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Producteurs et acteurs des « arts indigènes » dans l’Empire français (1893-1962)

Appel à communication. Dans le cadre de l’exposition « Tarz. Broder au Maroc hier et aujourd’hui », qui se déroulera au musée d’Angoulême du 18 juin au 31 décembre 2022, avec une probable itinérance au Maroc dans le courant de l’année 2023, le centre de recherches en histoire de l’art – F.-G. Pariset (université Bordeaux Montaigne, UR 538) et le musée d’Angoulême ont souhaité organiser une journée d’études portant sur les « arts indigènes » durant la période coloniale. Elle se tiendra le mardi 8 novembre 2022, à Angoulême.

Autour de 1900, différents rapports ou ouvrages dressent bilans et perspectives sur « les arts et industries indigènes »[1]. L’exposition d’art musulman organisée par Georges Marye (1842-1900) au palais de l’Industrie, en 1893, constitue de ce point de vue un jalon important car le but est d’« amener les moyens propres à provoquer [la] renaissance [des industries décoratives de l’Afrique du Nord] »[2] en revenant sur leur histoire. De nombreuses formules sont alors employées, non sans enjeux sous-jacents, pour désigner cette part importante des artefacts produits dans l’espace colonial. Des expressions telles qu’« artisanat indigène », « industries d’art indigènes », « curiosités indigènes », mais aussi « artisanat d’art », « ouvrages d’arts traditionnels », « arts populaires », peuvent être sollicitées pour qualifier et hiérarchiser des ensembles hétérogènes d’objets qui se retrouvent, de fait, infériorisés. Ce processus est d’autant plus prégnant que ces derniers sont généralement associés aux définitions d’un « art malgache » ou d’un « art tunisien », d’un « art arabe » ou d’un « art annamite », d’un « art musulman » ou d’un « art islamique », sans parler de « l’art nègre »… Autant de catégories qui excluent ou rattachent, en fonction des nécessités du moment : qu’on songe, par exemple, aux « arts indigènes d’Afrique du Nord » ou aux « arts de la France d’Outre-Mer ». Cette pluralité de termes et de catégories reflète le statut mouvant que le colonisateur entend donner aux artefacts des espaces colonisés, mais également à leurs producteurs, hommes et femmes, dans une perspective politique, artistique, éducative, historique, ethnographique ou commerciale.

La problématique des « arts indigènes » a été particulièrement traitée pour le Maghreb, notamment dans son rapport à l’architecture (Oulebsir 2004 ; Matri 2008 ; Bacha 2013 ; Saou-Dufrêne 2017). Parallèlement, la dialectique entre émergence d’une conscience patrimoniale et invention d’une tradition est au cœur du travail de Nabila Oulebsir (2004), Clara Ilham Álvarez Dopico (2018 ; 2020) et de Muriel Girard (2006). Les modes d’exposition et les enjeux des discours dans la construction de ces objets ont aussi constitué une approche fondamentale (L’Estoile 2007 ; Murphy 2009 ; Labrusse 2011 ; Saou-Dufrêne 2017 ; Jarrassé 2020 ; Jarrassé et Ligner 2021).

Largement employée à l’époque coloniale, la notion d’« arts indigènes » englobe toute production d’artefacts relevant d’une pratique « traditionnelle » autochtone. Elle exclut de fait, généralement, tout ce qui se rattache au champ des beaux-arts. Toutefois, un peintre miniaturiste comme Mohammed Racim (1896-1975) est alors souvent placé dans une posture intermédiaire (Benjamin 2003 ; Orif 1988). Le périmètre de cette journée d’études intéresse en premier lieu la première acception, mais sans s’interdire d’étudier de telles porosités au sein de la formation, de la création et de la valorisation, en lien avec le statut des créateurs.

Les processus d’invisibilisation qui touchent les producteurs dits « indigènes » nous amènent à vouloir mettre ces derniers en exergue. Qui sont-ils, de l’artisan travaillant dans une structure à ces « véritables “indépendants” » malgaches que Raymond Decary (1891-1973) signale lors de l’Exposition internationale de 1937[3] ? Les expositions favorisent leur repérage et l’étude de leur réception : à l’occasion de l’Exposition artistique de l’Afrique française, qui eut lieu à Meknès en 1952, les produits de céramistes, ferronniers, brodeurs ou tisseuses, nommément cités, sont ainsi regroupés en une « section d’arts décoratifs marocains ».

Plusieurs ouvrages ou articles sont spécifiquement dédiés aux « artisanes »[4] qui incarnent une forme de modèle d’émancipation au regard des attendus de la société coloniale. Il est intéressant, par ailleurs, de noter que les « arts indigènes féminins » – pour reprendre le titre de la plaquette que la peintre Madeleine Bunoust (1885-1974) consacre à la section correspondante du musée des Colonies[5] – constituent tant un objet spécifique qu’un référent historique comme le montre l’exemple précurseur d’Eugénie Luce (1804-1882) (Benjamin 2003 ; Rogers 2013). Ainsi s’agit-il d’interroger également l’implication de certaines métropolitaines dans leurs modalités d’action comme dans leurs motivations, en particulier féministes. La fondatrice et présidente de la Fédération féministe (1900), Pauline Savari (1859-1907), n’a-t-elle pas créé, en 1902, au sein de l’Exposition internationale des arts et métiers féminins, une section des industries algériennes et tunisiennes (Álvarez Dopico 2018) ?

Parallèlement, on ne peut négliger les acteurs, tant privés que publics, qui agissent sur la formation, la production, la valorisation et la commercialisation. Certains travaux ont, par exemple, permis de redécouvrir les initiatives des ateliers de céramique de Jacob Chemla (1858-1938) à Tunis (Chemla, Goffard, Valensi, 2015) ou ceux d’Ernest Soupireau (1853-?) et de Langlois, père et fille, à Alger (Álvarez Dopico 2018), d’éclairer le rôle de l’Office des industries d’art indigènes du Maroc (1918) ou du service des arts indigènes (1920) (Girard 2006, Laillou 2004, Théliol 2011), sans oublier les différentes strates de l’institutionnalisation tunisienne, depuis le Laboratoire d’essais industriels et commerciaux indigènes (1913) jusqu’à l’Office des arts tunisiens (1947) (Berhouma 2020). Mais quid des écoles ou des coopératives par exemple, dont on ne connaît pas forcément tous les détails de leur organisation et dont le souci de perpétuer des traditions peut entrer en conflit avec les exigences de rentabilité du marché ? Cette histoire mérite d’être appréhendée dans le temps long. La Maison des artistes soudanais, créée par Jean-Georges Le Gall (1893-1966) et inaugurée en 1933 à Bamako, fait l’objet, après la seconde guerre mondiale, de vives critiques de la part d’ethnographes qui entendent instaurer une démarche scientifique dans les méthodes d’apprentissage et rétablir une forme d’« authenticité ».

