Archives de catégorie : Soutenances de thèse

D’Hector à Francus. Les représentations des histoires troyennes en France à la Renaissance

Soutenance de thèse. Madame Marta Francia soutiendra sa thèse de doctorat d’histoire de l’art moderne, D’Hector à Francus. Les représentations des histoires troyennes en France à la Renaissance, le 5 mai 2023 à 14h00 dans la salle des thèses de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Cette thèse en co-direction (université Bordeaux Montaigne et université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) a été menée sous la direction de Pascal Bertrand (professeur d’histoire de l’art moderne (université Bordeaux Montaigne) et de Luisa Capodieci, maître de conférences HDR (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne).

Le jury est composé de Pascal Bertrand, Luisa Capodieci, Sonia Cavicchioli, professeure associée d’histoire de l’art moderne (università di Bologna), Estelle Leutrat, maître de conférences HDR d’histoire de l’art moderne (université Rennes 2), Bruno Petey-Girard, professeur de littérature française – XVIe-XVIIe siècles (université de Paris-Est Créteil) et Philippe Sénéchal, professeur d’histoire de l’art moderne (université de Picardie Jules Verne).

Jean Cousin le Fils (?), Le sacrifice de Polyxène, v. 1560, New York, coll. part.

La place et les modalités des représentations du cycle troyen en France à la Renaissance sont mises en lumière à travers l’analyse d’œuvres d’art réalisées sur des supports variés ainsi qu’éphémères. Le mythe troyen survit et se transforme pendant les époques médiévale et renaissante en faisant l’objet de plusieurs réécritures, surtout à caractère historiographique, donnant ainsi lieu à de nombreuses variations figuratives. Le traitement du large corpus passe par l’examen des différentes traditions interprétatives reliées aux épisodes et aux personnages de la guerre de Troie afin d’en déceler les significations et les enjeux symboliques. Les examens iconographiques et iconologiques des images révèlent les points de continuité avec l’Antiquité via la persistance de certaines notions, telles que l’harmonie et la concorde représentées par les noces de Thétis et Pélée, ou le concept de « belle mort » insufflé dans les morts héroïques. Mais l’imagerie troyenne est influencée aussi par les relectures herméneutiques, morales et philosophiques plus tardives de la légende. De plus, les illustrations de la cour de Priam et les scènes de batailles entre Grecs et Troyens évoquent la réalité historique contemporaine d’un royaume déchiré par les campagnes d’Italie et par les guerres de religion. Dans ce sens, la tendance la plus significative de l’époque s’inscrit dans un processus européen de consolidation et de légitimation nationale, où chaque pays et ses monarques se rattachent aux rescapés troyens. Ainsi, l’essor de ces représentations en France reflète la réappropriation identitaire du récit en tant que mythe de fondation et dynastique.

Lecture historique et architecturale des édifices religieux d’Alger de la période coloniale

Alger, basilique Notre-Dame-d’Afrique

Madame Naouel Nessark soutiendra sa thèse de doctorat d’histoire de l’art contemporain, Lecture historique et architecturale des édifices religieux d’Alger de la période coloniale, le 6 mars 2023, à la salle de conférences de l’université de Biskra. Cette thèse en co-tutelle (université Bordeaux Montaigne et université Mohamed Khider, Biskra) a été menée sous la direction de Dominique Jarrassé, professeur émérite d’histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne), et la codirection de Mohammed Dahli, maître de conférences à l’université Mouloud Mammeri (Tizi Ouzou).

Le jury est composé de Dominique Jarrassé, Mohammed Dahli, Abdella Ferhi, professeur en architecture (université Mohamed Khider, Biskra), Nabila Oulebsir, maître de conférences HDR en histoire de l’art contemporain (université de Poitiers), Simon Texier, professeur d’histoire de l’art contemporain (université de Picardie Jules-Verne, Amiens), Noureddine Zemmouri, professeur en architecture (université Mohamed Khider, Biskra).

Cette thèse porte sur les édifices religieux de la période coloniale à Alger, legs peu exploré en dépit de son indéniable intérêt scientifique. Elle s’interroge sur les modes de transfert des savoirs et des modèles entre la métropole et la colonie, ainsi que sur le rôle joué par ces édifices dans la diffusion et l’émergence de certaines tendances et courants architecturaux de l’époque. Dégager les étapes clés de leur évolution formelle et stylistique permettra indubitablement de les replacer dans la chronologie de l’histoire de l’architecture coloniale à Alger. Le travail propose  une lecture analytique sans a priori relatif à leur histoire. Outre leur intérêt pour l’histoire de l’architecture religieuse, ces édifices reflètent également tous les changements sociaux qu’a traversé l’Algérie indépendante.  Cette thèse entend enfin contribuer à une meilleure conservation et une reconnaissance patrimoniale de cet héritage.

 

Les Masfayon. Une famille de marchands tapissiers et de tapissiers d’Aubusson sous l’Ancien Régime : ses ateliers, ses stratégies, ses réseaux, ses productions

Monsieur Michel Masfayon soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Pascal Bertrand,  professeur d’histoire de l’art moderne, le jeudi 27 janvier 2022 à 14h00, salle des thèses de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

La perte d’Aman, Aubusson, début XVIIIe siècle, mairie de Luzy (Nièvre)

Après des débuts relativement obscurs, la production de tapisserie à Aubusson a connu un véritable essor du milieu du XVIe à la fin du XVIIIe siècle. Il a été choisi d’illustrer ces quelques deux siècles de création et de commercialisation au travers des activités d’une famille de tapissiers et de marchands tapissiers de cette ville, les Masfayon.

Cette famille ne compte pas parmi les plus connues et les plus célèbres d’Aubusson, bien que quelques-uns de ses membres aient été cités dans les ouvrages de référence sur le sujet. Des recherches plus approfondies ont cependant permis de révéler l’existence dans cette période d’au moins trois Audoin, deux Claude, cinq Étienne, cinq François, deux Gabriel, quatre Gilbert, trois Guillaume, six Jacques, pas moins de dix-sept Jean, trois Léonard, trois Louis et trois Michel, sans oublier dix Pierre Masfayon. Ils ont pour la plupart d’entre eux travaillé activement au tissage ou au négoce de la tapisserie.

Les archives ont livré des documents permettant d’aborder la manière dont plusieurs de ces Masfayon ont été formés « audit art de tapissier », dont ils ont organisé leur atelier, conclu des alliances familiales ou professionnelles et constitué des réseaux, alors que d’autres quittaient Aubusson pour tenter d’élargir leur champ d’action, certains allant jusqu’à commercer à Paris ou dans différentes parties du royaume, en lien avec des marchands connus.

Cette démarche a ainsi exploré de manière très concrète et détaillée, des années 1580 aux années 1780, bon nombre des stratégies mises au point par les producteurs et les négociants de tapisseries d’Aubusson. Reposant sur un tissu d’ateliers essentiellement familiaux, le modèle économique qu’ils ont développé leur a permis de dépasser le cadre, de prime abord relativement peu propice, d’une ville de taille modeste, relativement éloignée des grands centres d’habitation et de commercialisation, pour atteindre une réputation qui a même franchi les frontières du royaume.

Cette étude n’aurait pas été complète si le résultat de tous ces efforts n’avait pas également été rapidement évoqué. À partir de l’exemple de tentures relatant l’Histoire de Joseph ou l’Histoire d’Esther, ainsi que quelques autres ensembles, il a été possible de se faire une idée, malgré la perte de leur traces, de ce qu’avaient pu être certaines des tapisseries commercialisées par les Masfayon, et même de tenter de proposer une typologie de ces œuvres.

