Archives par mot-clé : Peinture

De Rosa Bonheur à Hélène Dufau : la critique d’art au féminin

Hélène Dufau, La Fronde, 1898, lithographie

Cette conférence de Manon Grégoire, doctorante du CRHA, se tiendra le 16 janvier de 19h à 20h, à la bibliothèque Mériadeck. Elle sera précédée par une présentation des documents de la bibliothèque en lien avec le sujet à partir de 18h30.

Cette conférence, organisée dans le cadre des cafés du patrimoine, se propose de revenir sur les carrières respectives de Rosa Bonheur (1822-1899) et d’Hélène Dufau (1869-1937) en insistant sur leurs rôles au sein des réseaux artistiques féminins des XIXe et XXe siècles et leur réception par des critiques d’art femmes.

L’Image nomade. La tapisserie des Indes et du Brésil au XVIIe siècle

Claudia P.  Damiani, A Imagem Nômade. A tapeçaria das Índias e o Brasil dos século XVII, Porto Alegre, ediPUCRS, 2022.

Chercheuse associée au CRHA, Claudia P.  Damiani publie dans la collection “História” un livre en partie issue des recherches entreprises au sein du Centre, sous la direction de Pascal Bertrand.

“L’omniprésence de l’image, dans ses différentes manifestations et procédés, est une empreinte dans le temps.

Peu de personnes ont conscience de la vigueur avec laquelle les images du monde extra-européen ont circulé au XVIIe siècle. La Tapisserie des Indes illustre l’ampleur de ce phénomène.

Cet ensemble de tapisseries véhicule des images de la connaissance et de la circulation mondiales, qui se manifestent par le biais de motifs exotiques.  La Tapisserie des Indes se fonde sur des images artistiques liées à l’occupation hollandaise au Brésil, diffusées par Maurice de Nassau. À partir de 1687, les thèmes brésiliens ont été tissés dans les ateliers de la Manufacture des Gobelins.

Ces images nomades possèdent une historicité, à savoir qu’elle sont connectées à des réseaux visuels et subissent, encore aujourd’hui, des transformations. Connaître une partie de l’histoire des images suppose une réflexion sur la vision du monde de l’humanité” (quatrième de couverture, traduit par Céline Ventura Teixeira)

Les pêcheurs (détail), tenture des Anciennes Indes, Manufacture royale des Gobelins, v. 1692-1723, Amsterdam, Rijksmuseum.

 

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.

Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884

S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.

Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.

Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88

SOMMAIRE

Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

En famille

Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon

Redon & Peyrelebade : l’œil du maîtreL. Houssais

Odilon Redon à ses débuts

« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887)P. Pinchon

Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon

Portfolio

Trois carnets inédits – Fred Leeman

Nuancier à visages – D. Gamboni

« Léonard devient scie » – D. Gamboni

Mémoires d’atelier

« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni

Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott

Lignages

Collectionner, commémorer, créer : Gustave Fayet et Odilon Redon – Alexandre d’Andoque

Redon en héritage(s) : Roseline Bacou, écrits et parcours – Charlotte Foucher

Bibliographie sélective

Index

 

Arsène Alexandre (1859 – 1937). Critique et écrivain d’art, collectionneur et fonctionnaire des beaux-arts

Mme Hélène Fernandez soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par Mme Catherine Chevillot, conservateur général du patrimoine (École du Louvre), et M. Dominique Jarrassé, professeur émérite d’histoire de l’art contemporain, le mercredi 15 décembre 2021 à 14h00, salle des thèses de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Jacques-Émile Blanche,
Mr. Arsène Alexandre, s.d., huile sur toile, 61, 9 x 50, 5 cm. Fine Arts Museums, San Francisco (don de Alma de Bretteville Spreckels en 1951)

Critique d’art célèbre et renommé en son temps, Arsène Alexandre est aujourd’hui une figure aussi oubliée du grand public que familière aux historiens et amateurs d’art du tournant des XIXe et XXe siècles. Pourtant, à l’omniprésence de son nom dans la littérature consacrée à l’impressionnisme, au postimpressionnisme, à Rodin, à Toulouse-Lautrec ou encore aux Nabis, répond un certain silence critique que cette thèse entend questionner.