L’institutionnalisation de l’apprentissage – que ce soit dans des écoles des beaux-arts, des écoles de dessin ou des ateliers d’arts appliqués, liés ou non aux coopératives – constitue un enjeu important. Il s’agit d’interroger leur rôle dans la transmission des savoir-faire et la définition de modèles référentiels, à l’échelle collective ou individuelle, comme d’évaluer leur impact et leur capacité à offrir de nouvelles opportunités. L’Algérien Boudjema Lamali (1890-1971), bénéficiaire d’une bourse de la manufacture de Sèvres (1914), contribue ainsi à l’essor de la céramique Safiote (1920). Cet exemple est aussi significatif des circulations existantes – de personnes et de pratiques – entre l’Algérie et le Maroc, voire de manière plus générale, entre les colonies. La question de la formation engage bien d’autres acteurs. Marc Alfred Chataud (1833-1908), l’un des fondateurs de la Société des peintres orientalistes algériens (1893) semble avoir joué un rôle dans la « rénovation » des « arts indigènes ». Il en est de même pour le Maroc, où Aline Réveillaud de Lens (1881-1925), soutenue par sa sœur, Marie-Thérèse de Lens, Suzanne Drouet-Réveillaud (1885-1970) et Marcel Vicaire (1893-1976) œuvrent au sein des ateliers aux côtés du peintre Azouaou Mammeri (1890-1954). Tous contribuent, conjointement, à l’animation de l’Association des peintres et sculpteurs du Maroc (1922-1933). La coexistence de ces différents acteurs est aussi susceptible de créer des passerelles : au sein de structures telles que les ateliers d’arts appliqués malgaches, les « indigènes » sont conduits à créer des œuvres hybridant un art traditionnel avec des modes de représentation occidentaux, posant en corollaire la problématique de l’authenticité des objets, voire du statut de leurs producteurs (Monginot 2019). Il n’est pas rare, en outre, que certains artistes – comme le fait Aly Ben Salem (1910-2001) – livrent aux Offices des modèles inspirés de leurs propres compositions (Berhouma 2020) ou se réapproprient les techniques : tels Nello Levy (1921-1992) pour la céramique ou Abdelaziz Gorgi (1928-2008) pour la tapisserie – et non sans connotation identitaire pour ce dernier dans le contexte de la montée des Indépendances. La mise en place, au niveau local et national, de récompenses telles que le « Meilleur ouvrier de la France d’Outre-Mer » dénote un souci de valoriser des parcours individuels, alors que l’échelon de l’école ou des coopératives prime généralement.

Les questions liées à la promotion, à la diffusion, à la réception des « arts indigènes » (expositions, presse, guides de voyage, livres d’art ou manuels…) relèvent du périmètre de cette journée d’étude. On peut observer de ce point de vue que les mêmes objets peuvent être présentés au sein d’événements où priment la dimension économique, telles que la foire-exposition, comme au sein d’expositions artistiques. Cette cohabitation traduit l’instabilité du statut de ces productions, tantôt parées des vertus de « l’authenticité », tantôt ravalées au rang d’une sous-production pour touristes. Loin de se résoudre aux échanges entre chaque colonie et la métropole, ces questions peuvent être envisagées au prisme d’une économie internationale dominée par la concurrence.

Si le Maghreb, en raison de l’exposition adossée, constitue un terrain d’étude privilégié, les propositions peuvent concerner tous les espaces colonisés par la France, quel que soit leur statut.

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Les propositions (350 mots au plus) devront être envoyées au plus tard le 16 juin 2022 (délai repoussé par rapport à l’appel initial), accompagnées d’une courte bio-bibliographie à :

laurent.houssais@u-bordeaux-montaigne.fr et marion.lagrange@u-bordeaux-montaigne.fr

Les participants recevront une réponse le 24 juin 2022.

Les communications devront durer 25 minutes au maximum.

Cette journée d’études donnera lieu à publication, et ce après examen des manuscrits par le comité scientifique.

L’appel, en version PDF, est aussi téléchargeable ici :

Appel journėe d’ėtudes Les arts indigènes

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Comité scientifique

Mohamed-Ali Berhouma, maître assistant, Institut supérieur des beaux-arts de Nabeul

Laurent Houssais, maître de conférences, université Bordeaux Montaigne

Marion Lagrange, maîtresse de conférences, université Bordeaux Montaigne

Émilie Salaberry, directrice des musées d’Angoulême

Comité d’organisation

Laurent Houssais, maître de conférences, université Bordeaux Montaigne

Marion Lagrange, maîtresse de conférences, université Bordeaux Montaigne

Émilie Salaberry, directrice des musées d’Angoulême

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Bibliographie indicative

Clara Ilham Álvarez Dopico, « Salons et expositions d’art industriel à Tunis (1896 et 1898) », dans Laurent Houssais et Dominique Jarrassé (dir.), Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat, coll. « Arts et anthropologie », [Le Kremlin-Bicêtre], Éditions Esthétiques du divers, 2020, p. 63-85.

Clara Ilham Álvarez Dopico, « Une nouvelle tradition : la céramique algéroise à l’aube du XXe siècle », ABE Journal [En ligne], n° 13, 2018, mis en ligne le 15 octobre 2018. URL: http://journals.openedition.org/abe/4333.

Myriam Bacha, Patrimoine et monuments en Tunisie (1881-1920), coll. « Art & Société », Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2013.

Roger Benjamin, Orientalist Aesthetics. Art, Colonialism and French North Africa 1880-1930, Berkeley, University of California Press, 2003.

Mohamed-Ali Berhouma, « L’Œuvre de l’Office des arts tunisiens : de l’exposition propagandiste à la muséographie partimonialisante », dans Laurent Houssais et Dominique Jarrassé (dir.), Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat, coll. « Arts et anthropologie », [Le Kremlin-Bicêtre], Éditions Esthétiques du divers, 2020, p. 107-125.

Jacques Chemla, Monique Goffard et Lucette Valensi, Un siècle de céramique d’art en Tunisie, Paris, éditions de l’Éclat ; Tunis, Déméter, 2015.

Muriel Girard, « Invention de la tradition et authenticité sous le Protectorat au Maroc : l’action du Service des Arts indigènes et de son directeur Prosper Ricard », Socio-anthropologie, vol. 19, 2006-1, p. 31-46. [En ligne] URL : https://doi.org/10.4000/socio-anthropologie.563.

Muriel Girard, « Imaginaire touristique et émotion patrimoniale dans la médina de Fès (Maroc) », Culture & Musées, n° 8, 2006-2, p. 61-90. [En ligne] URL: https://www.persee.fr/doc/pumus_1766-2923_2006_num_8_1_1405.

Dominique Jarrassé, « Identité tunisienne et artisanat dans les expositions internationales et coloniales 1851-1939 », dans Laurent Houssais et Dominique Jarrassé (dir.), Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat, coll. « Arts et anthropologie », [Le Kremlin-Bicêtre], Éditions Esthétiques du divers, 2020, p. 31-61.

Dominique Jarrassé et Sarah Ligner (dir.), Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, [Le Kremlin-Bicêtre], Éditions Esthétiques du divers, 2021.

