyre soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art contemporain, « Une splendide aberration ! ». La réception critique de la peinture anglaise en France (1900‑1938), le vendredi 13 octobre 2023 à 14h00 à l’amphithéâtre de la maison des Suds (université Bordeaux Montaigne, Esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Cette thèse a été menée sous la direction de Dominique Jarrassé, professeur émérite d’histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne, CRHA F.-G. Pariset UR538).

Le jury est composé de Dominique Jarrassé, Anne‑Florence Gillard‑Estrada, professeure de littérature et arts visuels britanniques (université de Rouen Normandie), Catherine Méneux, maîtresse de conférences HDR en histoire de l’art contemporain (université Paris 1‑Panthéon Sorbonne), Frédéric Ogée, professeur de littérature et d’histoire de l’art britanniques (université Paris Cité), Laurence Roussillon‑Constanty, professeure en littérature britannique, esthétique et épistémologie (université de Pau et des Pays de l’Adour).

Résumé

Depuis le XVIIIsiècle, la réception française témoigna, de manière continue, d’une certaine fascination envers la peinture anglaise. Pourtant, persiste l’idée que cette production n’a jamais véritablement traversé le Détroit et demeure toujours un objet méconnu et secret. De fait, le silence entourant la médiation des peintres anglais en France résulte de la répétition de schémas historiographiques, de la circulation de préconceptions et d’a priori, d’autant de barrages conceptuels et cognitifs à déconstruire.

Reproduction extraite du numéro « L’Art vivant en Angleterre », L’Art vivant, n° 160, mai 1932, p. 234

Aussi, par l’étude croisée des discours critiques, de l’histoire des échanges culturels et des modalités du visible, cette thèse propose d’interroger et de contextualiser les catégorisations et sémantisations effectuées autour de la peinture anglaise, au cours de la période cruciale de la première moitié du XXe siècle. La détermination d’une esthétique nationale passait alors par des formes de dénigrement, qu’il importe de ne plus réduire à un simple rejet. Car le sens esthétique et l’imagination plastique ne faisaient pas partie des attributs associés traditionnellement à la psychologie anglaise.

Reproduction extraite de l’article de Georges Grappe, « La peinture anglaise », L’Art vivant, n° 160, mai 1932, p. 239.

Cette thèse étudie donc la qualification d’un objet dont la première caractéristique aurait été de ne pas être une expression « naturelle » du caractère anglais. En ce sens, selon la réception française, la peinture d’outre‑Manche existait de manière antinomique. Aberration artistique, elle présentait une expérience matérielle, mais elle était un non‑sens pictural. Son histoire devenait alors le récit d’oppositions pour permettre l’éclosion d’un art national, lutte contre un territoire hostile, lutte contre des dispositions dites naturelles, lutte d’indépendance contre des influences extérieures. En outre, introduit comme l’anti‑héros d’une histoire de la peinture, l’objet servit de contre-exemple pour renforcer la légitimité d’une « voie française ». Cette thèse souligne ainsi comment des procédés critiques, parfois toujours opérants, participèrent d’une invisibilisation de la production picturale d’outre‑Manche en France, au regard de la démonstration d’une exceptionnalité française.

Élèves & maîtresses. Apprendre et transmettre l’art (1849-1928)

Élèves & maîtresses. Apprendre et transmettre l’art (1849-1928), sous la direction de Marion Lagrange et Adriana Sotropa, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, 2022, 127 p., 53 ill.

Existe-t-il une spécificité de l’enseignement artistique au féminin ? À la fin du XIXe siècle, un nombre croissant de femmes accèdent à une professionnalisation, de la miniature au tableau de chevalet, en passant par la gravure. Certaines envisagent la pratique artistique sans avoir la nécessité d’en vivre, mais avec tout autant d’implication, rejetant le statut d’amatrices dans lequel on voudrait les circonscrire. En outre, l’artiste comme enseignante, souvent invisibilisée, occupe une place non négligeable dans les processus d’apprentissage. Cette mosaïque de profils et de trajectoires a pu émerger par le biais d’enseignements où la différenciation sexuée et la hiérarchisation des objets sont encore prégnantes. Appréhender cette histoire nécessite une déconstruction des schémas narratifs et une refonte des conventions linguistiques, l’introduction du mot maîtresse pouvant en faire partie.

