Archives par mot-clé : Arts décoratifs

Bacchanales ! Ivresse des arts au XIXe siècle

Ouvrage publié sous la direction d’Adriana Sotropa, maître de conférences en histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne) et Sara Vitacca, docteure en histoire de l’art (université de Paris I).

Ce livre est issu du colloque international adossé à l’exposition Bacchanales modernes ! Le nu, l’ivresse et la danse dans l’art français du XIXe siècle (Palais Fesch-musée des Beaux-Arts d’Ajaccio ; Bordeaux, musée des Beaux-Arts). Sur ces manifestations, qui se sont tenues en 2016, voir : http://www.musba-bordeaux.fr/fr/Bacchanales

Au cours d’un XIXe siècle fortement marqué par la porosité des relations entre les arts, le thème dionysiaque est un témoignage efficace des correspondances constantes entre champs artistiques. La bacchanale pénètre en particulier les mythologies voisines qui s’élaborent autour de l’Orient et de l’Italie. Elle émerge dans un univers idyllique qui célèbre le retour à l’âge d’or, le culte de la fête champêtre et de la pastorale mais qui possède aussi un versant diabolique, dans les scènes de sabbat, de festin ou d’orgie des corps en tumulte. La bacchante côtoie de près l’image de la danseuse, de Salomé, en un mot, de la femme fatale. Simple prétexte iconographique souvent, occasion de dénonciation des tares d’une société bridée parfois, la figure de la bacchante n’a pas fini de livrer ses mystères. Protagoniste d’une mythologie particulière et secrète, ses travestissements sont en partie dévoilés dans les pages qui suivent. L’analogie de la bacchante et de la danseuse, particulièrement heureuse, révèle également le domaine où le dionysiaque trouve son parfait accomplissement à l’époque de la modernité : la danse.

Cette publication cherche à nourrir les réflexions des chercheurs qui s’intéressent au champ du dionysiaque et à sa réception à travers les siècles, mais s’adresse également à ceux et celles qui souhaitent regarder la création dix-neuviémiste sous un nouveau jour. Contournant et détournant les mouvements, les courants et les catégories historiographies traditionnelles, c’est à travers le prisme d’une inspiration commune, puisée dans les poétiques du vin, de l’extase et de la danse, que l’ivresse des arts du XIXe siècle est explorée.

Avant-propos, par Laurence Chesneau-Dupin, directrice de la culture à la Fondation pour la culture et les civilisations du vin – Bordeaux, La Cité du Vin

Préface, par Sophie Barthélémy, directrice du musée des Beaux-Arts de Bordeaux et Sandra Buratti-Hasan, directrice adjointe du musée des Beaux-Arts de Bordeaux

Trajectoires bachiques au XIXe siècle, Adriana Sotropa et Sara Vitacca

Bacchus et son cortège sur les cimaises officielles (1801-1900), Dominique Lobstein, historien de l’art

Nymphes, danses et tambourin : de la bacchanale à la saltarelle ou le monde merveilleux de Camille Corot, Nathalie Michel-Szelechowska, musée du Louvre

Autour de Ferdinand Levillain, Bacchus et la vigne dans les arts décoratifs du XIXe siècle, Michaël Vottero, conservateur des monuments historiques de Bourgogne

Dionysos et la musique dans la peinture de Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Daniela Cataldo, Università del Salento

Danseuses en métamorphoses: les bacchantes de la littérature fin-de-siècle, Valérie Lavigne, université de Nice Sophia-Antipolis

Bacchantes romantiques : réminiscences dionysiaques dans le ballet et ses représentations au XIXe siècle, Bénédicte Jarrasse, Université Paris 3

“En cette chair secouée habite, semble-t-il, toute la fièvre de la trépidante existence moderne”. Vierge folle/Het Zotte Geweld de Rik Wouters (1912), Herwig Todts, conservateur au musée royal des Beaux-Arts d’Anvers

Les bacchanales d’Isadora Duncan : réaliser et déjouer un rêve de danse du XIXe siècle, Katharina Van Dyk, université Paris 8

François Joseph Bélanger (1744-1818). Architecture et société, de l’Ancien Régime à la Restauration

Ce colloque international est organisé par l’association GHAMU et le Centre F.-G. Pariset (EA 538 ; université Bordeaux Montaigne), avec le concours du Centre André Chastel (Sorbonne Université) et de l’HICSA (université – Panthéon-Sorbonne). Il se tiendra à Paris, du 6 au 8 décembre 2018 (voir programme joint infra).