Rémi Labrusse (dir.), Islamophilies : L’Europe moderne et les arts de l’Islam, cat. exp. (Lyon, musée des beaux-arts, 2 avril – 4 juillet 2011), Lyon, Musée des beaux-arts de Lyon ; Paris, Somogy, 2011.

Yves Laillou, Arts et indigènes et colonisation au Maroc, à Madagascar et en Indochine : de la création de l’Office des arts indigènes en 1916 à l’Exposition coloniale de 1931, thèse de doctorat sous la direction de Dominique Jarrassé, université Bordeaux Montaigne, 2004.

Benoît de L’Estoile, Le goût des autres : de l’Exposition coloniale aux arts premiers, Paris, Flammarion, 2007 (rééd. 2010).

Faiza Matri, Tunis sous le Protectorat. Histoire de la conservation du patrimoine architectural et urbain de la médina, Tunis, Centre de publication universitaire, 2008.

Pauline Monginot, Artiste ou mpanakanto ? Construction sociale et stylistique de la figure du peintre dans les villes des Hautes Terres malgaches : l’exemple de Tananarive (1880-1972), thèse de doctorat sous la direction de Faranirina V. Rajaonah et d’Alain Bonnet, université Paris Diderot Paris 7, 2019.

Maureen Murphy, De l’imaginaire au musée : Les arts d’Afrique à Paris et à New York, 1931-2006, Saint-Étienne, Presses du Réel, 2009.

Mustapha Orif, « De l’“art indigène” à l’art algérien », Actes de la recherche en sciences sociales, vol. 75, novembre 1988, p. 35-49. [En ligne] URL: https://www.persee.fr/doc/arss_0335-5322_1988_num_75_1_2867.

Nabila Oulebsir, Les usages du patrimoine. Monuments, musées et politique coloniale en Algérie (1830-1930), Paris, Éditions de la Maison des Sciences de l’Homme, 2004.

Rebecca Rogers, A Frenchwoman’s Imperial Story, Stanford, Stanford University Press, 2013.

Bernadette Nadia Saou-Dufrêne, « Arts traditionnels au Maghreb : transmission des savoir-faire et enjeux de leurs expositions », Al-Sabîl : Revue d’Histoire, d’Archéologie et d’Architecture Maghrébines [En ligne], n° 3, 2017. URL: http://www.al-sabil.tn/?p=2821.

Mylène Théliol, « Le Service des beaux-arts, antiquités et monuments historiques, clef de voûte de la politique patrimoniale française au Maroc sous la résidence de Lyautey (1912-1925) », Outre-mers, t. 98, n° 370-371, 1er semestre 2011, p. 185-193. [En ligne] URL: https://www.persee.fr/doc/outre_1631-0438_2011_num_98_370_4545.

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[1] Jules Pillet, Les Industries d’art de la Tunisie, Paris, Gauthier-Villars, 1896 ; Émile Violard, Industries d’art indigènes en Algérie, Alger, Imprimerie Baldachino-Laronde, 1902 ; Arsène Alexandre, Réflexion sur les arts et industries d’art en Algérie, Alger, Akhbar, 1907 ; Jean Gallotti, « Les industries d’art indigène en 1913 », France-Maroc, n° 82 (septembre 1923), p. 165-168 ; n° 84 (novembre 1923), p. 205-210 ; n° 87 (février 1924), p. 23-25.

[2] Georges Marye, « Première exposition d’art musulman », 1893. Exposition d’Art musulman, Catalogue officiel, Palais de l’Industrie, Paris, Impr. A. Bellier et Cie, 1893, p. 9-15, cit. p. 12.

[3] Raymond Decary, « Madagascar », Le Monde colonial illustré, n° 173, novembre 1937, p. 273-274, cit. p. 274.

[4] Marguerite A. Bel, Les arts indigènes féminins en Algérie, Alger, s.é., [1939].

[5] Madeleine Bunoust, Musée des colonies. Section des arts indigènes féminins, Paris, G. Schlégel, 1931.

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818)

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818), sous la dir. d’Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier, Paris, Éditions Picard, 2021. 256 p., 217 ill.

Construire Bagatelle en trois mois : ce pari fou – et réussi – entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François-Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode qui, aux côtés de Ledoux, Chalgrin, De Wailly et Brongniart, fut parmi les architectes les plus talentueux de son temps.

Il excella tout particulièrement dans la conception de l’habitat et des jardins, livrant alors quelques-unes des demeures les plus remarquées de l’Ancien Régime. Mais Bélanger ne fut pas seulement le chef d’orchestre des plaisirs d’un monde finissant : au cours de sa carrière, il traita aussi les programmes les plus divers tels que lotissements, halles, abattoirs, bains publics ou encore salles de spectacle ; il sut répondre également aux nouveaux défis de l’architecture en expérimentant de façon audacieuse des matériaux tels que le fer et la fonte à la Halle au blé.

L’architecte – qui n’a jamais fait le voyage à Rome mais qui s’est rendu à trois reprises en Angleterre – fit preuve d’une grande curiosité. Des embellissements urbains à la tabatière en passant par la petite maison ou la voiture hippomobile, la carrière de Bélanger offre une matière riche qui interroge les frontières de sa discipline. 

SOMMAIRE

Préface. Monographie d’un polyarchitecte – Jean-Philippe Garric

Introduction

Les femmes de Bélanger – Olivier Blanc

Carrière, honoraires et fortune – Dominique Massounie

La collaboration avec Jallier de Savault (1772-1775) – Yvon Plouzennec

Les dîners de la « société académique » : une chimère aux premières heures de l’Empire – Yvon Plouzennec

Au service des princes

Bélanger décorateur des Menus Plaisirs : une expérience fondatrice – Sandra Bazin-Henry

Meubles et pièces d’orfèvrerie pour la corbeille de mariage de Marie-Antoinette– Vincent Bastien

Le « grand carrosse du corps du roy » pour le sacre de Louis XVI – Alexia Lebeurre

François-Joseph Bélanger, Projet de décoration pour le sacre de Louis XVIII à Reims, élévation d’une structure avec le trône, 1814. Graphite, plume et encre, aquarelle, 74,9 x 55,9 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art

Premier architecte d’un prince du sang : au service du comte d’Artois – Anaïs Bornet

Saint-Germain-en-Laye et Maisons : les grands projets pour le comte d’Artois – Étienne Faisant

Bagatelle : le pari fou d’un libertin – Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier

Le lotissement du fief d’Artois – Francesco Guidoboni

Les écuries du comte d’Artois au faubourg du Roule – Christophe Morin

Les écuries d’Artois et la maison de l’architecte à Fontainebleau – Vincent Droguet

L’obélisque du Pont-Neuf – Yvon Plouzennec

1814, le « retour à l’ordre » ou les fastes de la Restauration – Adrian Almoguera

Projet pour le sacre de Louis XVIII à Reims, 1814 – Jean-Philippe Garric

Un architecte à la mode

Sentimental et spéculateur : Bélanger et l’habitat – Claire Ollagnier

La folie Sainte-James à Neuilly – Marie-Geneviège Lagardère

Les maisons parisiennes, architecture remarquable et remarquée (1789-1809) – Charlotte Duvette

Les lotissements de petite envergure : projets et réalisations – Charlotte Duvette

Armand-Parfait Prieur d’après François-Joseph Bélanger, Salle de bains et boudoir de la maison de Mlle Dervieux, vers 1792-1793. Eau-forte et aquarelle, 49,9 x 32,2 cm. Paris, musée Carnavalet.