 

Arsène Alexandre (1859 – 1937). Critique et écrivain d’art, collectionneur et fonctionnaire des beaux-arts

Mme Hélène Fernandez soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par Mme Catherine Chevillot, conservateur général du patrimoine (École du Louvre), et M. Dominique Jarrassé, professeur émérite d’histoire de l’art contemporain, le mercredi 15 décembre 2021 à 14h00, salle des thèses de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Jacques-Émile Blanche,
Mr. Arsène Alexandre, s.d., huile sur toile, 61, 9 x 50, 5 cm. Fine Arts Museums, San Francisco (don de Alma de Bretteville Spreckels en 1951)

Critique d’art célèbre et renommé en son temps, Arsène Alexandre est aujourd’hui une figure aussi oubliée du grand public que familière aux historiens et amateurs d’art du tournant des XIXe et XXe siècles. Pourtant, à l’omniprésence de son nom dans la littérature consacrée à l’impressionnisme, au postimpressionnisme, à Rodin, à Toulouse-Lautrec ou encore aux Nabis, répond un certain silence critique que cette thèse entend questionner.

Sa réputation de critique réactionnaire détracteur des avant-gardes du début XXe siècle, son statut de critique professionnel, titre méprisé que lui-même a significativement rejeté pour se présenter en journaliste et en « historien des artistes », enfin sa prédilection pour la presse quotidienne et les canaux de diffusion « grand public », ne sont pas étrangers à sa trouble postérité. Non plus que son culte de l’art, salué ou raillé par les contemporains et indissociable de son culte de la nation. Aller au-devant des idées reçues, faire face à une production journalistique abyssale jamais réunie en recueil, en un mot, exhumer l’œuvre foisonnant d’un acteur important de la vie artistique de l’époque afin de le situer à sa juste place, tels sont les enjeux de cette étude.

Albert Guillaume, L’Apothéose de M. Rodin, parue dans Le Matin, 23 juillet 1899, p. 4

Entre presse et fonctions officielles, la première partie entend restituer la trajectoire professionnelle et intellectuelle d’Alexandre en examinant ses combats esthétiques à la lumière de ses réseaux de sociabilité, de sa position dans le champ de la critique et de son activité de collectionneur. Elle esquisse l’itinéraire d’un républicain et patriote ardent, d’un journaliste cramponné à son idéal d’homme de lettres engagé, d’un justicier de l’art et des artistes pour qui critique d’art rime avec sacerdoce. Centrée sur son œuvre journalistique et la question peu étudiée de la critique d’art journalière, la deuxième partie examine les tendances du discours sur l’art dans la presse quotidienne, le rôle du chroniqueur artistique et tente une typologie formelle des textes, à partir des collaborations d’Alexandre au Paris, à L’Éclair, au Figaro et à Comoedia. Puissant instrument de critique sociale et morale de l’art, support d’un discours fortement idéologisé, le journal est une machine médiatique qui façonne réputations et représentations. Il est en cela une pièce maîtresse du système d’activités d’Alexandre comme collaborateur des artistes et vulgarisateur de l’histoire de l’art, les deux pôles dominants d’un œuvre tourné vers le plus grand nombre, auxquels est consacrée la troisième partie.

Abstract

Famous and renowned art critic in his time, Arsène Alexandre is today a figure as forgotten by the general public as he is familiar to art historians and amateurs of the turn of the 19th and 20th centuries. However, to the omnipresence of his name in the literature devoted to Impressionism, Post-Impressionism, Rodin, Toulouse-Lautrec and the Nabis corresponds a paradoxical critical silence that this thesis intends to question.

His reputation as a reactionary critic and detractor of the avant-garde of the early 20th century, his status as a professional critic, a despised title that he himself significantly rejected preferring to present himself as a journalist and “historian of artists”, and finally his predilection for the daily press and the general public channels of diffusion, are not unrelated to his troubled posterity. Not more than his cult of art, greeted or mocked by the contemporaries and indissociable of his cult of nation. The stakes of this study is to face the received ideas and an abysmal journalistic production never gathered in a collection, in a word, to exhume the abundant works of an important actor of the artistic life of the time in order to place him in his rightful place.

Between press and official functions, the first part intends to restore the professional and intellectual trajectory of Alexandre by examining his aesthetic struggles in the light of his sociability networks, his position in the field of criticism and his activity as a collector. It outlines the itinerary of an ardent republican and patriot, of a journalist clinging to his ideal of a committed man of letters, of a defender of art and artists for whom art criticism rhymes with priesthood. Focusing on his journalistic work and the little-studied question of daily art criticism, the second part examines the specificities of the discourse on art in the daily press, the role of the art journalist, and attempts a formal typology of texts, based on Alexandre’s collaborations with the Paris, L’Éclair, Le Figaro and Comoedia newspapers. Powerful instrument of social and moral art criticism, support of a strongly ideologized speech, the newspaper is a media machine which shapes reputations and representations. That is why it is a masterpiece of the system of activities of Alexandre as a collaborator of the artists and as a popularizer of art history, the two dominant poles of a works turned to the greatest number of people, to which is devoted the third part.

 

Habiller le mur : les relations entre la tapisserie et la peinture sous la Troisième RépubLIQUE. Le cas des Gobelins (1870-1925)

  • Annonce de soutenance. Mme Zané Purmale soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Dominique Jarrassé, professeur d’histoire de l’art contemporain, le mardi 22 septembre 2020. La soutenance aura lieu à 14h dans la salle des thèses (salle 001) de la Maison de la recherche, université Bordeaux Montaigne, Esplanade des Antilles, Pessac. La soutenance est publique dans la limite de 18 places disponibles et sous condition que la situation sanitaire ne se dégrade pas. Celles et ceux qui souhaitent assister à la soutenance sont priés de contacter au préalable Zané Purmale : zane.purmale@gmail.com

Résumé

Sous la Troisième République, les quatre administrateurs successifs de la manufacture nationale des Gobelins, Alfred Darcel, Édouard Gerspach, Jules Guiffrey et Gustave Geffroy, cherchent à imprimer, chacun à leur manière, un renouveau de la tapisserie. Les trois premiers entendent retrouver la nature décorative de la tapisserie, dont les principes peuvent être redécouverts en étudiant le passé, pour lui donner une vigueur nouvelle dans le présent et l’émanciper de l’influence de la peinture. Le dernier cherche, au contraire, à faire entrer les Gobelins dans la modernité en rapprochant la tapisserie de la peinture contemporaine.

Cette thèse cherche à comprendre, de façon aussi exhaustive que possible, la création artistique à la manufacture des Gobelins pendant cette période, qui se caractérise par une activité extraordinaire. Grâce à l’analyse du contexte intellectuel, elle précise les idées qui ont permis de donner l’impulsion et la direction à ce renouveau en détaillant également les conditions matérielles, institutionnelles et économiques qui permettent d’étudier les moyens dont dispose la manufacture pour réaliser ses missions. Ainsi sont révélés les impératifs imposés par les conditions inhérentes à la technique et à l’organisation du processus créatif impliquant un nombre d’acteurs et de procédures important, ralentissant et rendant contraignante toute démarche. De même, les moyens économiques s’avèrent en totale inadéquation avec les missions de la manufacture. Malgré ces difficultés, les Gobelins jouent un rôle central dans le renouveau de la tapisserie. Abritant une école, un atelier de teinture et un musée au service du perfectionnement technique, tout en bénéficiant de l’érudition de ses administrateurs, la manufacture réunit les éléments nécessaires pour assurer en interne la qualité de son travail. En revanche, en ce qui concerne les cartons, elle dépend entièrement d’artistes extérieurs. Or, la valeur esthétique d’un carton joue une part importante dans la réception de la tapisserie finale : elle fait l’objet de critiques de plus en plus nombreuses, faisant disparaître dans un florilège de reproches les efforts de chacun des administrateurs et les intentions des peintres auxquels ils font appel. Ainsi, la seconde partie de la thèse étudie la politique artistique de chaque administrateur afin de comprendre comment cette dernière se concrétise, et quels en sont les principes directeurs.