Sa réputation de critique réactionnaire détracteur des avant-gardes du début XXe siècle, son statut de critique professionnel, titre méprisé que lui-même a significativement rejeté pour se présenter en journaliste et en « historien des artistes », enfin sa prédilection pour la presse quotidienne et les canaux de diffusion « grand public », ne sont pas étrangers à sa trouble postérité. Non plus que son culte de l’art, salué ou raillé par les contemporains et indissociable de son culte de la nation. Aller au-devant des idées reçues, faire face à une production journalistique abyssale jamais réunie en recueil, en un mot, exhumer l’œuvre foisonnant d’un acteur important de la vie artistique de l’époque afin de le situer à sa juste place, tels sont les enjeux de cette étude.

Albert Guillaume, L’Apothéose de M. Rodin, parue dans Le Matin, 23 juillet 1899, p. 4

Entre presse et fonctions officielles, la première partie entend restituer la trajectoire professionnelle et intellectuelle d’Alexandre en examinant ses combats esthétiques à la lumière de ses réseaux de sociabilité, de sa position dans le champ de la critique et de son activité de collectionneur. Elle esquisse l’itinéraire d’un républicain et patriote ardent, d’un journaliste cramponné à son idéal d’homme de lettres engagé, d’un justicier de l’art et des artistes pour qui critique d’art rime avec sacerdoce. Centrée sur son œuvre journalistique et la question peu étudiée de la critique d’art journalière, la deuxième partie examine les tendances du discours sur l’art dans la presse quotidienne, le rôle du chroniqueur artistique et tente une typologie formelle des textes, à partir des collaborations d’Alexandre au Paris, à L’Éclair, au Figaro et à Comoedia. Puissant instrument de critique sociale et morale de l’art, support d’un discours fortement idéologisé, le journal est une machine médiatique qui façonne réputations et représentations. Il est en cela une pièce maîtresse du système d’activités d’Alexandre comme collaborateur des artistes et vulgarisateur de l’histoire de l’art, les deux pôles dominants d’un œuvre tourné vers le plus grand nombre, auxquels est consacrée la troisième partie.

Abstract

Famous and renowned art critic in his time, Arsène Alexandre is today a figure as forgotten by the general public as he is familiar to art historians and amateurs of the turn of the 19th and 20th centuries. However, to the omnipresence of his name in the literature devoted to Impressionism, Post-Impressionism, Rodin, Toulouse-Lautrec and the Nabis corresponds a paradoxical critical silence that this thesis intends to question.

His reputation as a reactionary critic and detractor of the avant-garde of the early 20th century, his status as a professional critic, a despised title that he himself significantly rejected preferring to present himself as a journalist and “historian of artists”, and finally his predilection for the daily press and the general public channels of diffusion, are not unrelated to his troubled posterity. Not more than his cult of art, greeted or mocked by the contemporaries and indissociable of his cult of nation. The stakes of this study is to face the received ideas and an abysmal journalistic production never gathered in a collection, in a word, to exhume the abundant works of an important actor of the artistic life of the time in order to place him in his rightful place.

Between press and official functions, the first part intends to restore the professional and intellectual trajectory of Alexandre by examining his aesthetic struggles in the light of his sociability networks, his position in the field of criticism and his activity as a collector. It outlines the itinerary of an ardent republican and patriot, of a journalist clinging to his ideal of a committed man of letters, of a defender of art and artists for whom art criticism rhymes with priesthood. Focusing on his journalistic work and the little-studied question of daily art criticism, the second part examines the specificities of the discourse on art in the daily press, the role of the art journalist, and attempts a formal typology of texts, based on Alexandre’s collaborations with the Paris, L’Éclair, Le Figaro and Comoedia newspapers. Powerful instrument of social and moral art criticism, support of a strongly ideologized speech, the newspaper is a media machine which shapes reputations and representations. That is why it is a masterpiece of the system of activities of Alexandre as a collaborator of the artists and as a popularizer of art history, the two dominant poles of a works turned to the greatest number of people, to which is devoted the third part.