Construire une maison de plaisance en trois mois : ce pari fou – et réussi –  entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode, chef d’orchestre des plaisirs de l’Ancien Régime, qui intéresse depuis longtemps les historiens. Dès 1930, Bélanger bénéficie d’une monographie grâce au travail documentaire minutieux de Jean Stern. Depuis les années 1970, les recherches se poursuivent avec des études plus spécifiques consacrées à son activité au service du prince (M. Constans, Ch. Baulez, J.-J. Gautier, Y. Delaborde, B. Baudez), à ses demeures privées (M. Gallet, P. Étienne, C. Faraggi, G. Joudiou, R. Perry), à son rôle de paysagiste (M. Mosser, K. Woodbridge, J. Barrier) et à ses bâtiments publics (M. Deming). Cette riche historiographie n’épuise pas pour autant le sujet. Parmi les perspectives fructueuses, il convient notamment d’approfondir le travail de l’architecte au quotidien, ses relations avec les dessinateurs et les artisans, ses réseaux et les mécanismes de la commande, ses stratégies de carrière, son éclectisme, sa maîtrise technique ou encore ses écrits sur ses confrères et le soin apporté à la diffusion de son œuvre. Le bicentenaire de la mort de l’architecte offre ainsi l’occasion de revenir sur cette carrière exceptionnelle et de la mettre en perspective à la lumière des travaux récents sur l’architecture dite « néoclassique » qui se poursuit jusqu’à l’Empire et la Restauration.

Thèmes proposés

L’appel à communications s’est organisé autour de quatre thèmes : 

1er thème — Au service des princes

Dessinateur (1767) puis inspecteur des Menus Plaisirs du roi (1775), Bélanger demeure seize ans dans la prestigieuse administration, principalement occupé à la création de décors pour les fêtes publiques et les spectacles de la cour. À partir de 1777, sa carrière prend un nouvel envol en devenant Premier architecte du comte d’Artois. Ce prince prodigue le sollicite pour toutes sortes de projets tels que des palais, une petite maison, un jeu de paume, des écuries, des embellissements intérieurs ou encore la création d’un nouveau quartier. Mais la Révolution sonne le glas des ambitions architecturales du prince et de son architecte. Ce dernier ne retrouvera les faveurs de la cour qu’en 1814 à la Restauration : revenu aux Menus Plaisirs, il termine sa carrière comme il l’avait commencée ! Entre-temps l’architecte a fait évoluer son art et l’on s’interrogera sur sa manière de servir le pouvoir, d’un frère à l’autre et d’un siècle à l’autre, entre agrément et décorum.

2e thème — Habitat et décor à la mode

L’architecture domestique constitue une part essentielle de l’activité de Bélanger avec une trentaine de chantiers parmi lesquels deux édifices devenus des symboles de l’art de vivre sous l’Ancien Régime : Bagatelle et la folie Sainte-James. Le colloque sera l’occasion de revenir sur ces chantiers exceptionnels mais aussi de mieux connaitre ses autres demeures notamment celles construites dans les années 1785-1800. Il conviendra également d’approfondir son rôle de décorateur d’intérieur, son intérêt pour le mobilier, les marbres et le papier peint. Enfin, on pourra examiner le répertoire de l’architecte qui, après le renouveau classique des années 1760, témoigne d’un impérieux besoin de variété en convoquant tour à tour l’Antiquité romaine, le dorique sans base de Paestum, la serlienne de Palladio, l’arc brisé gothique, le revêtement brique et pierre ou encore, dans les intérieurs, l’exotisme, les arabesques de Raphaël et d’Herculanum.