La décoration intérieure ou les charmes de la variété – Alexia Lebeurre

Une architecture osée : le goût arabesque chez Mlle Dervieux – Iris Moon

La cheminée réinventée – Emmanuel Sarméo

Raffinements mobiliers : la griffe de l’architecte – Alexia Lebeurre

Le goût des matériaux luxueux : les pierres dures et les marbres – Sophie Mouquin

Le goût des matériaux luxueux : l’acajou – Jean-François Belhoste

Jardins et architecture pittoresque

Bélanger, « jardineur » de la modernité – Monique Mosser

Le jardin du prince de Ligne à Belœil – Nathalie de Harlez de Deulin

Les voyages en Angleterre : sensations sublimes et pittoresques – Sigrid de Jong

Le parc de la Folie Sainte-James – Pierre-Antoine Gatier

Ce que le jardin de Méréville nous dit de Bélanger – Nicole Gouiric

Un hymne à la liberté pour Beaumarchais – Maryline Assante

François-Joseph Bélanger, Projet pour l’entrée du jardin Beaumarchais sur le boulevard Saint-Antoine, vers 1789. Plume, lavis et aquarelle, 20,2 x 33 cm. Paris, BNF.

Une amitié des Lumières : l’architecte et le « botaniste-filosophe » – Nicole Gouiric et Monique Mosser

Chez Monsieur et Madame Bélanger à Santeny – Nadine Villalobos

L’utile et l’agréable au jardin de Monsieur Le Picard – Nadine Villalobos

Équiper la ville

Les projets d’Opéra pour la réunion du Louvre et des Tuileries (1781-1809) – Daniel Rabreau

Le projet de place Louis XVI au Louvre – Alexandre Gady

Bélanger et la scène – Marc-Henri Jordan

François-Joseph Bélanger, Projet du Grand théâtre des Arts ou Temple d’Apollon au Carrousel, vue perspective, 1789. Eau-forte et aquatinte, 28,5 x 49 cm. Paris, BNF

Entretien et sécurité à la Bibliothèque nationale – Pauline Chougnet

Les bains Vigier : rebâtir une carrière au service de l’utilité publique sous le Directoire – Ronan Bouttier

Un sanctuaire pour le dieu Apis : les projets d’abattoirs (1805-1811) – Pauline Chougnet et Pierre Coffy

Approvisionner la ville sous l’Empire : la halle aux vins – Pierre Coffy

L’inlassable essayeur de matériaux – Jean-François Belhoste

La coupole en fonte et fer forgé de la Halle au blé (1809-1813) – Matteo Porrino

Une absence : la commande religieuse – Emmanuelle Bordure

Habiller le mur : les relations entre la tapisserie et la peinture sous la Troisième RépubLIQUE. Le cas des Gobelins (1870-1925)

  • Annonce de soutenance. Mme Zané Purmale soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Dominique Jarrassé, professeur d’histoire de l’art contemporain, le mardi 22 septembre 2020. La soutenance aura lieu à 14h dans la salle des thèses (salle 001) de la Maison de la recherche, université Bordeaux Montaigne, Esplanade des Antilles, Pessac. La soutenance est publique dans la limite de 18 places disponibles et sous condition que la situation sanitaire ne se dégrade pas. Celles et ceux qui souhaitent assister à la soutenance sont priés de contacter au préalable Zané Purmale : zane.purmale@gmail.com

Résumé

Sous la Troisième République, les quatre administrateurs successifs de la manufacture nationale des Gobelins, Alfred Darcel, Édouard Gerspach, Jules Guiffrey et Gustave Geffroy, cherchent à imprimer, chacun à leur manière, un renouveau de la tapisserie. Les trois premiers entendent retrouver la nature décorative de la tapisserie, dont les principes peuvent être redécouverts en étudiant le passé, pour lui donner une vigueur nouvelle dans le présent et l’émanciper de l’influence de la peinture. Le dernier cherche, au contraire, à faire entrer les Gobelins dans la modernité en rapprochant la tapisserie de la peinture contemporaine.

Cette thèse cherche à comprendre, de façon aussi exhaustive que possible, la création artistique à la manufacture des Gobelins pendant cette période, qui se caractérise par une activité extraordinaire. Grâce à l’analyse du contexte intellectuel, elle précise les idées qui ont permis de donner l’impulsion et la direction à ce renouveau en détaillant également les conditions matérielles, institutionnelles et économiques qui permettent d’étudier les moyens dont dispose la manufacture pour réaliser ses missions. Ainsi sont révélés les impératifs imposés par les conditions inhérentes à la technique et à l’organisation du processus créatif impliquant un nombre d’acteurs et de procédures important, ralentissant et rendant contraignante toute démarche. De même, les moyens économiques s’avèrent en totale inadéquation avec les missions de la manufacture. Malgré ces difficultés, les Gobelins jouent un rôle central dans le renouveau de la tapisserie. Abritant une école, un atelier de teinture et un musée au service du perfectionnement technique, tout en bénéficiant de l’érudition de ses administrateurs, la manufacture réunit les éléments nécessaires pour assurer en interne la qualité de son travail. En revanche, en ce qui concerne les cartons, elle dépend entièrement d’artistes extérieurs. Or, la valeur esthétique d’un carton joue une part importante dans la réception de la tapisserie finale : elle fait l’objet de critiques de plus en plus nombreuses, faisant disparaître dans un florilège de reproches les efforts de chacun des administrateurs et les intentions des peintres auxquels ils font appel. Ainsi, la seconde partie de la thèse étudie la politique artistique de chaque administrateur afin de comprendre comment cette dernière se concrétise, et quels en sont les principes directeurs.

Ce travail s’appuie sur un catalogue exhaustif et une iconographie abondante, pour partie inédite, retraçant l’historique des tentures murales en haute lisse et au point noué de Savonnerie (tapisseries, cartons, maquettes et études) et un nombre important de projets non aboutis, dessinant ainsi le panorama le plus complet sur la création à la manufacture des Gobelins dans les années 1870-1925.

Fig. Arachné en train de tisser, détail de la tapisserie Minerve et Arachné d’après Albert Maignan pour la grande galerie du palais de Luxembourg (in situ). Tapisserie de haute lisse (tissage 28 février 1906-30 septembre 1907), Mobilier national, GOB 555. Photo Zané Purmale

Pascal Bertrand, lauréat de la bourse “Getty Rothschild”

Pascal Bertrand, professeur d’histoire de l’art à l’université Bordeaux Montaigne est lauréat de la 4e bourse “Getty Rothschild” (offerte par la Fondation Getty et la Fondation Rothschild), pour mener un projet d’humanités numériques autour des tapisseries de Beauvais.