 

L’art du portrait britannique (1750-1900)

Annonce de colloque. Dans le cadre des deux expositions de la “Belle Saison britannique”, British Stories. Conversations entre le Louvre et le musée des Beaux-Arts de Bordeaux et Absolutely Bizarre ! Les drôles d’histoires de l’École de Bristol (1800-1840), qui ont lieu respectivement au musée des Beaux-Arts et à la Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux, les unités de recherche en études anglophones de l’université de Toulouse (CAS) et de l’université de Bordeaux Montaigne (Climas), ainsi que le Centre  F.-G. Pariset, organisent un colloque sur le thème de “L’Art du portrait britannique (1750-1900)”, les 16-17 septembre 2021. L’évènement sera précédé d’une conférence inaugurale tout public à la Librairie Mollat, Station Ausone, le mercredi 15 septembre à 18h.

Pour le programme et les modalités de suivi en ligne du colloque, voir : https://wordpress.com/view/duportraitbritannique17501900.art.blog

Le programme de la manifestation est aussi téléchargeable ici :

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940, sous la direction de Jérôme Delaplanche et Dominique Jarrassé, Rome, Académie de France à Rome – Villa Médicis, coll. Histoire de l’art, 2020, 271 p.

Réécrire l’histoire de l’art du premier XXe siècle en y intégrant des tendances longtemps écartées au nom d’un dictat moderniste qui s’est érigé en norme absolue du droit d’entrer ou non dans l’histoire, tel est l’objectif des auteurs de cet ouvrage, conscients de la nécessité non pas tant de dénoncer les -ismes ou la suprématie du moderne que de remettre à leur place les productions figuratives entre 1905 et 1940, en privilégiant celles, souvent décriées, des Prix de Rome.

Yves Brayer (1907-1990). Séminaristes allemands à Rome. Huile sur toile, 1932. Paris, musée Carnavalet.

Cela permet de découvrir des artistes bien plus originaux et divers que ne le laisse prévoir le discours convenu, et il semble, dès lors, bien vain de se demander s’ils étaient académiques, antimodernes, modernes qui s’ignorent, voire d’arrière-garde…

Et s’ils représentaient une tradition révolutionnaire, propre à faire exploser les rhétoriques et les positionnements idéologiques de notre discipline ? Cette réécriture passe par les trois phases qui ordonnent ce livre. En premier lieu, est proposé un examen critique des notions clés et des catégories historiographiques, d’ “académisme” à “tradition” en passant par “décoratif” ou “moderne”, pour échapper aux impasses.

La démarche historiographique est ensuite complétée par une contextualisation des œuvres qui privilégie le cadre des directorats de l’Académie de France, car elles subissent les interférences de la politique franco-italienne particulièrement complexe, certain directeur se posant même en ambassadeur… Enfin, les auteurs s’attachent à cerner les valeurs spécifiques défendues par les artistes passés par la Villa Médicis, figuration, métier, dessin, monumentalité… préoccupations que ces artistes partagent avec leur temps et auxquelles ils offrent des réponses.

SOMMAIRE

Avant-propos – Jérôme Delaplanche

Suivre la tradition serait-il révolutionnaire ? – Dominique Jarrassé

Dictionnaire

Académisme – Louis Deltour

Antimodernes ou non modernes ? – Dominique Jarrassé

Art Déco – Dominique Jarrassé

Décoratif – Pierre Sérié

Moderne / modernité / modernisme – Claire Garcia

Retour à l’ordre – Dominique Jarrassé

Tradition – Pierre Sérié

Directorats

Albert Besnard ou le directorat du trait d’union (1913-1921) – Sarah Linford

Denys Puech : autonomie de l’Académie de France à Rome, engagement politique et éclectisme esthétique (1921-1933) – Dominique Jarrassé

La “Mission à Rome” de Paul Landowski ou la Villa Médicis au temps de l’alliance entre la France et l’Italie fasciste (1933-1937) – Catherine Fraixe

Jacques Ibert, un temps suspendu (1937-1940) – Dominique Jarrassé et Pierre Sérié

Tradition, révolution

Le pouvoir, le mur, l’artiste : éthique et esthétique monumentale des Prix de Rome – Louis Deltour

“Des murs pour les sculpteurs !” – Amélie Simier et Claire Garcia

Dissymétries : dialogues manqués sur la peinture murale, le retour au métier, l’histoire de l’art – Laura Iamurri

Tradition à l’horizon : messianisme réactionnaire d’une poignée de Romains – Pierre Sérié

De la ligne à la chair : les luttes pour la définition d’une pratique du dessin – Louis Deltour

Académies anglo-saxonnes à Rome : résistance à la modernité dans les démocraties libérales en perspective – Pierre Sérié