3e thème — Jardins et architecture pittoresque

Parmi les chantiers qui ont assuré la notoriété de Bélanger, les jardins occupent une place toute particulière. Il est en effet l’un des plus importants promoteurs du jardin anglo-chinois en France. Apprécié pour l’inventivité de ses fabriques, le luxe de leur conception, l’architecte s’adresse aux élites anglomanes alors que ses trois voyages outre-Manche (1774, 1778 et 1780) lui ont assuré une connaissance fine des jardins et un solide réseau amical chez les architectes anglais. Il conviendra d’étudier les jardins de Bélanger – Bagatelle (1777), la folie Sainte-James (1778), le parc de Méréville (1785-1786), le jardin de l’hôtel de Beaumarchais (1788) – dans ce rapport à l’Angleterre comme des créations affranchies de la tradition française du jardin régulier et nourries d’un imaginaire de fantaisie pour une clientèle en quête de nouveauté et d’exotisme

4e thème — Équiper la ville

Sous l’Empire, Bélanger consacre davantage de temps à l’architecture publique. En 1808, pour la Halle au blé, il innove avec la construction d’une gigantesque coupole en fer, recouverte de feuilles de cuivre. Mais à côté de ce célèbre exemple, d’autres bâtiments (réalisés ou non) tels les bains Vigier (1802), l’Opéra au Carrousel (1802), le réaménagement de Bruxelles (1804), la halle aux vins et les abattoirs de Rochechouart (1808) mériteraient d’être mis en lumière. Autant de projets variés témoignant d’une certaine vision de la ville moderne et qui conduisent à interroger les enjeux d’un renouveau – tant programmatique qu’esthétique – au début du XIXe siècle.

Comité scientifique

Janine Barrier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexandre Gady (Sorbonne Université) ; Jean-Philippe Garric (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexia Lebeurre (Université Bordeaux Montaigne) ; Christophe Loir (Université libre de Bruxelles) ; Werner Oechslin (Polytechnique de Zürich) ; Claire Ollagnier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Monique Mosser (CNRS, Centre André Chastel) ; Eduardo Piccoli (Politecnico de Turin) ; Daniel Rabreau (université Panthéon-Sorbonne) ; José Luis Sancho (Patrimonio Nacional de Madrid) ; Létizia Tedeschi (Archivio del Moderno, Mendrisio) ; Richard Wittman (University of California Santa Barbara)


Charline Coupeau, La métaphysique du bijou. Objets d’histoire, parure du corps et matériau de l’oeuvre d’art au XIXe siècle

Mme Charline Coupeau a soutenu avec succès, le 26 juin 2018, sa thèse de doctorat, menée sous la direction de M. Pascal Bertrand. Le jury était composé de M. Pascal Bertrand, professeur des universités (Bordeaux Montaigne), Mme Catherine Cardinal, professeur des universités (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Guillaume Glorieux, professeur des universités (université de Haute Bretagne, Rennes 2), M. Jean-François Luneau, maître de conférences HDR (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Patrick Wald Lasowski, professeur des universités (université Paris 8 université Vincennes).

Résumé de la thèse

Au commencement, il y a cet écrin familial, ce petit coffret de bois recouvert de maroquin brun à cornières ajourées en laiton argenté dont l’intérieur est capitonné d’un joli tissu de satin bleu. Que renferme-t-il ? Un plastron d’inspiration berbère en argent, une petite bourse type aumônière en cotte de maille, un bracelet jonc émaillé, de grosses boucles d’oreilles croissant de lune en métal argenté parsemé de strass rouge de cristaux de Swarovski, une broche en or et faux brillants, des pendants de style art déco pavés de fausses turquoises, une petite croix en or jaune à la jeannette, un bracelet en or jaune en maille milanaise et fermoir à cliquet, un sautoir de perles de verre. Il y a ces nombreux après-midis à les sortir de leur précieuse cassette pour les essayer. Ces après-midis où objets de prêts, ces bijoux sont les compagnons de moult aventures de princesses. De ce coffret est née une curiosité, une fascination qui a été le leitmotiv de nos études. C’est cette petite « madeleine de Proust » qui nous a poussé à entamer une recherche sur la bijouterie. Réouvrons donc ce vieil écrin et découvrons ensemble les mots du bijou, son vocabulaire foisonnant, et ses expressions les plus brillantes.