Huit approches monographiques, études de cas d’élèves femmes, de maîtres et de maîtresses, à la tonalité parfois intimiste, entendent questionner la formation auprès d’un homme ou d’une femme. Des éléments de compréhension des relations et des enjeux qui s’établissent au sein de l’atelier, dans un contexte d’émancipation féminine, y seront également apportés.

SOMMAIRE

Préface – Séverine Sofio et Julie Verlaine

Dans les coulisses de l’enseignement artistique au féminin – Marion Lagrange et Adriana Sotropa

APPRENTISSAGE(S) GENRÉ(S)

L’atelier parisien de Félix-Joseph Barrias (1822-1907) et la formation des artistes femmes – Margarida Güell-Baró

Une élève à la recherche d’un maître : Dorothy Tennant (1855-1926) et Jean-Jacques Henner (1829-1905) – Mathilde Leduc

Juliette Roche (1884-1980) à l’académie Ranson. Une émancipation au prisme des maîtres – Fériel Dridi

TRANSMISSION(S) AU FÉMININ

Delphine de Cool (1830-1921), artiste et enseignante – Dominique Lobstein

Du Muséum à l’université des arts : l’enseignement de Madeleine Lemaire (1845-1928) – Michaël Vottero

Amélie Beaury-Saurel (1848-1924) : maîtresse et “férule bienveillante” à l’académie Julian – Magdalena Illán Martín et Custodio Velasco Mesa

Gabrielle Debillemont-Chardon (1860-1957). Grande maîtresse en miniature – Camille Lesbros

Professeures “spinsters” : Constance Mary Pott (1862-1957) et Laura Sylvia Gosse (1881-1968) – Camille Belvèze


Jalons pour une histoire de l’enseignement des artistes femmes (1849-1928) – Marion Lagrange

Bibliographie – Manon Grégoire

Repères chronologiques – Manon Grégoire

ARTISTES VOYAGEUSES. L’APPEL DES LOINTAINS (1880-1944)

Artistes voyageuses. L’Appel des lointains (1880-1944), sous la direction d’Ariele Pélenc, avec la collaboration de Marion Lagrange, Paris, Édition Snoeck, 2022, 264 p.

Cet ouvrage est publié au regard de l’exposition éponyme qui se déroule au palais Lumière à Évian du 11 décembre 2022 au 21 mai 2023, puis au musée de Pont-Aven, du 24 juin au 5 novembre 2023.

Alix Aymé, Affiche L’Annam, 1930, lithographie, 110 x 76 cm, coll. Ferrier-Lacombe

Dès la fin du XIXe siècle, un nouveau contexte, généré par les premiers mouvements féministes, encourage les femmes à s’affirmer hors de l’espace domestique, et promeut l’image d’une « femme nouvelle » actrice de son destin. Leur formation académique, effectuée à l’École des beaux-arts ou dans des académies privées, permet aux artistes femmes d’acquérir un statut professionnel, d’exposer aux salons, d’obtenir des bourses de voyage, de satisfaire aux commandes des Expositions universelles ou des expositions coloniales, comme à celles des compagnies maritimes.

Parallèlement, on observe un renouveau d’intérêt pour l’orientalisme, stimulé par le tourisme d’hivernage, notamment à Biskra, et encouragé par les expositions de la Société des peintres orientalistes français auxquelles participent Marie Caire-Tonoir, Marie Lucas-Robiquet et Andrée Karpelès.

À partir des années vingt, ce sont les territoires de « la plus grande France » qui invitent de nombreuses artistes aux voyages, de l’Afrique équatoriale à Madagascar, jusqu’à la péninsule indochinoise. C’est le cas de Marcelle Ackein, Alix Aymé, Monique Cras, Marthe Flandrin, Anna Quinquaud, Jane Tercafs et Jeanne Thil. D’autres voyagent jusqu’au Tibet et en Chine, telles Alexandra David-Neel, Léa Lafugie et Simone Gouzet. Pour Denise Colomb et Thérèse Le Prat, le voyage devient le moteur d’une carrière de photographe.