Conclusion

Vue de Rome – Laura Iamurri

Annexes

Présence des pensionnaires de l’Académie de France à Rome par directorat (1913-1939) – Patrizia Celli

Liste de pensionnaires (1913-1939)

Bibliographie

Élèves et maîtresses : permanences et ruptures dans l’apprentissage des artistes femmes (1849-1924)

Annonce de colloque. Ce colloque en ligne se déroulera les jeudi 6 et vendredi 7 mai 2021. Il est organisé par le centre François-Georges Pariset EA 538 (Université Bordeaux Montaigne) et le musée Roybet Fould (Courbevoie), en partenariat avec le musée national Jean-Jacques Henner et le musée Rodin (Paris).

Ce colloque a lieu en ligne (sur Zoom). Inscription gratuite et obligatoire via le lien suivant : https://u-bordeaux-montaigne-fr.zoom.us/webinar/register/WN_1u0sjZbkSWq-jvu4ozHMXA

Résumé

Dans le cadre de l’exposition « Juana Romani (1867-1923), modèle et peintre. Un rêve d’absolu » (5 mai – 19 septembre 2021), le musée Roybet Fould, en partenariat avec le musée national Jean-Jacques Henner, le musée Rodin et le centre F.-G. Pariset EA 538 (Université Bordeaux Montaigne), a souhaité approfondir la réflexion sur la formation des artistes femmes au XIXe siècle.

Femina, n° 1941, 15 février 1909, p. 80

L’accès à l’École des beaux-arts, institution publique garante d’une forme de professionnalisme, n’étant possible qu’à la fin du XIXe siècle, la question de l’apprentissage demeure centrale pour les femmes. De la pratique artistique à la constitution d’un réseau, en passant par la connaissance acquise dans les musées ou les livres, il s’agit de s’intéresser à toutes les modalités de transmission ayant contribué à leur formation. Si les figures masculines ne peuvent être écartées de cette histoire, nous questionnerons plus particulièrement le rôle de référente et de pédagogue de certaines artistes.

Comité scientifique et d’organisation

Marion Lagrange, maîtresse de conférences, Université Bordeaux Montaigne

Adriana Sotropa, maîtresse de conférences, Université Bordeaux Montaigne

Amélie Simier, conservateur général du patrimoine, directrice du musée Rodin

Véronique Mattiussi, chef du service de la Recherche au musée Rodin

Franck Joubin, documentaliste chargé des colloques au musée Rodin

Marie-Cécile Forest, conservatrice générale du patrimoine, directrice des musées nationaux Gustave Moreau et Jean-Jacques Henner

Maeva Abillard, conservateur du musée national Jean-Jacques Henner

Emmanuelle Trief-Touchard, directrice du musée Roybet Fould de Courbevoie


PROGRAMME

– Jeudi 6 mai 2021 –

13h30 : accueil des participants

13h45 : ouverture du colloque par Marie-Cécile Forest et Maeva Abillard (musée Henner), Amélie Simier (musée Rodin), Emmanuelle Trief-Touchard (musée Roybet Fould) et Laurent Houssais (Centre F.-G. Pariset, EA 538)

14h00 : introduction par Marion Lagrange et Adriana Sotropa (Université Bordeaux Montaigne)

Les élèves, questions d’apprentissage

Présidente de séance : Séverine Sofio (CNRS)

14h20 : Mathilde Leduc, conservatrice au musée royal de l’Afrique centrale, Tervuren, Belgique. Miss Dolly et Monsieur Henner. Apprentissage, influence et mixité sociale des élèves de l’atelier des Dames sous le prisme des réseaux européens des années 1880

14h40 : Fériel Dridi, doctorante en histoire de l’art – Université de Tours. Une vocation au prisme de l’apprentissage. Formation de Juliette Roche à l’académie Ranson (1911-1913)

15h00 : discussion

– Vendredi 7 mai 2021 –

9h30 : accueil des participants

9h40 : ouverture par Amélie Simier (musée Rodin)

Modèles d’enseignantes, modèles d’enseignement

Présidente de séance : Adriana Sotropa et Marion Lagrange (Université Bordeaux Montaigne)

9h50 : Michaël Vottero, conservateur régional adjoint des monuments historiques – DRAC Bourgogne-Franche-Comté. L’université des arts de Madeleine Lemaire, un lieu d’apprentissage pour les femmes au cœur du Paris 1900