Pascal  Bertrand travaillera en lien avec la conservatrice du Getty Museum, Charissa Bremer-David, autour des registres de paie et de production de la manufacture de tapisserie de Beauvais au XVIIIe siècle (archives du Mobilier National). Les registres couvrent la production de plus de 2 320 tapisseries. Ils ont été numérisés et sont destinés à devenir une ressource en ligne. Son projet inclut l’indexation et l’étude des registres de production de la manufacture, l’identification des tapisseries conservées dans les musées, mais aussi, dans le cadre de cette bourse, l’étude des tapisseries de Waddesdon Manor (37 pièces) et du musée J. Paul Getty (16 pièces). Cette bourse permettra à Pascal Bertrand d’accéder aux archives des antiquaires et à la collection photographique du Getty Research Institute comme de s’appuyer sur les lexiques du Getty pour la mise en forme des données du projet. Le travail achevé devrait faire progresser de manière significative les connaissances autour de cette manufacture, de sa production, de l’économie préindustrielle et de l’histoire sociale.

Sa nomination est une occasion exceptionnelle d’explorer une source d’archives unique et de repenser l’histoire de la production de tapisseries françaises du XVIIIe siècle.

Pour en savoir plus sur cette bourse…

Cette bourse a été pensée pour soutenir des travaux novateurs en histoire de l’art et permettre au lauréat (historien de l’art, professionnel des musées ou restaurateur) de mener des recherches et d’étudier au Getty de Los Angeles et à Waddesdon Manor, dans le Buckinghamshire (Angleterre). Les boursiers reçoivent également une allocation pendant leur bourse et séjour aux deux endroits, qui n’excède pas huit mois. La bourse est administrée par la Getty Foundation.

Le J. Paul Getty Trust est une institution culturelle et philanthropique internationale dédiée aux arts visuels et regroupant le musée J. Paul Getty, le Getty Research Institute, le Getty Conservation Institute et la Getty Foundation. Les programmes J. Paul Getty Trust et Getty s’adressent à un public varié provenant de deux lieux : le Getty Center à Los Angeles et la Getty Villa à Pacific Palisades.  La Getty Foundation remplit la mission philanthropique du Getty Trust en soutenant des personnes et des institutions déterminées à faire progresser la compréhension et la préservation des arts à Los Angeles et dans le monde entier. Par le biais d’initiatives de subventions stratégiques, la Fondation renforce l’histoire de l’art en tant que discipline mondiale, promeut la pratique interdisciplinaire de la conservation, élargit l’accès aux collections de musées et d’archives. Des informations complémentaires sont disponibles sur :

http://www.getty.edu/foundation<http://www.getty.edu/foundation>

La Fondation Rothschild est une organisation caritative britannique présidée par Lord Rothschild. Elle perpétue la tradition philanthropique de la famille Rothschild, de soutien aux arts et au patrimoine. Outre la gestion du Manoir Waddesdon, l’une des dernières maisons Rothschild du XIXe siècle, la Fondation soutient des initiatives caritatives dans les domaines des arts et du patrimoine, de l’éducation, de l’environnement et du bien-être social. Pour des informations complémentaires, voir  :

http://surwww.rothschildfoundation.org.uk<http://www.rothschildfoundation.org.uk>

Double écran en tapisserie de Beauvais d’après François Boucher (Waddesdon Manor). Voir : https://waddesdon.org.uk/the-collection/item/?id=1319

Waddesdon Manor a été construit par le baron Ferdinand de Rothschild à partir de 1874 pour exposer sa remarquable collection d’art et recevoir ses invités. Il associe les arts décoratifs français du XVIIIe siècle de la plus haute qualité, de magnifiques portraits anglais et des peintures de maîtres anciens hollandais à l’un des plus beaux jardins victoriens de Grande-Bretagne, célèbre pour son parterre et sa volière ornementale. Légué au National Trust en 1957, Waddesdon est géré par la Fondation Rothschild pour le compte du National Trust.

Extrait de the GETTY – a World of Art, Research, Conservation, and Philanthropy Ι Fall 2019 :

Écrire l’histoire de l’art: aux frontières de la discipline

Cette seconde édition de la journée des doctorants et doctorantes du Centre F.-G. Pariset est organisée par Sarah Crépieux-Duytche, Naouel Nessark et Léa Tichit. Elle a pour objectif de mettre en valeur les différentes thématiques des thèses portées au sein du laboratoire. Par des communications et tables rondes seront interrogées les interconnexions et les frontières de nos objets d’étude. Une intervention des membres de l’association transfrontaliers, association de doctorants et docteurs en histoire de l’art fondée en 2018, nous permettra d’appréhender bien des contours de la recherche transnationale.

Elle se tiendra le jeudi 14 novembre 2019, à l’université Bordeaux Montaigne, Odéon de l’Archéopôle.

Pour les modalités pratiques et le programme de cette journée :

Usages européens des matières et des denrées venues d’ailleurs aux XVIIIe et XIXe siècles

Tabatière. Paris, 1781-1783. Laque japonais, or, émail. Paris, musée du Louvre, département des Objets d’art. Legs Philippe Lenoir, 1874

Table ronde organisée dans le cadre des jeudis du MADD, jeudi 10 octobre à 18h

Les Amis du madd et le Centre François-Georges Pariset (EA 538, Université Bordeaux-Montaigne) proposent une table ronde dans le cadre de l’exposition “La passion de la liberté. Des Lumières au romantisme” qui est organisée conjointement par le madd-bordeaux et le musée des Beaux-Arts de Bordeaux, avec la participation exceptionnelle du musée du Louvre.  

La circulation des marchandises et le développement du commerce à l’époque moderne favorisent la création d’objets dédiés et l’apparition de nouveaux usages. Cette thématique sera abordée sous différents angles à l’occasion d’une discussion menée par Sabine du Crest, maître de conférences en histoire de l’art moderne, membre du Centre F.-G. Pariset. Elle réunira Geneviève Lacambre, conservateur général honoraire du patrimoine et spécialiste du japonisme, ainsi qu’Annick Notter, conservateur honoraire du musée d’Art et d’Histoire de la Rochelle.

Pour les modalités pratiques et la préinscription obligatoire, voir :

https://madd-bordeaux.fr/les-jeudis-du-madd

Bacchanales ! Ivresse des arts au XIXe siècle

Ouvrage publié sous la direction d’Adriana Sotropa, maître de conférences en histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne) et Sara Vitacca, docteure en histoire de l’art (université de Paris I).