Ce travail s’appuie sur un catalogue exhaustif et une iconographie abondante, pour partie inédite, retraçant l’historique des tentures murales en haute lisse et au point noué de Savonnerie (tapisseries, cartons, maquettes et études) et un nombre important de projets non aboutis, dessinant ainsi le panorama le plus complet sur la création à la manufacture des Gobelins dans les années 1870-1925.

Fig. Arachné en train de tisser, détail de la tapisserie Minerve et Arachné d’après Albert Maignan pour la grande galerie du palais de Luxembourg (in situ). Tapisserie de haute lisse (tissage 28 février 1906-30 septembre 1907), Mobilier national, GOB 555. Photo Zané Purmale

Archives d’architectes en France. 1968-1998. Jeux d’acteurs et enjeux historiographiques autour de l’Institut français d’architecture

Nina Mansion soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Gilles Ragot, professeur d’histoire de l’art contemporain, le jeudi 28 novembre 2019, dans la salle des thèses (salle 001) de la Maison de la recherche (université de Bordeaux Montaigne, Esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Cette thèse analyse les jalons de la fabrication d’une politique publique et nationale de conservation et de valorisation des archives d’architectes en France dans le dernier quart du XXe siècle, ainsi que ses effets sur l’histoire de l’architecture française contemporaine. En parcourant une période qui s’étend de la fin des années 1960 au début des années 2000, ce travail met en exergue le rôle d’une institution : l’Institut français d’architecture.

“Impression d’artiste de la salle de consultation et de conservation des Archives d’architecture du XXe siècle”, dessin de Jean-Philippe Garric (1987), repr. dans la plaquette de présentation du Centre d’archives d’architecture du XXe siècle de l’IFA (1988)

 

Il s’agit d’examiner, d’une part, les modalités d’émergence et d’institutionnalisation des structures chargées de la collecte et de la valorisation des archives d’architectes sur le territoire national en restituant les « jeux d’acteurs » – c’est-à-dire à la fois les enjeux de concurrence institutionnelle, les jalons du débat programmatique et les trajectoires individuelles – et, d’autre part, d’interroger, par le biais la question des archives d’architectes, la construction de la discipline historique en architecture. En dressant le portrait d’un milieu, l’étude questionne l’autonomie d’un champ disciplinaire partagé entre des lieux d’enseignement isolés et divisé entre des ambitions divergentes. En examinant les évolutions de la collecte et de ses modalités de valorisation à travers les publications et expositions, l’étude établit la place de l’IFA et de son Centre d’archives d’architecture du XXe siècle dans la fabrication de l’histoire de l’architecture récente en France.

À travers l’analyse croisée de sources écrites et de sources orales, ce travail propose de considérer trois périodes (1968-1980 ; 1980-1988 ; 1988-1998) au cours desquelles l’élaboration d’une politique de conservation des archives des architectes a défini un cadre institutionnel, méthodologique et épistémologique grâce auquel l’histoire de l’architecture a pu entreprendre sa rénovation. Outre les dynamiques institutionnelles, administratives et politiques, la thèse souligne le rôle de quelques personnalités pionnières (André Chastel, Maurice Culot, Bruno Foucart, etc.) qui ont façonné l’histoire de l’architecture française contemporaine telle que nous la connaissons aujourd’hui.

Abstract

This thesis analyses the milestones of the development of a public and national policy for the conservation of the archives of architects in France in the last quarter of the 20th century and its effects on the history of contemporary French architecture. Covering a period from the late 1960s to the early 2000s, this work highlights the role of an institution: the Institut français d’architecture.

On the one hand, the thesis analyses the modalities of emergence and institutionalization of structures in charge of collecting architectural archives in France by looking into the challenges of institutional competition, the stakes of the programmatic debate and the individual trajectories. On the other hand, through the question of the archives of architects, this work questions the construction of the historical discipline in architecture. By drawing the portrait of a milieu, the study questions the autonomy of a disciplinary field divided between different educational institutions and between divergent ambitions. By examining the evolution of its collection and the way history was written through publications and exhibitions, the study establishes the place of the IFA and its Centre d’archives d’architecture du XXe siècle in the production of the history of recent architecture in France.

Through the cross-referenced analysis of written and oral sources, this work proposes to consider three periods (1968-1980; 1980-1988; 1988-1998) during which the development of a policy for the conservation of the archives of architects defined an institutional, methodological and epistemological framework which renovated the way architectural history was made, taught and written. In addition to the institutional, administrative and political dynamics, the thesis highlights the role of pioneering personalities (André Chastel, Maurice Culot, Bruno Foucart, etc.) who have shaped contemporary architectural French history as we know it today.

« Sans Bacchus et Vénus, la Galerie se refroidit » : dispositif libérant le programme de l’intégralité du décor de la Galerie du Roi de Fontainebleau

Mme Christine de Léotard-Sommer soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Pascal Bertrand, professeur d’histoire de l’art moderne, le 11 janvier à 14 h., dans la salle des thèses (001) de la Maison de recherche (UBM, Esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Le jury est composé de MM. Pascal Bertrand, professeur des universités (Université Bordeaux Montaigne), Guillaume Cassegrain, professeur des universités (université Grenoble Alpes), Vincent Droguet, conservateur en chef du patrimoine, Guy-Michel Leproux, directeur d’études à l’École pratique des hautes études, Philippe Morel, professeur des universités (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne), Stéphane Toussaint, directeur de recherche, Institut européen en sciences des religions.

Présentation de la thèse

Conçu et réalisé entre 1531 et 1539 et composé de seize unités peintes aux encadrements surprenants, le décor originel de la Galerie du Roi de Fontainebleau organise deux réceptions distinctes selon ses spectateurs, l’une matérielle et sensible pour les spectateurs-visiteurs, celle d’un espace au revêtement à la fois somptueux, chaleureux par ses boiseries, et étourdissant par ses encadrements stuqués remplis d’une exubérance joyeuse ; l’autre éminemment discursive et cryptée, exclusivement réservée aux princes Valois-Angoulême, grâce à un dispositif qui prévoit la participation de ces destinataires princiers à des usages inédits des peintures et des encadrements pour leur communiquer le très vaste programme du « miroir du prince » de leur nouvelle dynastie.

Ce dispositif construit ce programme en termes de vérité chrétienne en exploitant le célèbre verset de saint Paul (1èreCor, XIII, 12) – « Nous voyons maintenant à travers un miroir en énigme, mais alors ce sera face à face. À présent, je connais de façon partielle, mais alors je connaîtrai comme je suis connu », dont les théologiens médiévaux ont tiré deux traditions spéculatives : l’approche de la vérité de la Parole divine par la « lecture à plus haut sens », et l’approche de la vérité de la connaissance du monde par l’équation suivante : vérité de la connaissance = énigme spéculaire résolue par analogie du terrestre au céleste. Cette dernière permet ici de résoudre l’énigme du décor par trois analogies spéculaires entre les valeurs de la monarchie très-chrétienne Valois-Angoulême destinataire, et les trois fonctions de la Monarchie céleste telles que définies par le franciscain Jean Thenaud dans deux manuscrits à lui commandés par François 1er

C’est l’unité de l’extrémité Ouest qui fait fonction de miroir et de centre du dispositif. En effet, ce Bacchus et Vénus aujourd’hui au MNHA de Luxembourg, s’est avéré être une mirabilia peinte unique en son genre : sous le voile d’une scène érotique, elle traite de façon sophistiquée un adage récent d’Érasme, ici écourté, « Sans Bacchus, Vénus se refroidit » ; elle fonctionne en image de mémoire de la Monarchie céleste figurée dans un schéma de Jean Thenaud appartenant à sa Treschrestienne Cabale metrifiee offert à François 1eren 1519, et commenté dans son Traicté de la Cabale de 1521 ; elle affiche un mode d’emploi spécifique en trois temps qui s’appuie sur Érasme, puis Cues, puis Bonaventure ; enfin elle est construite « à la manière » des images irradiantes de Marsile Ficin, mais sans effet magique. 