10h10 : Magdalena Illán Martín, professeure d’histoire de l’art – Université de Séville. Amélie Beaury-Saurel (1848-1924) : maîtresse et “férule bienveillante” à l’académie Julian

10h30 : pause

10h50 : Eva Belgherbi, doctorante en histoire de l’art – École du Louvre et Université de Poitiers. Autour de quelques sculptrices enseignantes à Paris à la fin du XIXe siècle

11h10 : Camille Belvèze, doctorante en histoire de l’art – Université Paris 1 – élève conservatrice du patrimoine – Institut national du patrimoine et Institut national des études territoriales. Professeures « spinsters ». Deux professeures d’art anglaises à la fin de la période victorienne : Constance Mary Pott (1862-1957) et Laura Sylvia Gosse (1881-1968)

11h30 : discussion

12h00 : pause déjeuner

14h00 : accueil des participants

La femme artiste comme exemple

Présidente de séance : Marion Lagrange et Adriana Sotropa (Université Bordeaux Montaigne)

14h20 : Camille Lesbros, diplômée de l’École du Louvre. Gabrielle Debillemont-Chardon (1860-1957). Grande maîtresse en miniature

14h40 : Léa Jauregui, doctorante en histoire de l’art – École du Louvre et Université Libre de Bruxelles. La Rose, le ciseau et le maillet. Sarah Bernhardt ou la mise en scène d’une sculptrice

15h00 : Anna Maria Panzera, chercheuse indépendante, Camille Claudel in Italy. The Reception of her Art in the Context of the Female Training and of the Artistic Magisterum

15h20 : discussion

16h00 : clôture du colloque


PROGRAMME DÉTAILLÉ

Les arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies

Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, sous la dir. de Dominique Jarrassé et Sarah Ligner, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du Divers, 2021, 208 p.

À la suite de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui avait révélé les richesses, longtemps enfouies, d’œuvres à sujets exotiques et coloniaux, cet ouvrage propose un nouveau regard sur les productions artistiques en situation coloniale, loin de celui des prêcheurs de repentance et des déboulonnages, ou encore des nostalgiques. Les Arts coloniaux donne une définition de ce champ méconnu ou instrumentalisé, en privilégiant les circulations, celle des artistes comme des notions ou des pratiques, celle des artefacts et leur mise en collection. Ces processus ont provoqué une mondialisation artistique qui a durablement modelé les imaginaires et les mémoires. Sans nier les messages ouvertement colonialistes, ni les appropriations, sans écarter non plus ce qui se joue d’émerveillement devant la beauté et la diversité du monde, il s’agit de contextualiser pour comprendre.

SOMMAIRE

Ouverture – Dominique Jarrassé et Sarah Ligner


Circulations. Images, appropriations, expositions

Des arts coloniaux. Notion extensive et affinités appropriatives – Dominique Jarrassé

Le portrait à Saint-Domingue – Carlo A. Célius

Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires (1871-1958) – Sophie Leclercq

Identité africaine et idéologie coloniale. Les expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1939) – Marion Lagrange

Notice. Artiste “indigène”, “musulman”, “africain” – ML

Annexe. Expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1956) – ML

Au service de l’Empire. La promotion des arts coloniaux dans les Salons de la France d’Outre-Mer – Laurent Houssais

“Y a-t-il un art à Madagascar ?” Circulation et réception de la création malgache en France durant la période coloniale – Alexandre Girard-Muscagorry

Notice. De l’artisanat colonial à l’art contemporain africain : les poteaux de Jean-Jacques Efiaimbelo – A G-M.

Suzanne Truitard, couverture de Togo-Cameroun, avril 1930

Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres. Les arts du Cameroun vus par Suzanne Truitard – Isidore Pascal Njock Nyobe

Notice. Togo-Cameroun, un magazine de propagande – I. P. N.N.

La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France. Les graines de la rébellion artistique 1943-1945 – Christelle Lozère


Collections. Une transmission suspendue et retrouvée ?