L’exposition s’intéresse également aux rares artistes n’appartenant pas à la culture occidentale qui ont voyagé : les Chinoises Fan Tchunpi et Pan Yuliang venues étudier aux Beaux-Arts de Paris, puis séjournant en Europe et en Chine. Contrairement aux récits des grandes voyageuses du XIXe siècle qui parcouraient le monde, du Spitzberg au Cap Horn, les itinéraires empruntés par ces artistes suivent la carte de l’expansion hégémonique européenne, et plus particulièrement celle de la colonisation française sous la Troisième République. Le regard des artistes femmes est sans conteste différent de leurs homologues masculins. La présence de nombreux portraits indiquent leur recherche d’une proximité avec les populations rencontrées, notamment celle des femmes dans leurs vies quotidiennes, auxquelles elles ont plus facilement accès. Si cette traversée d’un monde colonisé est exempte d’une vision raciste et caricaturale, elle ne s’accompagne pas pour autant d’une remise en question de la « mission civilisatrice » de la France. Lucie Cousturier est la seule, parmi les artistes, à critiquer le système colonial. Sa vie a basculé lorsqu’elle rencontre en 1916 des tirailleurs africains, installés dans un camp militaire près de sa maison à Fréjus. Elle leur apprend bénévolement le français et se lie d’amitié avec plusieurs d’entre eux. En 1921, elle embarque à Marseille pour un voyage de dix mois, du Sénégal au Soudan français. Mes inconnus chez moi (1920) et Mes inconnus chez eux (1925) sont les récits de cette aventure humaine.

Cette exposition réunit une trentaine d’artistes et de photographes, de la « Belle Époque » à la seconde guerre mondiale, dont les itinéraires artistiques ont emprunté les routes de l’ailleurs. Le catalogue articule des essais thématiques avec des notices biographiques sur les artistes femmes qui sillonnent l’exposition.

  1. Femmes nouvelles, nouvelles artistes
  2. L’Orient des voyageuses
  3. Un entre-deux-guerres en « Orient »
  4. De Paris à Madagascar : nouveaux territoires d’exploration artistique
  5. Du voyage à l’exil : artistes chinoises
  6. Itinéraires asiatiques : entre exotisme et ethnographie

Les artistes

Hélène Dufau, Amélie Beaury-Saurel, Jane Dieulafoy, Virginie Demont-Breton, Marie Caire-Tonoir, Grace Ravlin, Marie-Lucas Robiquet, Andrée Karpelès, Marcelle Rondenay, Suzanne Drouet-Réveillaud, Jeanne Thil, Marguerite Barrière-Prévost, Yvonne Mariotte, Geneviève Barrier-Demnati, Renée Bernard, Zofia Piramowicz, Marthe Flandrin, Lucie Cousturier, Anna Quinquaud, Marcelle Ackein, Jane Tercafs, Suzanne Létorey-Dumond, Raymonde Heudebert, Monique Cras, Odette du Puigaudeau, Thérèse Le Prat, Pan Yuliang, Fan Tchupi, Alix Aymé, Marie-Anoinette Boullard-Devé, Denise Colomb, Suzanne Bonnal de Noreuil, Élise Rieuf, Léa Lafugie, Simone Gouzé, Alexandra David-Neel.

 

Peintures et ouvrages illustrés : correspondances dans l’oeuvre de Gaston Bussière

Annonce de conférence. Cette conférence d’Emeline Larroudé, doctorante du CRHA F.-G. Pariset, se tiendra le lundi 4 avril 2023 de 19h à 20h, à la bibliothèque Mériadeck.

Gaston Bussière, Salammbô, ill. pour Gustave Flaubert, Salammbô, Paris, Ferroud, 1921, II, p. 38 ; Gaston Bussière, Salammbô, 1920, huile sur toile, 116 x 88 cm, Mâcon, musée des Ursulines

Quels liens peut-il y avoir entre peintures et ouvrages illustrés ? Dans l’œuvre de Gaston Bussière (1862-1928), ceux-ci sont très prégnants. Faisant fi des distinctions arts majeurs/arts mineurs qui peuvent subsister, l’artiste prend le parti de devenir un véritable « touche à tout », explorant à travers différents procédés et techniques les grandes thématiques qui lui sont chères.