Le discours de ces trois analogies propose des valeurs princières très-chrétiennes censées refléter celles de la Monarchie céleste, mais elles sont en outre enveloppées dans une spiritualité singulière, celle du franciscain Bonaventure : le Bacchus et Vénus reprend sa théologie symbolique, et le parcours des unités suit sa doctrine de la grâce. Le discours de ces trois analogies forme la réception principale du décor, et résulte d’un parcours précis des unités depuis l’entrée Est, en boucle puis en axe (analogie 2 puis 3) avant de se terminer à l’Ouest devant le Bacchus et Vénus (analogie 1). 

À cette réception principale s’ajoutent d’autres usages du décor permettant de communiquer aux destinataires princiers deux ambitions politiques majeures, chères au commanditaire : l’usage simplifié offre un discours sur le renforcement du pouvoir monarchique, et l’usage en recul de synthèse définit une nouvelle argumentation pour soutenir l’accès à l’imperium mundi. Enfin, les usages dérivés ou libres des images s’avèrent aussi avoir été pensés pour être utiles à la formation du nouveau prince, dans l’esprit pragmatique du fondateur dynastique.

Ce décor est particulièrement exceptionnel dans sa capacité à permettre différents fonctionnement de l’image à partir du même support plastique pour susciter chez les destinataires princiers plusieurs discours très précis, organisés en suite logique et cohérente à l’intérieur du cadre du dispositif. Tout en manifestant pour les sujets apparents une excellente maîtrise des différentes formules conventionnelles existant alors – illustration narrative, allégorie in praesentia, et allégorie in absentia–, il en a inventé de nouvelles pour les discours cryptés. Elles jouent toutes sur une transposition à l’image plastique de formules spéculatives bien chrétiennes mais réservées à l’image mentale : transposition à l’ensemble du décor du verset de saint Paul ; mode d’emploi spécial du Bacchus et Vénus (déterminant celui de toutes les unités) qui s’appuie sur la fragmentation des silènes d’Érasme, puis sur la coïncidence des opposés de Cues, puis sur l’usage de la théologie symbolique de Bonaventure ; transposition plastique du « modèle classique » d’art de mémoire dans toutes les unités, cadre compris, avec ductus de lecture des fragments fixé par chaque salamandre en cimier ; ou encore application de la « lecture à plus haut sens » au Bacchus et Vénus pour dégager l’analogie 1. Il transpose même dans le parcours physique des unités, en boucle puis en axe d’Est en Ouest, la remontée symbolique de l’âme du prince dans la Monarchie céleste selon Thenaud, et sa progression dans la grâce selon Bonaventure. Ajoutons que toutes ces usages spéciaux des images sont signifiées aux destinataires princiers.

Ce programme cite aussi le « théâtre » de Giulio Camillo acheté par le Roi en 1530 et livré début 1534, et éclaire son fonctionnement resté énigmatique : il distingue la formule efficace inventée par Camillo pour perfectionner l’éloquence et la mémoire de tout discours, de l’art secret du « théâtre » visant un enjeu de Sapience supérieure émanant de Dieu. Il se positionne aussi sur nombres de thématiques soulevées par le « théâtre ».

Le décor de la Galerie s’avère une expérimentation unique et réussie, mais restée sans suite dans l’histoire de l’art : elle utilise l’art plastique des images, ici la peinture et le modelage stuqué, comme substitut visuel d’un programme précis de discours, qui ne se révèle qu’en l’associant à la participation des destinataires, en l’occurrence princiers. Ce dispositif maîtrise toutes les formes de réception des images par ces derniers, qu’elle soit prévue, simplifiée, en recul de synthèse, dérivée, ou libre, jusqu’à jouer pour la réception des non destinataires avec l’opacité et la séduction de l’essence même de ces images, un tissage de formes, de couleurs, et de reliefs. Le moine franciscain Jean Thenaud a conçu ce dispositif avec le peintre Rosso qui a assuré magistralement les inventions plastiques appuyant l’efficacité de son fonctionnement, et de sa double réception.

Renée Leulier, L’architecte André Portier (1702-1770) et l’art rocaille à Bordeaux

Mme Renée Leulier soutiendra sa thèse de doctorat d’histoire de l’art le samedi 8 septembre 2018 à 9h00, dans la salle des thèses de la Maison de la Recherche. Cette thèse a été menée sous la direction de M. Christian Taillard, professeur émérite. La soutenance est publique.

Le jury sera composé de Mme Laurence Baudoux, maître de conférences HDR (université d’Artois), M. Laurent Coste, professeur des universités (université de Bordeaux Montaigne), M. Jean-Pierre Poussou, professeur émérite (université Paris 4 Paris-Sorbonne), Mme Hélène Rousteau-Chambon, professeur des universités (université de Nantes), de M. Christian Taillard, professeur émérite (université de Bordeaux Montaigne).

Résumé de la thèse

Les embellissements considérables, réalisés à Bordeaux durant le XVIIIe siècle, sont effectués, en grande partie, selon les vœux des intendants et les plans de leurs architectes.

Grâce à l’intendant Claude Boucher, Bordeaux se dote d’une place Royale, affichant ainsi une piété monarchique assez tardive par rapport aux autres villes de province. Le projet de l’architecte Héricé étant contesté par le Parlement, le contrôleur général Le Pelletier envoie l’architecte Jacques V Gabriel aplanir les différends. Non seulement il y parvient, mais en deux mois, durant l’été 1729, il met au point trois projets. L’un d’eux est retenu par la ville et, le 7 février 1730, le Conseil d’État prononce un arrêt en faveur de son exécution et nomme Jacques V directeur des travaux. Il emmène à Bordeaux deux hommes de confiance, François Bonfin, l’un des entrepreneurs des bâtiments du roi et André Portier (1702-1770), un jeune architecte de son bureau.

Quand Portier arrive à Bordeaux au cours de l’été 1730, il découvre une ville enserrée dans ses remparts où perdure encore le tracé de la fin du Moyen Âge. L’augmentation des faubourgs, surtout au nord et au nord-ouest, est le seul changement notable. Les rues et les habitations prolifèrent aux Chartrons où, extra muros au-delà du Château-Trompette, se forme une seconde ville. Le faubourg Saint-Seurin, à l’ouest, se densifie, tandis qu’au sud et au sud-ouest les faubourgs moins peuplés laissent une plus grande place aux vignes et aux jardins. Le tissu urbain de la ville ne change donc guère : aucun percement notable de rues n’a été effectué ; la rive n’est bordée que par l’amorce d’un quai ; les faubourgs sont mal reliés entre eux. La circulation est difficile autour de la ville qui garde un aspect très médiéval avec ses maisons de bois à colombages.

Formé chez Jacques V Gabriel, le jeune architecte a déjà travaillé sous ses ordres. En le faisant nommer inspecteur des travaux de la place Royale, son maître le charge de la conduite des travaux en tenant compte de ses avis. Portier dresse des procès-verbaux, procède aux toisés qui permettent d’estimer les ouvrages et assure leur réception : cette dernière opération est essentielle pour vérifier la qualité des ouvrages et payer les entrepreneurs.