Pierres et métaux précieux, foyers de tous les désirs et de tous les mystères forment des spécimens singuliers, énigmatiques et emblématiques d’une époque, d’un temps donné. Objet d’une vive émulation dans la sphère muséale, le bijou abonde aujourd’hui dans de nombreux ouvrages. L’engouement actuel qui l’impose comme un terrain artistique reconnu nous amène à repenser son intrigue, son lexique et sa poétique Cette thèse se propose donc d’étudier les pièces de bijouterie-joaillerie du XIXe siècle en France en y apportant un nouvel éclairage. En effet, le bijou de cette période, fortement connoté, possède une signification esthétique, sociale, géographique, politique, économique et culturelle qui lui semble propre. On a souvent pensé que le bijou était un objet vain, que sa fonction n’est autre qu’agrémenter la personne qui le porte, d’embellir de façon factice son apparence, voire marquer son appartenance sociale. Mais c’est une illusion superficielle car le bijou comme le souligne si bien l’historien de l’art Gustave Soulier (1872-1937) dans la préface de René Beauclair relève d’un « tour d’imagination spécial ». Si le mot « bijou » dont les origines sont multiples, éveille en nous, l’idée première d’une chose précieuse autant pour sa finesse et la recherche du travail que pour la valeur des matières employées, il est dès à présent juste de noter que le bijou s’exprime, qu’il signifie le temps. Pour aller plus loin, le joyau à l’origine forme naturelle, est transformé en artefact culturel et à ce juste titre, il donne une vue d’une époque : « Montrez-moi les bijoux d’une nation et je vous dirai ce qu’elle est ! ». Il existe donc entre le Bijou et le monde qui l’entoure et le crée, une interaction. C’est cette interaction créatrice qui est au centre de notre réflexion.

Élément essentiel de notre culture matérielle, véritable phénomène d’esthétique social, fait d’embellissement, de contemplation et de joie sensuelle, Le bijou tout comme son compère le vêtement, appartient à un regroupement interdisciplinaire. Nous le verrons, la bijouterie est un art complexe qu’il ne faut pas penser comme une entité cloisonnée. C’est pourquoi nous envisageons, d’établir un lien avec les autres arts. Dans ce dialogue entre différentes disciplines, dans ce « paragone » comparable à celui développé il y a six siècles de cela par Giorgio Vasari, le bijou est conçu comme un message et interroge la notion d’un langage de l’art, un langage du bijou. Parlez-vous bijoux ? Que nous disent-ils ? Face à cet aveu, de nouvelles possibilités d’exploitation s’offrent à nous. Certes la conception de la bijouterie en tant que langage ne paraît pas forcément aller de soi. Pourtant la voir sous cet angle permet, nous le pensons de sortir des problèmes dû à son propre domaine. Penser le bijou comme une langue en accord avec les recherches de Ferdinand de Saussure permet d’ouvrir le discours sur l’expression d’un signifiant et d’un signifié qui au sein de notre étude sont indissociables. À l’instar de la démarche proposée par Boris de Schloezer, ne peut-on pas décider puisque le contenu est immanent à la forme de souligner que la bijouterie n’a pas un sens mais est un sens ?

Si on s’obstine à penser le bijou dans cette optique, comme langue, ce dernier doit toutefois être pensé au sens large du terme, c’est-à-dire comme une sorte de condensé du concept de culture… comme une ontologie. Les écrits associés et la somme de sources iconographiques mettent justement en scène une vision et parfois même des tensions qui nous semblent extrêmement pertinentes pour aborder l’ontologie du bijou. Il s’agira de ne pas nous cantonner à notre discipline qu’est l’histoire de l’art même si le sujet abordé ici y puise sa principale source. Nous nous allierons donc à des méthodes de comparaison visibles en anthropologie, ethnologie et psychologie de l’art. Ce croisement méthodologique nourrit une aventure intellectuelle où l’histoire de l’art et les autres disciplines doivent s’associer dans une démarche conjointe. Il permet également d’accéder à une meilleure lecture des œuvres d’art et des modes de figuration. Tout en répondant aux nouvelles interrogations essentielles qui inspirent le XIXe siècle, qui le problématisent et le métamorphosent dans son discours scientifique, nous attirerons donc le regard de notre lecteur sur une amorce ontologique de la bijouterie. Avec cette méthodologie, qui n’est certes pas la plus habituelle mais qui reste cependant inédite, nous chercherons à nous inscrire dans la même démarche que celle développée par Michel Pastoureau pour la couleur, Alfred Gell pour l’objet d’art et récemment Philippe Descola. Le but de ce travail de recherche est donc de percevoir les bijoux du XIXe siècle comme des signes indiciels dotés d’une capacité à agir, d’une agence, une façon de donner du sens, un indice pour découvrir le monde.