 

De Rosa Bonheur à Hélène Dufau : la critique d’art au féminin

Hélène Dufau, La Fronde, 1898, lithographie

Cette conférence de Manon Grégoire, doctorante du CRHA, se tiendra le 16 janvier de 19h à 20h, à la bibliothèque Mériadeck. Elle sera précédée par une présentation des documents de la bibliothèque en lien avec le sujet à partir de 18h30.

Cette conférence, organisée dans le cadre des cafés du patrimoine, se propose de revenir sur les carrières respectives de Rosa Bonheur (1822-1899) et d’Hélène Dufau (1869-1937) en insistant sur leurs rôles au sein des réseaux artistiques féminins des XIXe et XXe siècles et leur réception par des critiques d’art femmes.

L’Image nomade. La tapisserie des Indes et du Brésil au XVIIe siècle

Claudia P.  Damiani, A Imagem Nômade. A tapeçaria das Índias e o Brasil dos século XVII, Porto Alegre, ediPUCRS, 2022.

Chercheuse associée au CRHA, Claudia P.  Damiani publie dans la collection “História” un livre en partie issue des recherches entreprises au sein du Centre, sous la direction de Pascal Bertrand.

“L’omniprésence de l’image, dans ses différentes manifestations et procédés, est une empreinte dans le temps.

Peu de personnes ont conscience de la vigueur avec laquelle les images du monde extra-européen ont circulé au XVIIe siècle. La Tapisserie des Indes illustre l’ampleur de ce phénomène.

Cet ensemble de tapisseries véhicule des images de la connaissance et de la circulation mondiales, qui se manifestent par le biais de motifs exotiques.  La Tapisserie des Indes se fonde sur des images artistiques liées à l’occupation hollandaise au Brésil, diffusées par Maurice de Nassau. À partir de 1687, les thèmes brésiliens ont été tissés dans les ateliers de la Manufacture des Gobelins.

Ces images nomades possèdent une historicité, à savoir qu’elle sont connectées à des réseaux visuels et subissent, encore aujourd’hui, des transformations. Connaître une partie de l’histoire des images suppose une réflexion sur la vision du monde de l’humanité” (quatrième de couverture, traduit par Céline Ventura Teixeira)

Les pêcheurs (détail), tenture des Anciennes Indes, Manufacture royale des Gobelins, v. 1692-1723, Amsterdam, Rijksmuseum.

 

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.

Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884

S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.

Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.

Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88

SOMMAIRE

Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

En famille

Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon

Redon & Peyrelebade : l’œil du maîtreL. Houssais

Odilon Redon à ses débuts

« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887)P. Pinchon

Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon

Portfolio

Trois carnets inédits – Fred Leeman

Nuancier à visages – D. Gamboni

« Léonard devient scie » – D. Gamboni

Mémoires d’atelier

« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni

Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott

Lignages

Collectionner, commémorer, créer : Gustave Fayet et Odilon Redon – Alexandre d’Andoque

Redon en héritage(s) : Roseline Bacou, écrits et parcours – Charlotte Foucher

Bibliographie sélective

Index

 

Arsène Alexandre (1859 – 1937). Critique et écrivain d’art, collectionneur et fonctionnaire des beaux-arts

Mme Hélène Fernandez soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par Mme Catherine Chevillot, conservateur général du patrimoine (École du Louvre), et M. Dominique Jarrassé, professeur émérite d’histoire de l’art contemporain, le mercredi 15 décembre 2021 à 14h00, salle des thèses de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Jacques-Émile Blanche,
Mr. Arsène Alexandre, s.d., huile sur toile, 61, 9 x 50, 5 cm. Fine Arts Museums, San Francisco (don de Alma de Bretteville Spreckels en 1951)

Critique d’art célèbre et renommé en son temps, Arsène Alexandre est aujourd’hui une figure aussi oubliée du grand public que familière aux historiens et amateurs d’art du tournant des XIXe et XXe siècles. Pourtant, à l’omniprésence de son nom dans la littérature consacrée à l’impressionnisme, au postimpressionnisme, à Rodin, à Toulouse-Lautrec ou encore aux Nabis, répond un certain silence critique que cette thèse entend questionner.