Lorsque Gabriel père meurt en avril 1742, c’est son fils, Ange-Jacques Gabriel (1698-1782) qui poursuit son œuvre à Bordeaux mais le Premier architecte du roi s’en désintéresse de plus en plus. Contrairement à Jacques V, il se repose sur André Portier et lui délègue une partie des travaux. Sous l’autorité lointaine d’Ange-Jacques, il s’émancipe peu à peu. Le concours de l’inspecteur de la place Royale est plus important encore lors de l’achèvement de l’arrière place.

La réalisation de la place royale, avec la construction des hôtels des Fermes et de la Bourse et la mise en place de la statue équestre de Louis XV, est le point de départ de la transformation édilitaire de Bordeaux au XVIIIe siècle : le mur de ville remontant à l’époque médiévale est enfin ouvert du côté du fleuve.

À l’intendance de la Guyenne, Tourny a remplacé Boucher en septembre 1743. Face au manque d’intérêt de Gabriel fils pour ses ouvrages, le marquis de Tourny se tourne de plus en plus vers André Portier pour qui il a la plus grande estime et fait de lui son architecte. Sous sa direction et grâce à son appui, Portier modifie profondément l’architecture et l’urbanisme bordelais.

Fortement marqué par l’esprit de son maître, Portier reprend certaines des idées de Jacques V Gabriel comme les allées en avant du glacis du Château-Trompette ou la façade sur les quais le long de la Garonne : les allées de Tourny trouvent leur origine dans son troisième projet pour la place Royale, l’aménagement de la façade des quais a été commencé par « l’îlot Gabriel » établi au sud de l’hôtel des Fermes.

Durant quatorze ans, l’intendant fait rationaliser par l’architecte le pourtour de la ville, dans un souci d’embellissement urbain et de préoccupation hygiéniste. Le système défensif rendu obsolète par l’évolution des techniques militaires cède la place à de larges cours plantés d’ormeaux le long desquels des bâtiments, aux élévations ordonnancées, occultent les remparts contre lesquels ils s’appuient. Ces longues voies rectilignes relient de nouvelles entrées de ville qui s’ouvrent sur la campagne et le fleuve : les portes de Tourny (1744-1750), Dijeaux (1744-1750), Dauphine (1746-1751), de Bourgogne (1750-1755) et d’Aquitaine (1754-1757) s’inscrivent dans un alignement de constructions homogènes, à l’articulation de deux places. Un simple dégagement, ménagé du côté de l’agglomération, conduit à des rues rectilignes qui pénètrent le bâti, tandis qu’une place à programme – de plus amples dimensions – s’étend du côté des faubourgs. Partout les remparts s’effacent mais la barrière d’octroi demeure.

Le long du Château-Trompette, les allées de Tourny et la rue des fossés du Chapeau-Rouge sont dévolues à la promenade ; elles s’ouvrent sur la campagne et le port par des portes à claire-voie. En homme des Lumières, amateur de jardins, Tourny accorde toute son attention à la création du Jardin public. Portier conçoit la terrasse au sud qui compense la forte dénivellation du terrain tout en permettant de contempler les parterres. Le jardin est aussi mis en valeur par le cadre architectural : sur la terrasse se dressent des portiques et, à chacune de ses extrémités, un logis pour les gardes. Au nord du jardin est installée l’école d’équitation : Portier donne les plans du manège qui sont légèrement modifiés par Ange-Jacques Gabriel. Le Jardin public est l’une des pièces maîtresses du grand programme urbain de l’intendant et de son architecte car il permet de relier les faubourgs Saint-Seurin et des Chartrons mais également ces faubourgs à la ville.

La façade des quais est un ensemble décoratif joignant la grandeur à l’élégance, qui correspond à l’alignement des maisons « uniformément bâties » s’étirant de la place de la Bourse au n°4 du quai de la Monnaie, puis avec une élévation différente, jusqu’à la porte de la Monnaie. Si la façade n’est qu’un des embellissements de la ville, elle demeure cependant le principal d’entre eux comme l’affirme le marquis de Tourny à l’intendant des Finances, M. de Courteille : « de l’exécution entière dudit projet, il résultera qu’il y aura de fait, le long du port, quelque chose de très beau, et peut-être unique en France ».

À la demande de l’intendant, André Portier conçoit notamment les plans de la Halle aux poids, de l’hôtel de l’Intendance, de l’Hôtel de ville et du Collège de Guyenne, de l’hôpital des Enfants-Trouvés, de l’hôtel de la Monnaie, mais aussi de l’église Saint-Louis des Chartrons… Seule une partie de ces œuvres est réalisée.

Tourny remarque et encourage le réel talent d’urbaniste de Portier en favorisant ses desseins. Grâce à ce dernier, Bordeaux se trouve doté d’une périphérie qui élargit notablement l’espace urbain : l’architecte trace le nouveau périmètre de la cité, la ville et sa banlieue sont englobées dans le même système de voirie.

Très vite, André Portier est sollicité par une clientèle privée : se procurer les services de l’inspecteur de la place Royale est, pour les plus fortunés, la seule solution envisageable afin de bénéficier du confort de nouveaux appartements et de montrer ainsi leur rôle social et leur fortune. Il donne les plans de plusieurs hôtels particuliers entre 1739 et 1744 : les hôtels Lecomte de Latresne, Leberthon, de Ruat, de Saint-Savin.

Tourny, nommé conseiller d’État en 1755, revient à Paris en 1757 après avoir initié son fils, Claude-Louis, aux fonctions qu’il devait remplir mais le nouvel intendant n’est que le pâle successeur de son père. Les projets pour l’hôpital des Enfants-Trouvés et le petit séminaire marquent le pas, Portier doit subir les réclamations incessantes des juges-gardes et modifier les plans de l’hôtel de la Monnaie sans que Tourny fils ne leur impose des limites.

En 1759, il s’absente souvent. L’année suivante, il se fait plus rare encore et finit par séjourner continuellement dans ses terres en Touraine. Cet architecte, qui a joué un rôle majeur dans la transformation de Bordeaux au XVIIIe siècle, abandonne ses fonctions « sans réclamer de pension ni d’autres grâces pécuniaires ».

Charline Coupeau, La métaphysique du bijou. Objets d’histoire, parure du corps et matériau de l’oeuvre d’art au XIXe siècle

Mme Charline Coupeau a soutenu avec succès, le 26 juin 2018, sa thèse de doctorat, menée sous la direction de M. Pascal Bertrand. Le jury était composé de M. Pascal Bertrand, professeur des universités (Bordeaux Montaigne), Mme Catherine Cardinal, professeur des universités (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Guillaume Glorieux, professeur des universités (université de Haute Bretagne, Rennes 2), M. Jean-François Luneau, maître de conférences HDR (Clermont-Ferrand 2 Blaise Pascal), M. Patrick Wald Lasowski, professeur des universités (université Paris 8 université Vincennes).

Résumé de la thèse

Au commencement, il y a cet écrin familial, ce petit coffret de bois recouvert de maroquin brun à cornières ajourées en laiton argenté dont l’intérieur est capitonné d’un joli tissu de satin bleu. Que renferme-t-il ? Un plastron d’inspiration berbère en argent, une petite bourse type aumônière en cotte de maille, un bracelet jonc émaillé, de grosses boucles d’oreilles croissant de lune en métal argenté parsemé de strass rouge de cristaux de Swarovski, une broche en or et faux brillants, des pendants de style art déco pavés de fausses turquoises, une petite croix en or jaune à la jeannette, un bracelet en or jaune en maille milanaise et fermoir à cliquet, un sautoir de perles de verre. Il y a ces nombreux après-midis à les sortir de leur précieuse cassette pour les essayer. Ces après-midis où objets de prêts, ces bijoux sont les compagnons de moult aventures de princesses. De ce coffret est née une curiosité, une fascination qui a été le leitmotiv de nos études. C’est cette petite « madeleine de Proust » qui nous a poussé à entamer une recherche sur la bijouterie. Réouvrons donc ce vieil écrin et découvrons ensemble les mots du bijou, son vocabulaire foisonnant, et ses expressions les plus brillantes.