Ce livre est issu du colloque international adossé à l’exposition Bacchanales modernes ! Le nu, l’ivresse et la danse dans l’art français du XIXe siècle (Palais Fesch-musée des Beaux-Arts d’Ajaccio ; Bordeaux, musée des Beaux-Arts). Sur ces manifestations, qui se sont tenues en 2016, voir : http://www.musba-bordeaux.fr/fr/Bacchanales

Au cours d’un XIXe siècle fortement marqué par la porosité des relations entre les arts, le thème dionysiaque est un témoignage efficace des correspondances constantes entre champs artistiques. La bacchanale pénètre en particulier les mythologies voisines qui s’élaborent autour de l’Orient et de l’Italie. Elle émerge dans un univers idyllique qui célèbre le retour à l’âge d’or, le culte de la fête champêtre et de la pastorale mais qui possède aussi un versant diabolique, dans les scènes de sabbat, de festin ou d’orgie des corps en tumulte. La bacchante côtoie de près l’image de la danseuse, de Salomé, en un mot, de la femme fatale. Simple prétexte iconographique souvent, occasion de dénonciation des tares d’une société bridée parfois, la figure de la bacchante n’a pas fini de livrer ses mystères. Protagoniste d’une mythologie particulière et secrète, ses travestissements sont en partie dévoilés dans les pages qui suivent. L’analogie de la bacchante et de la danseuse, particulièrement heureuse, révèle également le domaine où le dionysiaque trouve son parfait accomplissement à l’époque de la modernité : la danse.

Cette publication cherche à nourrir les réflexions des chercheurs qui s’intéressent au champ du dionysiaque et à sa réception à travers les siècles, mais s’adresse également à ceux et celles qui souhaitent regarder la création dix-neuviémiste sous un nouveau jour. Contournant et détournant les mouvements, les courants et les catégories historiographies traditionnelles, c’est à travers le prisme d’une inspiration commune, puisée dans les poétiques du vin, de l’extase et de la danse, que l’ivresse des arts du XIXe siècle est explorée.

Avant-propos, par Laurence Chesneau-Dupin, directrice de la culture à la Fondation pour la culture et les civilisations du vin – Bordeaux, La Cité du Vin

Préface, par Sophie Barthélémy, directrice du musée des Beaux-Arts de Bordeaux et Sandra Buratti-Hasan, directrice adjointe du musée des Beaux-Arts de Bordeaux

Trajectoires bachiques au XIXe siècle, Adriana Sotropa et Sara Vitacca

Bacchus et son cortège sur les cimaises officielles (1801-1900), Dominique Lobstein, historien de l’art

Nymphes, danses et tambourin : de la bacchanale à la saltarelle ou le monde merveilleux de Camille Corot, Nathalie Michel-Szelechowska, musée du Louvre

Autour de Ferdinand Levillain, Bacchus et la vigne dans les arts décoratifs du XIXe siècle, Michaël Vottero, conservateur des monuments historiques de Bourgogne

Dionysos et la musique dans la peinture de Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Daniela Cataldo, Università del Salento

Danseuses en métamorphoses: les bacchantes de la littérature fin-de-siècle, Valérie Lavigne, université de Nice Sophia-Antipolis

Bacchantes romantiques : réminiscences dionysiaques dans le ballet et ses représentations au XIXe siècle, Bénédicte Jarrasse, Université Paris 3

“En cette chair secouée habite, semble-t-il, toute la fièvre de la trépidante existence moderne”. Vierge folle/Het Zotte Geweld de Rik Wouters (1912), Herwig Todts, conservateur au musée royal des Beaux-Arts d’Anvers

Les bacchanales d’Isadora Duncan : réaliser et déjouer un rêve de danse du XIXe siècle, Katharina Van Dyk, université Paris 8

François Joseph Bélanger (1744-1818). Architecture et société, de l’Ancien Régime à la Restauration

Ce colloque international est organisé par l’association GHAMU et le Centre F.-G. Pariset (EA 538 ; université Bordeaux Montaigne), avec le concours du Centre André Chastel (Sorbonne Université) et de l’HICSA (université – Panthéon-Sorbonne). Il se tiendra à Paris, du 6 au 8 décembre 2018 (voir programme joint infra).

Construire une maison de plaisance en trois mois : ce pari fou – et réussi –  entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode, chef d’orchestre des plaisirs de l’Ancien Régime, qui intéresse depuis longtemps les historiens. Dès 1930, Bélanger bénéficie d’une monographie grâce au travail documentaire minutieux de Jean Stern. Depuis les années 1970, les recherches se poursuivent avec des études plus spécifiques consacrées à son activité au service du prince (M. Constans, Ch. Baulez, J.-J. Gautier, Y. Delaborde, B. Baudez), à ses demeures privées (M. Gallet, P. Étienne, C. Faraggi, G. Joudiou, R. Perry), à son rôle de paysagiste (M. Mosser, K. Woodbridge, J. Barrier) et à ses bâtiments publics (M. Deming). Cette riche historiographie n’épuise pas pour autant le sujet. Parmi les perspectives fructueuses, il convient notamment d’approfondir le travail de l’architecte au quotidien, ses relations avec les dessinateurs et les artisans, ses réseaux et les mécanismes de la commande, ses stratégies de carrière, son éclectisme, sa maîtrise technique ou encore ses écrits sur ses confrères et le soin apporté à la diffusion de son œuvre. Le bicentenaire de la mort de l’architecte offre ainsi l’occasion de revenir sur cette carrière exceptionnelle et de la mettre en perspective à la lumière des travaux récents sur l’architecture dite « néoclassique » qui se poursuit jusqu’à l’Empire et la Restauration.

Thèmes proposés

L’appel à communications s’est organisé autour de quatre thèmes : 

1er thème — Au service des princes

Dessinateur (1767) puis inspecteur des Menus Plaisirs du roi (1775), Bélanger demeure seize ans dans la prestigieuse administration, principalement occupé à la création de décors pour les fêtes publiques et les spectacles de la cour. À partir de 1777, sa carrière prend un nouvel envol en devenant Premier architecte du comte d’Artois. Ce prince prodigue le sollicite pour toutes sortes de projets tels que des palais, une petite maison, un jeu de paume, des écuries, des embellissements intérieurs ou encore la création d’un nouveau quartier. Mais la Révolution sonne le glas des ambitions architecturales du prince et de son architecte. Ce dernier ne retrouvera les faveurs de la cour qu’en 1814 à la Restauration : revenu aux Menus Plaisirs, il termine sa carrière comme il l’avait commencée ! Entre-temps l’architecte a fait évoluer son art et l’on s’interrogera sur sa manière de servir le pouvoir, d’un frère à l’autre et d’un siècle à l’autre, entre agrément et décorum.

2e thème — Habitat et décor à la mode

L’architecture domestique constitue une part essentielle de l’activité de Bélanger avec une trentaine de chantiers parmi lesquels deux édifices devenus des symboles de l’art de vivre sous l’Ancien Régime : Bagatelle et la folie Sainte-James. Le colloque sera l’occasion de revenir sur ces chantiers exceptionnels mais aussi de mieux connaitre ses autres demeures notamment celles construites dans les années 1785-1800. Il conviendra également d’approfondir son rôle de décorateur d’intérieur, son intérêt pour le mobilier, les marbres et le papier peint. Enfin, on pourra examiner le répertoire de l’architecte qui, après le renouveau classique des années 1760, témoigne d’un impérieux besoin de variété en convoquant tour à tour l’Antiquité romaine, le dorique sans base de Paestum, la serlienne de Palladio, l’arc brisé gothique, le revêtement brique et pierre ou encore, dans les intérieurs, l’exotisme, les arabesques de Raphaël et d’Herculanum.

