Archives de catégorie : Ouvrages publiés avec la contribution du Centre

Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée

Dominique Jarrassé, Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du divers, 2022, 226 p.

Chef-d’œuvre de la sculpture des années 1930, le bas-relief qui couvre la façade de l’ancien musée des Colonies, aujourd’hui, palais de la porte Dorée, est réalisé par Alfred Janniot pour l’Exposition coloniale de 1931. Sommet de l’art colonial, il demeure méconnu.

Dans un contexte d’appel au déboulonnage des statues liées à la colonisation, cet essai propose, posément et avec rigueur, une lecture approfondie et contextualisée de ce lieu majeur de notre mémoire coloniale où s’entremêlent fictions, idéologies, exaltation de la beauté et de la diversité…

Une postface dénonce, moins posément, le « boniment des placiers en produits [dé]coloniaux » et des nouveaux censeurs qui restaurent dénis et tabous.

SOMMAIRE

Avant-propos

Introduction

1. Aux marches du palais

  • Un non-lieu de mémoire ?
  • Des lectures dérivées
  • 1931, tournant anthropologique ?
  • Un chef-d’œuvre de l’Art Déco ?

2. Le chef-d’œuvre de l’art colonial n’est pas l’œuvre d’un “artiste colonial”

  • Pied de nez à la corporation
  • Le projet de Laprade et le rôle assigné à la sculpture
  • Le choix d’ “un” sculpteur
  • L’Unique et sa propriété

3. Mise en abyme de l’empire et de l’exposition

Angle Sénégal/Madagascar
  • Le programme iconographique du palais
  • Un atlas colonial
  • Mise en abyme et synthèse

4. Composition d’une fiction coloniale

  • “Le bas-relief est une œuvre de fiction”
  • Une “colonialité fictive”
  • Plastique et propagande

5. Tentative d’épuisement d’un bas-relief

  • Bas-relief ouest : Amérique-Océan Indien
  • Bas-relief sud-ouest : Afrique
  • Bas-relief est : Annam-Tonkin-Océanie
  • Bas-relief sud-est : Indochine
  • Portail central : la métropole

6. Modèles plastiques et sources documentaires

  • Un modèle “oriental hindou-khmer”?
  • Dictat réaliste et poids des sources
  • Une démarche naturaliste ?

7. Une poétisation du monde colonial par ellipse

  • Absence de troupes et de missionnaires
  • Les races
  • Les Travaux et les Jours
    La culture de l’hévéa (Indochine)

8. Une esthétique du divers

  • Exotique versus colonial
  • Un refus de l’histoire ?
  • Esthétique et domination
  • La nostalgie du Divers ?

9. Réceptions : puissance de l’image

  • Chronique d’un succès annoncé
  • Autorité des photos de Gilbert
  • Les méandres de la réception contemporaine

Postface : “Magnifique boniment de placiers en produits []coloniaux”

Brève chronologie. Quelques chiffres

Sources et bibliographie

 

 

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.

Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884

S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.

Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.

Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88

SOMMAIRE

Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

En famille

Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon

Redon & Peyrelebade : l’œil du maîtreL. Houssais

Odilon Redon à ses débuts

« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887)P. Pinchon

Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon

Portfolio

Trois carnets inédits – Fred Leeman

Nuancier à visages – D. Gamboni

« Léonard devient scie » – D. Gamboni

Mémoires d’atelier

« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni

Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott

Lignages

Collectionner, commémorer, créer : Gustave Fayet et Odilon Redon – Alexandre d’Andoque

Redon en héritage(s) : Roseline Bacou, écrits et parcours – Charlotte Foucher

Bibliographie sélective

Index

 

La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle

Charline Coupeau, La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle, Rennes, PUR, 2022, 318 p.

Convoquant plusieurs sciences humaines et s’appuyant sur de vastes sources – traités, manuels de savoir-vivre, dictionnaires spécialisés, rapports d’expositions, correspondances et chroniques journalistiques –, cet ouvrage entend définir les contours d’une ontologie du bijou afin de sonder la diversité des relations dans lesquelles il se trouve impliqué. Grâce à une conceptualisation pluridisciplinaire, il convient de montrer que le bijou est un moyen d’investigation pour comprendre la période complexe et chargée en rebondissements qu’est le XIXe siècle. En effet, médium polysémique complexe et fortement connoté, le bijou de ce siècle permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension et, en somme, un véritable microcosme. Que dit-il du XIXe siècle ? S’articulant autour de trois directives : objet, corps et matière, la dialectique mise en place tente de montrer toute la richesse et la singularité de la bijouterie de cette époque en France. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes, ils sont les référents immuables que cette étude propose de faire découvrir.