Pierres et métaux précieux, foyers de tous les désirs et de tous les mystères forment des spécimens singuliers, énigmatiques et emblématiques d’une époque, d’un temps donné. Objet d’une vive émulation dans la sphère muséale, le bijou abonde aujourd’hui dans de nombreux ouvrages. L’engouement actuel qui l’impose comme un terrain artistique reconnu nous amène à repenser son intrigue, son lexique et sa poétique Cette thèse se propose donc d’étudier les pièces de bijouterie-joaillerie du XIXe siècle en France en y apportant un nouvel éclairage. En effet, le bijou de cette période, fortement connoté, possède une signification esthétique, sociale, géographique, politique, économique et culturelle qui lui semble propre. On a souvent pensé que le bijou était un objet vain, que sa fonction n’est autre qu’agrémenter la personne qui le porte, d’embellir de façon factice son apparence, voire marquer son appartenance sociale. Mais c’est une illusion superficielle car le bijou comme le souligne si bien l’historien de l’art Gustave Soulier (1872-1937) dans la préface de René Beauclair relève d’un « tour d’imagination spécial ». Si le mot « bijou » dont les origines sont multiples, éveille en nous, l’idée première d’une chose précieuse autant pour sa finesse et la recherche du travail que pour la valeur des matières employées, il est dès à présent juste de noter que le bijou s’exprime, qu’il signifie le temps. Pour aller plus loin, le joyau à l’origine forme naturelle, est transformé en artefact culturel et à ce juste titre, il donne une vue d’une époque : « Montrez-moi les bijoux d’une nation et je vous dirai ce qu’elle est ! ». Il existe donc entre le Bijou et le monde qui l’entoure et le crée, une interaction. C’est cette interaction créatrice qui est au centre de notre réflexion.

Élément essentiel de notre culture matérielle, véritable phénomène d’esthétique social, fait d’embellissement, de contemplation et de joie sensuelle, Le bijou tout comme son compère le vêtement, appartient à un regroupement interdisciplinaire. Nous le verrons, la bijouterie est un art complexe qu’il ne faut pas penser comme une entité cloisonnée. C’est pourquoi nous envisageons, d’établir un lien avec les autres arts. Dans ce dialogue entre différentes disciplines, dans ce « paragone » comparable à celui développé il y a six siècles de cela par Giorgio Vasari, le bijou est conçu comme un message et interroge la notion d’un langage de l’art, un langage du bijou. Parlez-vous bijoux ? Que nous disent-ils ? Face à cet aveu, de nouvelles possibilités d’exploitation s’offrent à nous. Certes la conception de la bijouterie en tant que langage ne paraît pas forcément aller de soi. Pourtant la voir sous cet angle permet, nous le pensons de sortir des problèmes dû à son propre domaine. Penser le bijou comme une langue en accord avec les recherches de Ferdinand de Saussure permet d’ouvrir le discours sur l’expression d’un signifiant et d’un signifié qui au sein de notre étude sont indissociables. À l’instar de la démarche proposée par Boris de Schloezer, ne peut-on pas décider puisque le contenu est immanent à la forme de souligner que la bijouterie n’a pas un sens mais est un sens ?

Si on s’obstine à penser le bijou dans cette optique, comme langue, ce dernier doit toutefois être pensé au sens large du terme, c’est-à-dire comme une sorte de condensé du concept de culture… comme une ontologie. Les écrits associés et la somme de sources iconographiques mettent justement en scène une vision et parfois même des tensions qui nous semblent extrêmement pertinentes pour aborder l’ontologie du bijou. Il s’agira de ne pas nous cantonner à notre discipline qu’est l’histoire de l’art même si le sujet abordé ici y puise sa principale source. Nous nous allierons donc à des méthodes de comparaison visibles en anthropologie, ethnologie et psychologie de l’art. Ce croisement méthodologique nourrit une aventure intellectuelle où l’histoire de l’art et les autres disciplines doivent s’associer dans une démarche conjointe. Il permet également d’accéder à une meilleure lecture des œuvres d’art et des modes de figuration. Tout en répondant aux nouvelles interrogations essentielles qui inspirent le XIXe siècle, qui le problématisent et le métamorphosent dans son discours scientifique, nous attirerons donc le regard de notre lecteur sur une amorce ontologique de la bijouterie. Avec cette méthodologie, qui n’est certes pas la plus habituelle mais qui reste cependant inédite, nous chercherons à nous inscrire dans la même démarche que celle développée par Michel Pastoureau pour la couleur, Alfred Gell pour l’objet d’art et récemment Philippe Descola. Le but de ce travail de recherche est donc de percevoir les bijoux du XIXe siècle comme des signes indiciels dotés d’une capacité à agir, d’une agence, une façon de donner du sens, un indice pour découvrir le monde.

Une ontologie au sens où l’on voudrait l’aborder, est une façon d’être au monde, permettant une meilleure compréhension de celui-ci. Elle nous éclaire sur la perception et la conception du monde, des images et des objets qui nous entourent. Mais outre la notion d’ontologie qui encore aujourd’hui fait couler beaucoup d’encre dans les milieux philosophiques, c’est la question de l’art et de l’œuvre d’art qui est étroitement soulignée ici. Bien que le concept d’œuvre d’art suscite une polémique, il est certain qu’avec la reconnaissance des arts mineurs et plus précisément des arts décoratifs à la fin du XIXe siècle, les productions bijoutières doivent donc être reconnues comme telles. Plus qu’au discours sur la bijouterie ce sont ici des réflexions sur notre rapport esthétique à l’art, sur les bijoux en tant qu’œuvre d’art, en tant qu’image, en tant que langage qui seront suggérées.

Le bijou, considéré comme une image à part entière, comme une langue est donc un stimulateur. Il active la vue, l’un de nos sens les plus à même de provoquer dans notre esprit des réactions comme l’amour, la peur ou encore la jalousie. Il parle à la pensée. Dans cette même optique, nous pouvons ainsi sonder nos rapports à l’objet, au bijou. Nous parle-t-il ? Est-il une quête d’identité ? En quoi est-il une œuvre d’art ? À ces questionnements s’ajoutent ceux tirés des enseignements de Thomas Golsenne, et de l’anthropologue britannique Alfred Gell. Comment agit le bijou ? Quels pouvoirs attribuons, octroyons-nous à cet objet ? Nous essayons de montrer que le travail de l’historien de l’art peut consister en autre chose qu’un simple décryptage de la signification, que nous pouvons dépasser l’iconologie. Le discours élaboré par plusieurs chercheurs en anthropologie sur l’approche des objets, des images et de leur intentionnalité propose une démarche inédite que nous avons trouvée juste de rapprocher du propos de la bijouterie.