Une ontologie au sens où l’on voudrait l’aborder, est une façon d’être au monde, permettant une meilleure compréhension de celui-ci. Elle nous éclaire sur la perception et la conception du monde, des images et des objets qui nous entourent. Mais outre la notion d’ontologie qui encore aujourd’hui fait couler beaucoup d’encre dans les milieux philosophiques, c’est la question de l’art et de l’œuvre d’art qui est étroitement soulignée ici. Bien que le concept d’œuvre d’art suscite une polémique, il est certain qu’avec la reconnaissance des arts mineurs et plus précisément des arts décoratifs à la fin du XIXe siècle, les productions bijoutières doivent donc être reconnues comme telles. Plus qu’au discours sur la bijouterie ce sont ici des réflexions sur notre rapport esthétique à l’art, sur les bijoux en tant qu’œuvre d’art, en tant qu’image, en tant que langage qui seront suggérées.

Le bijou, considéré comme une image à part entière, comme une langue est donc un stimulateur. Il active la vue, l’un de nos sens les plus à même de provoquer dans notre esprit des réactions comme l’amour, la peur ou encore la jalousie. Il parle à la pensée. Dans cette même optique, nous pouvons ainsi sonder nos rapports à l’objet, au bijou. Nous parle-t-il ? Est-il une quête d’identité ? En quoi est-il une œuvre d’art ? À ces questionnements s’ajoutent ceux tirés des enseignements de Thomas Golsenne, et de l’anthropologue britannique Alfred Gell. Comment agit le bijou ? Quels pouvoirs attribuons, octroyons-nous à cet objet ? Nous essayons de montrer que le travail de l’historien de l’art peut consister en autre chose qu’un simple décryptage de la signification, que nous pouvons dépasser l’iconologie. Le discours élaboré par plusieurs chercheurs en anthropologie sur l’approche des objets, des images et de leur intentionnalité propose une démarche inédite que nous avons trouvée juste de rapprocher du propos de la bijouterie.

Tout en répondant aux nouvelles interrogations qui animent ce XIXe siècle, nous incitons à percevoir les bijoux comme une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension. En véritable archéologue, saisissant notre plume comme une truelle, nous tenterons d’exhumer au cours de ce travail de recherche le labyrinthe technique et idéologique qui gouverne les productions bijoutières du XIXe siècle. Nous souhaitons insister sur la multitude de leurs fonctions et les appréhender comme objet à caractère polysémique et plurifonctionnel. Des articulations et des paramètres qui permettent de définir le bijou par ce que fait l’homme vivant en société. L’homme crée le bijou et le bijou crée l’homme en retour. Si notre approche pourra paraître pour certains, approximative, elle a le mérite de faire vivre le discours sur la bijouterie du XIXe siècle et par prolongement celui des arts décoratifs en apportant donc un renouvellement de la lecture des bijoux, les plaçant comme une étude du monde qui nous entoure. Par l’intermédiaire du bijou, un univers s’éclaire, une nouvelle conception. Grâce à l’éclat scintillant des diamants, une meilleure compréhension d’une époque est mise en lumière.

Arachné

Vient de paraître chez les Esthétiques du divers Arachné : Histoire de l’histoire de la tapisserie et des arts décoratifs qui réunit sous la direction de Pascal-François Bertrand divers essais qui portent un regard nouveau sur l’histoire de l’histoire de la tapisserie.