3e thème — Jardins et architecture pittoresque

Parmi les chantiers qui ont assuré la notoriété de Bélanger, les jardins occupent une place toute particulière. Il est en effet l’un des plus importants promoteurs du jardin anglo-chinois en France. Apprécié pour l’inventivité de ses fabriques, le luxe de leur conception, l’architecte s’adresse aux élites anglomanes alors que ses trois voyages outre-Manche (1774, 1778 et 1780) lui ont assuré une connaissance fine des jardins et un solide réseau amical chez les architectes anglais. Il conviendra d’étudier les jardins de Bélanger – Bagatelle (1777), la folie Sainte-James (1778), le parc de Méréville (1785-1786), le jardin de l’hôtel de Beaumarchais (1788) – dans ce rapport à l’Angleterre comme des créations affranchies de la tradition française du jardin régulier et nourries d’un imaginaire de fantaisie pour une clientèle en quête de nouveauté et d’exotisme

4e thème — Équiper la ville

Sous l’Empire, Bélanger consacre davantage de temps à l’architecture publique. En 1808, pour la Halle au blé, il innove avec la construction d’une gigantesque coupole en fer, recouverte de feuilles de cuivre. Mais à côté de ce célèbre exemple, d’autres bâtiments (réalisés ou non) tels les bains Vigier (1802), l’Opéra au Carrousel (1802), le réaménagement de Bruxelles (1804), la halle aux vins et les abattoirs de Rochechouart (1808) mériteraient d’être mis en lumière. Autant de projets variés témoignant d’une certaine vision de la ville moderne et qui conduisent à interroger les enjeux d’un renouveau – tant programmatique qu’esthétique – au début du XIXe siècle.

Comité scientifique

Janine Barrier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexandre Gady (Sorbonne Université) ; Jean-Philippe Garric (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexia Lebeurre (Université Bordeaux Montaigne) ; Christophe Loir (Université libre de Bruxelles) ; Werner Oechslin (Polytechnique de Zürich) ; Claire Ollagnier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Monique Mosser (CNRS, Centre André Chastel) ; Eduardo Piccoli (Politecnico de Turin) ; Daniel Rabreau (université Panthéon-Sorbonne) ; José Luis Sancho (Patrimonio Nacional de Madrid) ; Létizia Tedeschi (Archivio del Moderno, Mendrisio) ; Richard Wittman (University of California Santa Barbara)


Charline Coupeau, La métaphysique du bijou. Objets d’histoire, parure du corps et matériau de l’oeuvre d’art au XIXe siècle

Mme Charline Coupeau a soutenu avec succès, le 26 juin 2018, sa thèse de doctorat, menée sous la direction de M. Pascal Bertrand. Le jury était composé de M. Pascal Bertrand, professeur des universités (Bordeaux Montaigne), Mme Catherine Cardinal, professeur des universités (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Guillaume Glorieux, professeur des universités (université de Haute Bretagne, Rennes 2), M. Jean-François Luneau, maître de conférences HDR (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Patrick Wald Lasowski, professeur des universités (université Paris 8 université Vincennes).

Résumé de la thèse

Au commencement, il y a cet écrin familial, ce petit coffret de bois recouvert de maroquin brun à cornières ajourées en laiton argenté dont l’intérieur est capitonné d’un joli tissu de satin bleu. Que renferme-t-il ? Un plastron d’inspiration berbère en argent, une petite bourse type aumônière en cotte de maille, un bracelet jonc émaillé, de grosses boucles d’oreilles croissant de lune en métal argenté parsemé de strass rouge de cristaux de Swarovski, une broche en or et faux brillants, des pendants de style art déco pavés de fausses turquoises, une petite croix en or jaune à la jeannette, un bracelet en or jaune en maille milanaise et fermoir à cliquet, un sautoir de perles de verre. Il y a ces nombreux après-midis à les sortir de leur précieuse cassette pour les essayer. Ces après-midis où objets de prêts, ces bijoux sont les compagnons de moult aventures de princesses. De ce coffret est née une curiosité, une fascination qui a été le leitmotiv de nos études. C’est cette petite « madeleine de Proust » qui nous a poussé à entamer une recherche sur la bijouterie. Réouvrons donc ce vieil écrin et découvrons ensemble les mots du bijou, son vocabulaire foisonnant, et ses expressions les plus brillantes.

Pierres et métaux précieux, foyers de tous les désirs et de tous les mystères forment des spécimens singuliers, énigmatiques et emblématiques d’une époque, d’un temps donné. Objet d’une vive émulation dans la sphère muséale, le bijou abonde aujourd’hui dans de nombreux ouvrages. L’engouement actuel qui l’impose comme un terrain artistique reconnu nous amène à repenser son intrigue, son lexique et sa poétique Cette thèse se propose donc d’étudier les pièces de bijouterie-joaillerie du XIXe siècle en France en y apportant un nouvel éclairage. En effet, le bijou de cette période, fortement connoté, possède une signification esthétique, sociale, géographique, politique, économique et culturelle qui lui semble propre. On a souvent pensé que le bijou était un objet vain, que sa fonction n’est autre qu’agrémenter la personne qui le porte, d’embellir de façon factice son apparence, voire marquer son appartenance sociale. Mais c’est une illusion superficielle car le bijou comme le souligne si bien l’historien de l’art Gustave Soulier (1872-1937) dans la préface de René Beauclair relève d’un « tour d’imagination spécial ». Si le mot « bijou » dont les origines sont multiples, éveille en nous, l’idée première d’une chose précieuse autant pour sa finesse et la recherche du travail que pour la valeur des matières employées, il est dès à présent juste de noter que le bijou s’exprime, qu’il signifie le temps. Pour aller plus loin, le joyau à l’origine forme naturelle, est transformé en artefact culturel et à ce juste titre, il donne une vue d’une époque : « Montrez-moi les bijoux d’une nation et je vous dirai ce qu’elle est ! ». Il existe donc entre le Bijou et le monde qui l’entoure et le crée, une interaction. C’est cette interaction créatrice qui est au centre de notre réflexion.