Tout en répondant aux nouvelles interrogations qui animent ce XIXe siècle, nous incitons à percevoir les bijoux comme une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension. En véritable archéologue, saisissant notre plume comme une truelle, nous tenterons d’exhumer au cours de ce travail de recherche le labyrinthe technique et idéologique qui gouverne les productions bijoutières du XIXe siècle. Nous souhaitons insister sur la multitude de leurs fonctions et les appréhender comme objet à caractère polysémique et plurifonctionnel. Des articulations et des paramètres qui permettent de définir le bijou par ce que fait l’homme vivant en société. L’homme crée le bijou et le bijou crée l’homme en retour. Si notre approche pourra paraître pour certains, approximative, elle a le mérite de faire vivre le discours sur la bijouterie du XIXe siècle et par prolongement celui des arts décoratifs en apportant donc un renouvellement de la lecture des bijoux, les plaçant comme une étude du monde qui nous entoure. Par l’intermédiaire du bijou, un univers s’éclaire, une nouvelle conception. Grâce à l’éclat scintillant des diamants, une meilleure compréhension d’une époque est mise en lumière.

Soline Morinière, Laboratoires artistiques. Genèse des collections de tirages en plâtre dans les universités françaises (1876-1914)

Mme Soline Morinière a soutenu avec succès, le 14 juin 2018, sa thèse de doctorat en histoire de l’art, menée sous la direction de M. Dominique Jarrassé. Le jury était composé de Mme Claire Barbillon, professeur des universités (Poitiers), M. Christophe Charle, professeur des universités (Paris 1 Panthéon-Sorbonne), M. Dominique Jarrassé, professeur des universités (Bordeaux Montaigne), Jean-Yves Marc, professeur des universités (Strasbourg 2 Marc Bloch), Mme Michela Passini, chargée de recherche au CNRS, Mme Rosa Plana-Mallart, professeur des universités (Montpellier 3 Paul Valéry).

Résumé de la thèse

Soline Morinière – EA 538 Histoire de l’Art – Centre François Georges Pariset

Laboratoires artistiques. Genèse des collections de tirages en plâtre dans les universités françaises (1876-1914)

« Il n’y a pas d’enseignement de l’archéologie sans collection de moulages. Cette science n’a jamais été en France que le privilège de quelques savants d’élite. Elle n’a eu jusqu’ici aucune place dans nos programmes. S’il en eût été autrement, nous n’aurions pu échapper à la nécessité de réunir et de mettre en ordre les plâtres qui représentent les différentes époques de la plastique. L’histoire de l’art s’apprend par les yeux plus encore que par les leçons du maître » (DUMONT 1875, p. 419-420).

Le sujet de cette étude s’inscrit à la croisée de plusieurs courants de la recherche. Tout d’abord l’histoire de l’enseignement, et plus particulièrement l’enseignement supérieur, qui connaît une mutation importante dans la deuxième moitié du XIXe siècle, souhaitée par le Second Empire et mise en œuvre par la Troisième République. Les mesures engagées visent une diversification de l’offre disciplinaire, un renforcement du corps professoral, une augmentation des crédits, une meilleure installation matérielle, un développement du public estudiantin. Elles accompagnent une prise de conscience sur la finalité de l’enseignement et les instruments nécessaires à la transmission des savoirs. L’organisation des facultés de lettres emprunte alors largement au modèle scientifique : la notion de collections d’étude et de recherche s’impose, comprenant des typologies d’objets variées (tirages en plâtre, photographies, plaques pour projection, dessins et estampes, objets originaux). Les jeunes professeurs, formés pour la plupart à l’École française d’Athènes, considèrent qu’une « chaire d’archéologie doit être pourvue d’une collection de moulages, comme une chaire de chimie doit être complétée par un laboratoire » (COLLIGNON 1882, p. 264).

L’institution de la première chaire d’archéologie par décret ministériel du 6 mars 1876 est une date clef pour l’histoire de la discipline. Privilège des Antiquaires jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, elle est érigée comme science au cours du XIXe siècle et intègre progressivement des institutions renommées telles que l’École française d’Athènes, l’École des Chartes et l’École française de Rome. Son introduction dans l’enseignement universitaire, ardemment souhaité, est vécue comme une victoire : la première chaire est créée à la Sorbonne en mars 1876 et confiée à Georges Perrot, trois chaires d’antiquités grecques et latines suivent en octobre et novembre 1876 à Bordeaux, Lyon et Toulouse. En moins de vingt ans, la plupart des facultés de lettres françaises réclament et obtiennent des créations similaires. Les définitions fluctuantes que donnent les professeurs de l’objet de leur enseignement témoignent d’une discipline en pleine construction. La production sculptée est l’objet d’étude le plus fréquent, avec une approche d’histoire de l’art centrée sur l’évolution de la sculpture à travers les siècles. L’aire géographique privilégiée est la Grèce antique, dans la lignée de l’anticomanie et du classicisme des siècles précédents. À partir de 1889, l’histoire de l’art englobe aussi le Moyen Âge, la Renaissance et l’époque moderne, dans le cours donné par Henry Lemonnier à la suppléance d’Ernest Lavisse pour la chaire d’histoire moderne de la Sorbonne, puis dans un cours indépendant créé pour lui en 1893 et érigé en chaire en 1899. C’est en effet dans les années 1890-1900 que ces nouvelles périodes d’étude vont être intégrées dans les facultés de lettres provinciales, soit dans les chaires d’archéologie préexistantes, soit sous la forme de cours complémentaires distincts. Par les sujets qu’ils choisissent, les enseignants s’attachent à restituer l’art d’un siècle ou d’un artiste : la place donnée à la sculpture est alors minimisée par rapport à l’art antique mais reste néanmoins importante. L’étude magistrale de Lyne Therrien sur l’institutionnalisation de l’histoire de l’art avait révélé comment cette discipline s’était introduite dans le système universitaire par le biais de l’archéologie et de l’histoire. C’est pour répondre aux besoins de ces enseignements artistiques que vont être constituées des collections de tirages en plâtre dans les facultés de lettres, sur lesquelles la présente étude propose de mettre l’accent. L’apparition en France de ces collections découle de l’importation de modèle étrangers, notamment de l’Empire allemand.

Dans les universités allemandes, l’enseignement de l’archéologie existe depuis longtemps. La première collection de tirages en plâtre est formée à Göttingen en 1767 et plusieurs musées sont créés dans la première moitié du XIXe siècle. Quand Maxime Collignon, professeur d’antiquités grecques et latines à l’université de Bordeaux, est envoyé en mission en Allemagne en 1882, une seule université sur les 29 existantes ne possède pas encore d’enseignement archéologique, lacune qui sera comblée avant 1900. Il en revient avec la conviction profonde que l’exemple de l’Allemagne doit suivi en France, du moins du point de vue des collections archéologiques formées pour l’étude de l’art antique. L’organisation des gypsothèques, ces « musées de moulages », occupe une place importante de son rapport de mission et l’université de Munich est posée comme principal modèle. C’est toutefois l’université de Strasbourg qui semble devenir la référence incontournable : créée à partir de 1872 dans la toute jeune université fondée par l’Empire allemand au sein du nouveau Reichsland Elsass-Lothringen, la collection se développe considérablement sous la direction d’Adolf Michaelis, premier titulaire de la chaire d’archéologie, et est installée en 1882 dans la majeure partie de l’étage noble du Palais universitaire. L’universitaire allemand, davantage archéologue de musée que de terrain, entretient avec plusieurs de ses homologues français une correspondance qui atteste les emprunts de la France à cette l’université de Strasbourg. Si les archétypes allemands occupent une place centrale dans les schémas d’élaboration des collections universitaires françaises de tirages en plâtre d’après l’antique, il n’en est pas de même pour les périodes médiévales et modernes, pour lesquelles le musée des études constitué à l’École des Beaux-Arts de Paris et le nouveau musée de sculpture comparée ouvert au public en 1882 constituent les principaux modèles.