La tapisserie a longtemps été étroitement liée à la peinture, puis à l’architecture. Elle est aujourd’hui rangée parmi les arts décoratifs qui constituent une des quatre catégories d’arts, la plus récente puisqu’elle a ainsi été désignée au cours du XIXe siècle, les trois autres plus anciennes, la peinture, la sculpture et l’architecture, composant ce qu’il est convenu d’appeler les beaux-arts. Les arts décoratifs sont définis par trois qualités : 1) leur capacité à orner, à décorer ; 2) leur fonctionnalité, les arts décoratifs sont utiles ; 3) leur caractère multiple, ce qui renvoie à la notion de reproductibilité. Ils sont généralement étudiés selon trois principes directeurs : la fonction, la technique et le style. Cet ouvrage a pour objet d’analyser la façon dont les notions fondamentales que sous-tend l’art de la tapisserie ont été utilisées dans l’écriture de l’histoire et d’étudier les conditions de l’élaboration de cette histoire, tant d’un point de vue historique, qu’institutionnel, philosophique et idéologique. Cela nécessite de replacer cette histoire au sein de l’histoire des arts décoratifs et celle-ci à l’intérieur de l’histoire de l’art. Il résulte essentiellement des travaux d’un séminaire tenu dans le cadre d’un programme de recherche en sciences humaines et sociales : « Arachné ».

Colloque international : Les acteurs de la rocaille

Colloque international organisé par l’INHA, en partenariat avec le Centre François‐Georges Pariset – EA 538 de l’université Bordeaux-Montaigne, le laboratoire TELEMME de l’université Aix‐ Marseille et le Ghamu

L’étude des arts décoratifs fédère aujourd’hui une large communauté de chercheurs et engage, par-delà l’histoire artistique des objets et des décors, des spécialités et des compétences variées (littérature, critique, esthétique, sociologie, visual studies, gender studies). Dans la perspective des travaux d’envergure menés sur la production rocaille de certains grands ornemanistes (Jacques de Lajoüe, Juste-Aurèle Meissonnier, François Boucher), le colloque « Les acteurs de la rocaille » entend opérer un retour à l’objet tout en mettant à profit les récentes conclusions énoncées dans le domaine des sciences humaines.

Marquant le 300e anniversaire du début de la Régence, dont la rocaille fut l’une des expressions majeures, il explorera cet art libre et inventif dans Continuer la lecture de Colloque international : Les acteurs de la rocaille

Appel à communication : journée d’étude Arts décoratifs et transmissions des savoirs en France, du XVIIe siècle au XXIe siècle (12 mars 2015)

En France, la création de l’Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1648 institutionnalise la primauté des beaux-arts sur les arts dits mécaniques. Alors que l’Académie et ses imitations provinciales instruisent les peintres et les sculpteurs, les artistes/artisans apprennent leurs métiers au sein des corporations, des manufactures ou bien encore des « écoles de dessin » qui se multiplient à partir de 1750. En effet, le dessin est un enjeu majeur dans l’apprentissage de ces arts, dits décoratifs à partir du XIXe siècle. À cette époque, l’ouverture de départements spécialisés dans les musées, l’accroissement du nombre de revues, les réformes pédagogiques au sein des écoles de dessin témoignent d’un désir d’étudier les objets d’art, de reconsidérer la hiérarchie entre arts mineurs et arts majeurs, mais aussi d’en renouveler la production d’un point de vue esthétique et technique. L’idéal de la fusion des arts et celui de l’artisan-créateur sont toutefois confrontés aux nécessités d’une production en série qui réduit la part de créativité d’une main d’œuvre bon marché. La question du statut des arts demeure centrale au XXe siècle, prolongée notamment à travers la notion plus récente de design industriel. Néanmoins, les réflexions entamées au XIXe siècle permettent un élargissement des domaines d’enseignement : vers le costume, l’affiche, le vitrail, l’éclairage autour de 1920 ; ensuite, vers le graphisme, la presse, la publicité ; puis vers l’informatique. Ajoutons enfin, l’entrée timide des arts décoratifs au sein de l’enseignement universitaire de l’histoire de l’art.

L’histoire des arts décoratifs est parcourue de débats et cette notion est en perpétuelle évolution. C’est pourquoi cette journée d’étude propose d’explorer ce domaine comme champ d’un savoir digne d’être l’objet d’une transmission. Il s’agit d’interroger les enjeux de l’enseignement délivré aux élèves et de comprendre, au sein de l’enseignement de l’histoire de l’art, la fonction occupée par les arts dits décoratifs par rapport aux beaux-arts. Les travaux historiographiques sur le sujet étant encore relativement peu nombreux, il serait utile de faire un état de la recherche. Cet appel s’adresse donc à tous les chercheurs et, en particulier, aux étudiants de master, aux doctorants et aux jeunes docteurs. À travers l’étude des sources écrites et des institutions, pourront être abordés le contenu des connaissances délivrées aux artistes ou aux étudiants, les méthodes pédagogiques mises en œuvre, la rhétorique des discours, les politiques éditoriales et les éventuelles récupérations idéologiques à l’œuvre dans la transmission d’un savoir relatif aux arts décoratifs.