Élément essentiel de notre culture matérielle, véritable phénomène d’esthétique social, fait d’embellissement, de contemplation et de joie sensuelle, Le bijou tout comme son compère le vêtement, appartient à un regroupement interdisciplinaire. Nous le verrons, la bijouterie est un art complexe qu’il ne faut pas penser comme une entité cloisonnée. C’est pourquoi nous envisageons, d’établir un lien avec les autres arts. Dans ce dialogue entre différentes disciplines, dans ce « paragone » comparable à celui développé il y a six siècles de cela par Giorgio Vasari, le bijou est conçu comme un message et interroge la notion d’un langage de l’art, un langage du bijou. Parlez-vous bijoux ? Que nous disent-ils ? Face à cet aveu, de nouvelles possibilités d’exploitation s’offrent à nous. Certes la conception de la bijouterie en tant que langage ne paraît pas forcément aller de soi. Pourtant la voir sous cet angle permet, nous le pensons de sortir des problèmes dû à son propre domaine. Penser le bijou comme une langue en accord avec les recherches de Ferdinand de Saussure permet d’ouvrir le discours sur l’expression d’un signifiant et d’un signifié qui au sein de notre étude sont indissociables. À l’instar de la démarche proposée par Boris de Schloezer, ne peut-on pas décider puisque le contenu est immanent à la forme de souligner que la bijouterie n’a pas un sens mais est un sens ?

Si on s’obstine à penser le bijou dans cette optique, comme langue, ce dernier doit toutefois être pensé au sens large du terme, c’est-à-dire comme une sorte de condensé du concept de culture… comme une ontologie. Les écrits associés et la somme de sources iconographiques mettent justement en scène une vision et parfois même des tensions qui nous semblent extrêmement pertinentes pour aborder l’ontologie du bijou. Il s’agira de ne pas nous cantonner à notre discipline qu’est l’histoire de l’art même si le sujet abordé ici y puise sa principale source. Nous nous allierons donc à des méthodes de comparaison visibles en anthropologie, ethnologie et psychologie de l’art. Ce croisement méthodologique nourrit une aventure intellectuelle où l’histoire de l’art et les autres disciplines doivent s’associer dans une démarche conjointe. Il permet également d’accéder à une meilleure lecture des œuvres d’art et des modes de figuration. Tout en répondant aux nouvelles interrogations essentielles qui inspirent le XIXe siècle, qui le problématisent et le métamorphosent dans son discours scientifique, nous attirerons donc le regard de notre lecteur sur une amorce ontologique de la bijouterie. Avec cette méthodologie, qui n’est certes pas la plus habituelle mais qui reste cependant inédite, nous chercherons à nous inscrire dans la même démarche que celle développée par Michel Pastoureau pour la couleur, Alfred Gell pour l’objet d’art et récemment Philippe Descola. Le but de ce travail de recherche est donc de percevoir les bijoux du XIXe siècle comme des signes indiciels dotés d’une capacité à agir, d’une agence, une façon de donner du sens, un indice pour découvrir le monde.

Une ontologie au sens où l’on voudrait l’aborder, est une façon d’être au monde, permettant une meilleure compréhension de celui-ci. Elle nous éclaire sur la perception et la conception du monde, des images et des objets qui nous entourent. Mais outre la notion d’ontologie qui encore aujourd’hui fait couler beaucoup d’encre dans les milieux philosophiques, c’est la question de l’art et de l’œuvre d’art qui est étroitement soulignée ici. Bien que le concept d’œuvre d’art suscite une polémique, il est certain qu’avec la reconnaissance des arts mineurs et plus précisément des arts décoratifs à la fin du XIXe siècle, les productions bijoutières doivent donc être reconnues comme telles. Plus qu’au discours sur la bijouterie ce sont ici des réflexions sur notre rapport esthétique à l’art, sur les bijoux en tant qu’œuvre d’art, en tant qu’image, en tant que langage qui seront suggérées.

Le bijou, considéré comme une image à part entière, comme une langue est donc un stimulateur. Il active la vue, l’un de nos sens les plus à même de provoquer dans notre esprit des réactions comme l’amour, la peur ou encore la jalousie. Il parle à la pensée. Dans cette même optique, nous pouvons ainsi sonder nos rapports à l’objet, au bijou. Nous parle-t-il ? Est-il une quête d’identité ? En quoi est-il une œuvre d’art ? À ces questionnements s’ajoutent ceux tirés des enseignements de Thomas Golsenne, et de l’anthropologue britannique Alfred Gell. Comment agit le bijou ? Quels pouvoirs attribuons, octroyons-nous à cet objet ? Nous essayons de montrer que le travail de l’historien de l’art peut consister en autre chose qu’un simple décryptage de la signification, que nous pouvons dépasser l’iconologie. Le discours élaboré par plusieurs chercheurs en anthropologie sur l’approche des objets, des images et de leur intentionnalité propose une démarche inédite que nous avons trouvée juste de rapprocher du propos de la bijouterie.

Tout en répondant aux nouvelles interrogations qui animent ce XIXe siècle, nous incitons à percevoir les bijoux comme une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension. En véritable archéologue, saisissant notre plume comme une truelle, nous tenterons d’exhumer au cours de ce travail de recherche le labyrinthe technique et idéologique qui gouverne les productions bijoutières du XIXe siècle. Nous souhaitons insister sur la multitude de leurs fonctions et les appréhender comme objet à caractère polysémique et plurifonctionnel. Des articulations et des paramètres qui permettent de définir le bijou par ce que fait l’homme vivant en société. L’homme crée le bijou et le bijou crée l’homme en retour. Si notre approche pourra paraître pour certains, approximative, elle a le mérite de faire vivre le discours sur la bijouterie du XIXe siècle et par prolongement celui des arts décoratifs en apportant donc un renouvellement de la lecture des bijoux, les plaçant comme une étude du monde qui nous entoure. Par l’intermédiaire du bijou, un univers s’éclaire, une nouvelle conception. Grâce à l’éclat scintillant des diamants, une meilleure compréhension d’une époque est mise en lumière.

Arachné

Vient de paraître chez les Esthétiques du divers Arachné : Histoire de l’histoire de la tapisserie et des arts décoratifs qui réunit sous la direction de Pascal-François Bertrand divers essais qui portent un regard nouveau sur l’histoire de l’histoire de la tapisserie.

La tapisserie a longtemps été étroitement liée à la peinture, puis à l’architecture. Elle est aujourd’hui rangée parmi les arts décoratifs qui constituent une des quatre catégories d’arts, la plus récente puisqu’elle a ainsi été désignée au cours du XIXe siècle, les trois autres plus anciennes, la peinture, la sculpture et l’architecture, composant ce qu’il est convenu d’appeler les beaux-arts. Les arts décoratifs sont définis par trois qualités : 1) leur capacité à orner, à décorer ; 2) leur fonctionnalité, les arts décoratifs sont utiles ; 3) leur caractère multiple, ce qui renvoie à la notion de reproductibilité. Ils sont généralement étudiés selon trois principes directeurs : la fonction, la technique et le style. Cet ouvrage a pour objet d’analyser la façon dont les notions fondamentales que sous-tend l’art de la tapisserie ont été utilisées dans l’écriture de l’histoire et d’étudier les conditions de l’élaboration de cette histoire, tant d’un point de vue historique, qu’institutionnel, philosophique et idéologique. Cela nécessite de replacer cette histoire au sein de l’histoire des arts décoratifs et celle-ci à l’intérieur de l’histoire de l’art. Il résulte essentiellement des travaux d’un séminaire tenu dans le cadre d’un programme de recherche en sciences humaines et sociales : « Arachné ».