Les arts coloniaux sous le prisme des collections – Sarah Ligner

Des collections réinventées pour un palais déshérité – Hélène Boccard

Un musée précurseur. Les collections d’art colonial du musée des Années trente – Claire Poirion

De l’Algérie en peinture à la peinture en Algérie, au prisme d’une collection – Florence Hudowicz

De la “mission civilisatrice” au “réveil des arts indigènes”. Dessins d’écoliers dans les colonies – Mathilde Allard

“Premiers essais de tailleurs d’images chrétiens en Afrique”, Le Patriote illustré, 11 octobre 1931

De l’Afrique à la Bretagne. Arts missionnaires, arts coloniaux : une mission et un destin commun ? – Gwenaël Ben Aissa

Notice. Musée spiritain des arts africains à Allex – G. B. A.

Administration des artistes, des œuvres et de leur exposition dans l’Empire colonial français. Quelles sources aux archives nationales ? – Pascale Riviale et Clothilde Roullier

Les auteurs

Index

Habiller le mur : les relations entre la tapisserie et la peinture sous la Troisième RépubLIQUE. Le cas des Gobelins (1870-1925)

  • Annonce de soutenance. Mme Zané Purmale soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Dominique Jarrassé, professeur d’histoire de l’art contemporain, le mardi 22 septembre 2020. La soutenance aura lieu à 14h dans la salle des thèses (salle 001) de la Maison de la recherche, université Bordeaux Montaigne, Esplanade des Antilles, Pessac. La soutenance est publique dans la limite de 18 places disponibles et sous condition que la situation sanitaire ne se dégrade pas. Celles et ceux qui souhaitent assister à la soutenance sont priés de contacter au préalable Zané Purmale : zane.purmale@gmail.com

Résumé

Sous la Troisième République, les quatre administrateurs successifs de la manufacture nationale des Gobelins, Alfred Darcel, Édouard Gerspach, Jules Guiffrey et Gustave Geffroy, cherchent à imprimer, chacun à leur manière, un renouveau de la tapisserie. Les trois premiers entendent retrouver la nature décorative de la tapisserie, dont les principes peuvent être redécouverts en étudiant le passé, pour lui donner une vigueur nouvelle dans le présent et l’émanciper de l’influence de la peinture. Le dernier cherche, au contraire, à faire entrer les Gobelins dans la modernité en rapprochant la tapisserie de la peinture contemporaine.

Cette thèse cherche à comprendre, de façon aussi exhaustive que possible, la création artistique à la manufacture des Gobelins pendant cette période, qui se caractérise par une activité extraordinaire. Grâce à l’analyse du contexte intellectuel, elle précise les idées qui ont permis de donner l’impulsion et la direction à ce renouveau en détaillant également les conditions matérielles, institutionnelles et économiques qui permettent d’étudier les moyens dont dispose la manufacture pour réaliser ses missions. Ainsi sont révélés les impératifs imposés par les conditions inhérentes à la technique et à l’organisation du processus créatif impliquant un nombre d’acteurs et de procédures important, ralentissant et rendant contraignante toute démarche. De même, les moyens économiques s’avèrent en totale inadéquation avec les missions de la manufacture. Malgré ces difficultés, les Gobelins jouent un rôle central dans le renouveau de la tapisserie. Abritant une école, un atelier de teinture et un musée au service du perfectionnement technique, tout en bénéficiant de l’érudition de ses administrateurs, la manufacture réunit les éléments nécessaires pour assurer en interne la qualité de son travail. En revanche, en ce qui concerne les cartons, elle dépend entièrement d’artistes extérieurs. Or, la valeur esthétique d’un carton joue une part importante dans la réception de la tapisserie finale : elle fait l’objet de critiques de plus en plus nombreuses, faisant disparaître dans un florilège de reproches les efforts de chacun des administrateurs et les intentions des peintres auxquels ils font appel. Ainsi, la seconde partie de la thèse étudie la politique artistique de chaque administrateur afin de comprendre comment cette dernière se concrétise, et quels en sont les principes directeurs.

Ce travail s’appuie sur un catalogue exhaustif et une iconographie abondante, pour partie inédite, retraçant l’historique des tentures murales en haute lisse et au point noué de Savonnerie (tapisseries, cartons, maquettes et études) et un nombre important de projets non aboutis, dessinant ainsi le panorama le plus complet sur la création à la manufacture des Gobelins dans les années 1870-1925.