La réflexion pourra s’articuler autour des problématiques suivantes, qui ne constituent cependant pas une liste exhaustive :

> En perpétuelle mutation, la terminologie employée pour les arts décoratifs et les artistes associés peut être questionnée. Comment nomme-t-on ces arts (arts mécaniques/arts libéraux, arts mineurs/arts majeurs, art industriel, design, etc.), les artistes (artiste, décorateur, artisan…) et les métiers auxquels ces derniers sont formés ?

> Quelle est la part de l’enseignement théorique relativement à l’enseignement pratique au sein des lieux de formation ? Quelle est la place du dessin/dessein dans l’apprentissage ? Copier, imiter ou créer : quelles compétences sont attendues des artistes/artisans ? À quel(s) niveau(x) ces derniers interviennent-ils dans le processus allant de la création à la réalisation de l’objet d’art ?

> Dans quelle mesure ces questions et celles liées aux variations terminologiques peuvent-elles être révélatrices du statut des arts décoratifs, de celui des artistes/artisans ainsi que d’une classification artistique ?

> Quels types d’ouvrages sont à la disposition des artistes/artisans ? À quelle échelle ceux-ci sont-ils édités ? Quelle est l’histoire des bibliothèques destinées aux arts décoratifs ?

> Quel rôle les institutions publiques exercent-elles sur l’orientation de l’instruction ? Il convient également d’interroger la création des diplômes d’État pour les décorateurs et les architectes.

> Par ailleurs, la dimension commerciale et lucrative des objets d’art décoratifs agit-elle sur l’enseignement ?

> Dans cet enseignement français, quel rôle jouent les textes purement théoriques dans la perception de ces arts et leur apprentissage ? Par exemple, quel usage est fait des théories modernes telles que les pensées anglaises ou germaniques (Semper, Riegl) ou encore du Bauhaus et du discours des Modernes ?

> À quelle époque les arts décoratifs sont-ils intégrés dans l’enseignement universitaire de l’histoire de l’art ? En retour, comment s’intègre l’histoire de l’art « traditionnelle » dans la formation des artistes/artisans ? Comment cette question fut-elle abordée dans les discours des historiens et historiens de l’art ?

 Les propositions de 300 mots environ sont attendues avant le 26 septembre 2014 à l’adresse suivante : arts.decoratifs.savoirs@gmail.com

 Équipe organisatrice :

Anna Jolivet, Docteur en Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538) Université Bordeaux Montaigne

Élodie Lacroix Di Méo, Docteur en Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538) Université Bordeaux Montaigne

Élodie Pradier, Doctorante en Histoire de l’art moderne, Centre François-Georges Pariset Université Bordeaux Montaigne

Comité scientifique :

Pascal Bertrand Professeur d’Histoire de l’art moderne, directeur du Centre François-Georges Pariset (EA 538) Université Bordeaux Montaigne

Dominique Jarrassé Professeur d’Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538), Université Bordeaux Montaigne

Myriam Métayer Maître de conférence d’Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538), Université Bordeaux Montaigne

Anna Jolivet, Docteur en Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538) Université Bordeaux Montaigne

Élodie Lacroix Di Méo, Docteur en Histoire de l’art contemporain, Centre François-Georges Pariset (EA 538) Université Bordeaux Montaigne

Élodie Pradier, Doctorante en Histoire de l’art moderne, Centre François-Georges Pariset Université Bordeaux Montaigne

L’objet d’art en France du XVIe au XVIIIe siècle : de la création à l’imaginaire

L’objet d’art en France du XVIe au XVIIIe siècle : de la création à l’imaginaire, études réunies par Marc Favreau et Patrick Michel, Centre François-Georges Pariset / Université Michel de Montaigne Bordeaux III, 2007. 316 p.