SOMMAIRE

Objet d’histoires 

La bijouterie, une Histoire qui s’écrit

  • Ciseler le verbe : la mise en histoire du bijou au XIXe siècle
  • Un discours estampé par les bijoutiers
  • Une presse orfévrée
  • Facetter le discours : sertissage plurisdisciplinaire dans les études du XXe siècle
  • La culture de l’apparence
  • Culture matérielle : pour une écriture visuelle du bijou

Parure du corps

Bijoux à corps et accords joailliers

  • Le devoir de conformité
  • Voir et être vu
  • Les codes de la représentativité
  • L’art de la distinction
  • Le souci d’apparat : bijoux et excessive mise en scène
  • Séduis-moi si tu peux
  • La boîte de Pandore
  • Les maux du bijou, pathologies de l’esprit
  • Bijou, crise et cartharsis
  • Langage du cœur : le bijou, confident intime
  • Le pouvoir mnémonique de la parure
  • Le coffret symbolique
  • Par-delà l’ornement, le talisman

Matériau de l’œuvre d’art

Les mutations du métier : économie, technique et création

  • Un marché transfiguré : fluctuations et évolutions du secteur bijoutier
  • « Tout ce qui brille n’est pas d’or »
  • Des produits diversifiés : entre mécanisation et tradition
  • De l’objet à l’œuvre d’art, le nouveau statut du bijou
  • Dans l’atelier du bijoutier
  • Une sauvegarde du métier par l’enseignement
  • Sculpturalité poétique et sonorités colorées : précieuses corrélations artistiques
  • Sculpturalité poétique
  • Bijoux, gemmes et matière littéraire
  • Bijoux, mythes et poésie
  • Sonorités colorées
  • Concerto chromatique
  • Symphonie parée

Conclusion

Biographie des artistes bijoutiers-joailliers

Glossaire

Bibliographie

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818)

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818), sous la dir. d’Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier, Paris, Éditions Picard, 2021. 256 p., 217 ill.

Construire Bagatelle en trois mois : ce pari fou – et réussi – entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François-Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode qui, aux côtés de Ledoux, Chalgrin, De Wailly et Brongniart, fut parmi les architectes les plus talentueux de son temps.

Il excella tout particulièrement dans la conception de l’habitat et des jardins, livrant alors quelques-unes des demeures les plus remarquées de l’Ancien Régime. Mais Bélanger ne fut pas seulement le chef d’orchestre des plaisirs d’un monde finissant : au cours de sa carrière, il traita aussi les programmes les plus divers tels que lotissements, halles, abattoirs, bains publics ou encore salles de spectacle ; il sut répondre également aux nouveaux défis de l’architecture en expérimentant de façon audacieuse des matériaux tels que le fer et la fonte à la Halle au blé.

L’architecte – qui n’a jamais fait le voyage à Rome mais qui s’est rendu à trois reprises en Angleterre – fit preuve d’une grande curiosité. Des embellissements urbains à la tabatière en passant par la petite maison ou la voiture hippomobile, la carrière de Bélanger offre une matière riche qui interroge les frontières de sa discipline. 

SOMMAIRE

Préface. Monographie d’un polyarchitecte – Jean-Philippe Garric

Introduction

Les femmes de Bélanger – Olivier Blanc

Carrière, honoraires et fortune – Dominique Massounie

La collaboration avec Jallier de Savault (1772-1775) – Yvon Plouzennec

Les dîners de la « société académique » : une chimère aux premières heures de l’Empire – Yvon Plouzennec

Au service des princes

Bélanger décorateur des Menus Plaisirs : une expérience fondatrice – Sandra Bazin-Henry

Meubles et pièces d’orfèvrerie pour la corbeille de mariage de Marie-Antoinette– Vincent Bastien

Le « grand carrosse du corps du roy » pour le sacre de Louis XVI – Alexia Lebeurre