C’est dans cet état d’esprit que sont constituées les premières collections universitaires françaises de tirages en plâtre, attestées dès 1876-1877 à Paris et à Bordeaux. En moins de trente ans, 14 des 15 facultés de lettres métropolitaines se dotent de collections similaires, de plus ou moins grande ampleur. Souhaitées par les universitaires, elles sont impulsées et encouragées par le ministère de l’Instruction publique qui accorde les crédits nécessaires, favorise les libéralités externes et instaure un programme édilitaire dans lequel la place accordée aux collections artistiques ne cesse de s’accroître. Au sein du ministère, c’est le directeur de l’Enseignement supérieur, poste occupé successivement par Albert Dumont, Louis Liard et Charles Bayet, qui s’implique plus particulièrement dans ces entreprises. Celles-ci suscitent également l’intérêt des associations et sociétés des amis de l’université, soucieuses du prestige de celle-ci, et des amateurs d’art et d’archéologie qui contribuent plus modestement à l’accroissement des collections.

L’analyse des ateliers de moulages producteurs révèle une circulation européenne des tirages en plâtre dont le choix répond à des critères tant économiques que scientifiques. La plupart des grands musées européens possèdent ou travaillent de manière privilégiée avec un atelier de moulages particulier mais il existe par ailleurs de nombreux ateliers privés. La stratégie d’achat des universitaires donne une préférence aux ateliers français de l’École des Beaux-arts de Paris, des musées nationaux et du musée de sculpture comparée, qui accordent une remise pour les établissements d’enseignement. Toutefois, les professeurs n’hésitent pas à faire appel à des ateliers étrangers, qui permettent de pallier les lacunes observées dans l’offre de vente des ateliers français ou qui possèdent des moules de meilleure qualité, gage d’une reproduction la plus parfaite possible. La fidélité à l’œuvre originale est un critère d’excellence qui occupe une place centrale : pour cela, les enseignants n’hésitent pas à solliciter les conseils de leurs homologues allemands, italiens et français afin de procéder aux meilleurs choix.

L’installation muséographique des tirages en plâtre ainsi acquis doit répondre avant tout à la rigueur scientifique prônée dans l’institutionnalisation de l’enseignement archéologique. Elle est conçue comme un résumé visuel de l’évolution temporelle de la plastique ; les épreuves en plâtre sont donc placées dans l’ordre chronologique de l’original grec qu’elles reproduisent ou qu’elles suggèrent à travers des copies romaines. Des regroupements sont faits par artiste ou par école et l’installation de roulettes sous les socles permet de tourner les reproductions pour en apprécier tous les côtés. Identifiées par un cartel ou par un numéro renvoyant au catalogue de la collection, les œuvres sont accompagnées de dispositifs pédagogiques qui les complètent et donnent aux visiteurs des clés de lecture et des éléments de compréhension. La présence de photographies au sein des « musées de moulages » est attestée dans plusieurs universités. Présentées dans des cours vitrées ou des galeries qui les rapprochent des mises en exposition visibles à l’époque dans les musées publics, ces collections s’intègrent aussi dans une esthétique muséale classicisante, où le fond rouge grenat et les motifs décoratifs rappellent les tons des peintures murales des demeures romaines et l’ornementation des vases en céramique produits par les ateliers grecs.

Le choix des reproductions suit en grande partie l’évolution des enseignements. Les premières collections sont toutes constituées d’après l’antique : au noyau commun composé d’œuvres symboliques telles que le décor sculpté du Parthénon, s’ajoute de nombreuses différences, qui augmentent parallèlement à la taille de la collection. Les nombreuses découvertes archéologiques de cette seconde moitié du XIXe siècle sont rapidement intégrées dans les perspectives d’extension des collections universitaires, car elles renouvellent l’apport scientifique de la discipline. Avec l’évolution de l’enseignement vers l’histoire de l’art des époques médiévale et moderne, se forment de nouvelles collections axées sur la sculpture des périodes récentes. Elles sont toutefois inférieures numériquement, d’une part parce que la place disponible ne permet guère la constitution de collections de grande ampleur, d’autre part parce que la peinture et les objets d’art occupent pour ces périodes une place bien plus importante que celles qu’ils avaient pu avoir pour l’Antiquité. Notons la présence, rare mais effective, de quelques tirages en plâtre d’art contemporain (Rude, Carpeaux, etc.) qui font l’originalité des collections de Toulouse, de Lille ou encore de Paris. En ancrant davantage les universités dans leur académie, voire dans leur région, la loi sur les universités de juillet 1896 encourage chaque faculté à développer des liens avec le territoire sur lequel elle est située. Plusieurs universités vont ainsi spécialiser leurs collections artistiques, soit en fonction de pays limitrophes (Bordeaux, Lille) ou d’une forte tradition locale (Rennes, Montpellier). D’autres, comme celle de Lyon, restent très généralistes.

Constituées pour l’enseignement et la recherche, ces collections ont eu des usages divers et variés et une importance plus ou moins grande selon les universités, la nature du cours donné, la personnalité de l’enseignant référent, le nombre et l’implication des étudiants. Nonobstant une utilisation partielle et secondaire dans les cours théoriques donnés dans les amphithéâtres, ces « musées de moulages » se prêtent davantage comme support des conférences dans lesquelles l’exercice pratique occupent une place de choix. Le développement de certaines collections répond également aux objectifs scientifiques des professeurs, les tirages en plâtre permettant une étude de détail pour l’élaboration et la validation d’hypothèses d’attribution et de datation, sujets de nombreuses publications. En rassemblant dans un même espace des copies d’originaux dispersés dans des lieux de conservation divers (musées, sites) sur le territoire européen voire dans le monde entier, les « musées de moulages » rendent possible la vision synchronique de la carrière d’un artiste, avantage non négligeable pour les méthodes allemandes de la Kopienkritik et de la Meisterforschung, fortement ancrées en France. En dehors de ces usages courants, ces musées universitaires sont également ouverts, pour certains d’eux, à d’autres types de publics : élèves des écoles des Beaux-Arts, artistes, artisans, amateurs, et grand public sont invités à venir dessiner, observer, contempler et déambuler dans ces galeries de sculptures. La réception de ces collections, en France comme à l’étranger, est relativement difficile à définir mais quelques exemples marquants permettent toutefois d’affirmer que certaines collections possédaient une renommée internationale, mais que d’autres, au contraire, n’ont jamais été reconnues.

Menée à partir d’une enquête de terrain de grande ampleur, à la fois archivistique, bibliographique et matérielle, cette étude vise à retracer l’émergence d’un phénomène national qui se matérialise par la généralisation d’une idée, l’engouement unanime des professeurs pour cette typologie d’objets, le choix de modèles communs, l’implication du ministère de l’Instruction publique qui impulse et encourage ces collections, leur apparition concomitante et successive dans quasiment toutes les universités françaises, le choix des œuvres et les usages similaires. En étudiant avec précision la formation de chaque collection, il a ainsi été possible de dégager des dissemblances qui font l’originalité et la force de certaines universités.

Le résultat de ces recherches permet d’avoir dès aujourd’hui une meilleure connaissance de l’histoire de ces collections d’études. En s’attachant à retracer l’origine et la composition de toutes les collections de tirages en plâtre universitaires françaises formées pour l’enseignement de l’archéologie et de l’histoire de l’art, celles qui existent encore tout comme celles qui ont disparu, cette thèse vise deux objectifs concrets : d’une part, retrouver et documenter un patrimoine méconnu des universités françaises et permettre à celles-ci de valoriser ce qu’il en reste ; d’autre part, apporter à l’histoire de l’enseignement un focus sur un des modes privilégiés de transmission du savoir, à la fin du XIXe siècle, pour deux disciplines nouvellement intégrées au sein des facultés de lettres.