Actes du colloque international de Bordeaux (12-14 janvier 2006)

Table des matières

Avant-propos par Marc Favreau, maître de conférences en histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne-Bordeaux III, et Patrick Michel, professeur d’histoire de l’art moderne, université Charles de Gaulle-Lille III

À la conquête d’une reconnaissance : des arts mineurs à l’objet d’art, introduction par Marc Favreau, maître de conférences en histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

1. La genèse de l’objet d’art

Les livres de présentation de Puget de La Serre – Véronique Meyer, professeur d’histoire de l’art moderne, université de Poitiers

Annexe. Inventaire des livres de présentation de Puget de La Serre

Création, interprétation et réception : les planches d’ornement de Paul Androuet du Cerceau – Sandrine Herman, doctorante, université de Paris IV-Sorbonne

De la gravure à l’objet d’art : la spécificité des estampes des orfèvres parisiens au XVIIe siècle – Michèle Bimbenet-Privat, Conservateur en chef au musée national de la Renaissance, château d’Écouen, professeur associé à l’université de Paris IV-Sorbonne

Le décor des cabinets d’ébène parisiens : propositions chronologiques – Daniel Alcouffe, Conservateur général honoraire au musée du Louvre

L’influence de la manufacture royale des Gobelins à l’étranger : les artisans de Louis XIV à Stockholm – Florian Knothe, doctorant, Courtauld Institute of Art, université de Londres

La fondation de l’École royale gratuite de dessin de Paris (1767-1815) – Ulrich Leben, historien de l’art, Associate Curatir, Waddesdon Manor

Le processus de création et de réalisation des statuettes de faïence et de porcelaine de Niderviller au XVIIIe siècle : technique et sensibilité artistique – Véronique Stahn, assistante qualifiée de conservation, musée des Arts décoratifs de Strasbourg, doctorante, université Strasbourg II-Marc Bloch

2. Le marché de l’art et les collections

La compagnie française des Indes orientales et les importations d’objets d’art pendant le règne de Louis XIV – Stéphane Castelluccio, chargé de recherche au CNRS, Centre André Chastel (UMR 8150)

Autour de la rue Saint-Martin. Les importations et la distribution des tapisseries flamandes à Paris 1600-1650 – Koenraad Brosens, chargé de recherches, Fonds de la Recherche Scientifique-Flandre (FWO-Vlaanderen), professeur invité extraordinaire à l’université catholique de Louvain

Le goût pour les petits bronzes de collection en France au XVIIIe siècle – Patrick Michel, professeur d’histoire de l’art moderne, université Charles de Gaulle-Lille III

Les plaques et médaillons de Sèvres à l’imitation de Wedgwood, incorporés au mobilier français du XVIIIe siècle – Thomas Martinie, doctorant, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

Pour une approche du mobilier royal dans les représentations diplomatiques françaises, aux XVIIe et XVIIIe siècles – Marc Favreau, maître de conférences en histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

Charles-Alexandre de Lorraine (1712-1780) et l’orfèvrerie française – Léo De Ren, professeur, Katholieke Universiteit Leuven

3. L’image de l’objet dans les arts visuels et la littérature

Les discours sur l’objet d’art de 1789 à 1804 – Philippe Bordes, professeur d’histoire de l’art moderne, université Lyon II

Le statut de la tapisserie sous l’Ancien Régime et en particulier aux Gobelins du temps de Louvois (1683-1691) – Pascal-François Bertrand, professeur d’histoire de l’art moderne, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

L’objet animé au XVIIIe siècle : automates, marionnettes, statues – entre science, art et curiosité – Aurélia Gaillard, professeur en Littérature du XVIIIe siècle, université Michel de Montaigne-Bordeaux III

4. L’objet d’art ancien et son statut juridique et fiscal

L’authenticité des œuvres d’art : problèmes juridiques – Sophie Vigneron, lecturer, Kent Law School, University of Kent

Le statut international de l’objet d’art – Dominique Audrerie, avocat au Barreau de Paris, maître de conférences associé à l’université Montesquieu-Bordeaux IV

Le statut fiscal de l’objet d’art – Éric Mirieu de Labarre, maître de conférences, université Montesquieu-Bordeaux IV

Conclusion par Jean-Louis Martres, professeur émérite à l’université Montesquieu-Bordeaux IV