Fig. Arachné en train de tisser, détail de la tapisserie Minerve et Arachné d’après Albert Maignan pour la grande galerie du palais de Luxembourg (in situ). Tapisserie de haute lisse (tissage 28 février 1906-30 septembre 1907), Mobilier national, GOB 555. Photo Zané Purmale

François-Georges Pariset (1904-1980) : objets et méthodes d’un historien de l’art

  • Annonce de journée d’études. Le Centre François-Georges Pariset (université Bordeaux Montaigne, EA 538) et Passages (École nationale supérieure d’architecture et de paysage de Bordeaux, UMR 5319) organisent une journée d’étude qui aura lieu le 9 octobre 2020, à Bordeaux, dans l’auditorium du musée d’Aquitaine, de 8h30 à 18h00.

À l’occasion du quarantième anniversaire de sa disparition et du dépôt récent à l’INHA d’une part importante de ses archives personnelles, cette journée d’étude souhaite réévaluer les travaux de François-Georges Pariset (1904-1980) et considérer les enjeux de l’érudition en histoire de l’art, à la lumière de son positionnement méthodologique.

François-Georges Pariset tenant un exemplaire de L’Art classique (Paris, Presses universitaires de France, coll. « Les Neuf muses » – Histoire générale des Arts, 1965), photographie non datée, archives privées.

La carrière de François-Georges Pariset épouse les grandes dynamiques de l’implantation de l’histoire de l’art dans le paysage universitaire, entre les années 1930 et les années 1970. Issu d’une famille d’érudits, sa formation d’historien à l’université de Strasbourg marque son approche documentaire et archivistique de la connaissance des œuvres d’art. Parmi ses premiers soutiens, on compte Louis Réau, René Schneider et Pierre Lavedan mais aussi Lucien Febvre qui, en 1950, publie dans les Annales un compte rendu de la monographie consacrée à Georges de La Tour (Paris, Henri Laurens, 1948), issue de sa thèse soutenue en Sorbonne en 1947. Quel bilan faire de ce type d’approche et, plus largement, de l’apport de Pariset dans le processus de redécouverte des œuvres de La Tour ?

L’ancrage régional constitue un trait de la trajectoire intellectuelle de François-Georges Pariset. De l’est de la France à l’Aquitaine, son itinéraire l’amène, au fil des années, à considérer de nouveaux sujets. Grünewald, Jacques de Bellange, Hans Baldung Grien et Georges de La Tour constituent, dès ses premiers articles publiés dans les années 1930, quelques-uns de ses artistes de prédilection, auxquels s’ajoute Claude Deruet à la fin des années 1940. À son arrivée à Bordeaux, en 1952, suite à sa nomination en tant que professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain à la Faculté des Lettres, son intérêt se focalise davantage sur l’architecture bordelaise, en particulier du XVIIIe siècle. Son goût de l’enquête sur le terrain, dont il s’attache souvent dans ses articles à restituer les étapes, l’amène à produire plusieurs études consacrées à Victor Louis et Louis Combes. Des peintres alsaciens et lorrains de la Renaissance à l’architecture classique et néo-classique, la province se révèle être au cœur du discours historique que Pariset développe et consolide jusqu’aux années 1970. Comment appréhender ce parcours, non seulement au regard d’une carrière jalonnée par les échanges avec l’Allemagne (détachement à l’Institut français de Berlin de 1931 à 1932, docteur honoris causa de l’université de Hambourg), mais aussi à l’échelle de l’histoire transnationale de l’art ?

Ce sont donc les enjeux méthodologiques et institutionnels promus par l’un des représentants académiques de l’histoire de l’art, sur lesquels cette journée d’étude entend revenir. Sur la base d’une relecture critique de ses écrits, nous proposons de réexaminer l’apport de François-Georges Pariset à l’histoire de l’art et de recontextualiser les liens, échanges et collaborations qu’il a pu établir avec ses confrères. En quelle mesure contribua-t-il à la redécouverte de nombreux artistes ? Comment lire Pariset aujourd’hui ? Ces questions sont d’autant plus légitimes que cet historien de l’art est quelque peu tombé dans l’oubli.

Comité scientifique et organisateur

Laurence Chevallier (École nationale supérieure d’architecture et de paysage de Bordeaux, UMR 5319)

Myriam Metayer (université Bordeaux Montaigne, EA 538)

Adriana Sotropa (université Bordeaux Montaigne, EA 538)

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