Sa réputation de critique réactionnaire détracteur des avant-gardes du début XXe siècle, son statut de critique professionnel, titre méprisé que lui-même a significativement rejeté pour se présenter en journaliste et en « historien des artistes », enfin sa prédilection pour la presse quotidienne et les canaux de diffusion « grand public », ne sont pas étrangers à sa trouble postérité. Non plus que son culte de l’art, salué ou raillé par les contemporains et indissociable de son culte de la nation. Aller au-devant des idées reçues, faire face à une production journalistique abyssale jamais réunie en recueil, en un mot, exhumer l’œuvre foisonnant d’un acteur important de la vie artistique de l’époque afin de le situer à sa juste place, tels sont les enjeux de cette étude.

Albert Guillaume, L’Apothéose de M. Rodin, parue dans Le Matin, 23 juillet 1899, p. 4

Entre presse et fonctions officielles, la première partie entend restituer la trajectoire professionnelle et intellectuelle d’Alexandre en examinant ses combats esthétiques à la lumière de ses réseaux de sociabilité, de sa position dans le champ de la critique et de son activité de collectionneur. Elle esquisse l’itinéraire d’un républicain et patriote ardent, d’un journaliste cramponné à son idéal d’homme de lettres engagé, d’un justicier de l’art et des artistes pour qui critique d’art rime avec sacerdoce. Centrée sur son œuvre journalistique et la question peu étudiée de la critique d’art journalière, la deuxième partie examine les tendances du discours sur l’art dans la presse quotidienne, le rôle du chroniqueur artistique et tente une typologie formelle des textes, à partir des collaborations d’Alexandre au Paris, à L’Éclair, au Figaro et à Comoedia. Puissant instrument de critique sociale et morale de l’art, support d’un discours fortement idéologisé, le journal est une machine médiatique qui façonne réputations et représentations. Il est en cela une pièce maîtresse du système d’activités d’Alexandre comme collaborateur des artistes et vulgarisateur de l’histoire de l’art, les deux pôles dominants d’un œuvre tourné vers le plus grand nombre, auxquels est consacrée la troisième partie.

Abstract

Famous and renowned art critic in his time, Arsène Alexandre is today a figure as forgotten by the general public as he is familiar to art historians and amateurs of the turn of the 19th and 20th centuries. However, to the omnipresence of his name in the literature devoted to Impressionism, Post-Impressionism, Rodin, Toulouse-Lautrec and the Nabis corresponds a paradoxical critical silence that this thesis intends to question.

His reputation as a reactionary critic and detractor of the avant-garde of the early 20th century, his status as a professional critic, a despised title that he himself significantly rejected preferring to present himself as a journalist and “historian of artists”, and finally his predilection for the daily press and the general public channels of diffusion, are not unrelated to his troubled posterity. Not more than his cult of art, greeted or mocked by the contemporaries and indissociable of his cult of nation. The stakes of this study is to face the received ideas and an abysmal journalistic production never gathered in a collection, in a word, to exhume the abundant works of an important actor of the artistic life of the time in order to place him in his rightful place.

Between press and official functions, the first part intends to restore the professional and intellectual trajectory of Alexandre by examining his aesthetic struggles in the light of his sociability networks, his position in the field of criticism and his activity as a collector. It outlines the itinerary of an ardent republican and patriot, of a journalist clinging to his ideal of a committed man of letters, of a defender of art and artists for whom art criticism rhymes with priesthood. Focusing on his journalistic work and the little-studied question of daily art criticism, the second part examines the specificities of the discourse on art in the daily press, the role of the art journalist, and attempts a formal typology of texts, based on Alexandre’s collaborations with the Paris, L’Éclair, Le Figaro and Comoedia newspapers. Powerful instrument of social and moral art criticism, support of a strongly ideologized speech, the newspaper is a media machine which shapes reputations and representations. That is why it is a masterpiece of the system of activities of Alexandre as a collaborator of the artists and as a popularizer of art history, the two dominant poles of a works turned to the greatest number of people, to which is devoted the third part.