François-Joseph Bélanger, Projet de décoration pour le sacre de Louis XVIII à Reims, élévation d’une structure avec le trône, 1814. Graphite, plume et encre, aquarelle, 74,9 x 55,9 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art

Premier architecte d’un prince du sang : au service du comte d’Artois – Anaïs Bornet

Saint-Germain-en-Laye et Maisons : les grands projets pour le comte d’Artois – Étienne Faisant

Bagatelle : le pari fou d’un libertin – Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier

Le lotissement du fief d’Artois – Francesco Guidoboni

Les écuries du comte d’Artois au faubourg du Roule – Christophe Morin

Les écuries d’Artois et la maison de l’architecte à Fontainebleau – Vincent Droguet

L’obélisque du Pont-Neuf – Yvon Plouzennec

1814, le « retour à l’ordre » ou les fastes de la Restauration – Adrian Almoguera

Projet pour le sacre de Louis XVIII à Reims, 1814 – Jean-Philippe Garric

Un architecte à la mode

Sentimental et spéculateur : Bélanger et l’habitat – Claire Ollagnier

La folie Sainte-James à Neuilly – Marie-Geneviège Lagardère

Les maisons parisiennes, architecture remarquable et remarquée (1789-1809) – Charlotte Duvette

Les lotissements de petite envergure : projets et réalisations – Charlotte Duvette

Armand-Parfait Prieur d’après François-Joseph Bélanger, Salle de bains et boudoir de la maison de Mlle Dervieux, vers 1792-1793. Eau-forte et aquarelle, 49,9 x 32,2 cm. Paris, musée Carnavalet.

La décoration intérieure ou les charmes de la variété – Alexia Lebeurre

Une architecture osée : le goût arabesque chez Mlle Dervieux – Iris Moon

La cheminée réinventée – Emmanuel Sarméo

Raffinements mobiliers : la griffe de l’architecte – Alexia Lebeurre

Le goût des matériaux luxueux : les pierres dures et les marbres – Sophie Mouquin

Le goût des matériaux luxueux : l’acajou – Jean-François Belhoste

Jardins et architecture pittoresque

Bélanger, « jardineur » de la modernité – Monique Mosser

Le jardin du prince de Ligne à Belœil – Nathalie de Harlez de Deulin

Les voyages en Angleterre : sensations sublimes et pittoresques – Sigrid de Jong

Le parc de la Folie Sainte-James – Pierre-Antoine Gatier

Ce que le jardin de Méréville nous dit de Bélanger – Nicole Gouiric

Un hymne à la liberté pour Beaumarchais – Maryline Assante

François-Joseph Bélanger, Projet pour l’entrée du jardin Beaumarchais sur le boulevard Saint-Antoine, vers 1789. Plume, lavis et aquarelle, 20,2 x 33 cm. Paris, BNF.

Une amitié des Lumières : l’architecte et le « botaniste-filosophe » – Nicole Gouiric et Monique Mosser

Chez Monsieur et Madame Bélanger à Santeny – Nadine Villalobos

L’utile et l’agréable au jardin de Monsieur Le Picard – Nadine Villalobos

Équiper la ville

Les projets d’Opéra pour la réunion du Louvre et des Tuileries (1781-1809) – Daniel Rabreau

Le projet de place Louis XVI au Louvre – Alexandre Gady

Bélanger et la scène – Marc-Henri Jordan

François-Joseph Bélanger, Projet du Grand théâtre des Arts ou Temple d’Apollon au Carrousel, vue perspective, 1789. Eau-forte et aquatinte, 28,5 x 49 cm. Paris, BNF

Entretien et sécurité à la Bibliothèque nationale – Pauline Chougnet

Les bains Vigier : rebâtir une carrière au service de l’utilité publique sous le Directoire – Ronan Bouttier

Un sanctuaire pour le dieu Apis : les projets d’abattoirs (1805-1811) – Pauline Chougnet et Pierre Coffy

Approvisionner la ville sous l’Empire : la halle aux vins – Pierre Coffy

L’inlassable essayeur de matériaux – Jean-François Belhoste

La coupole en fonte et fer forgé de la Halle au blé (1809-1813) – Matteo Porrino

Une absence : la commande religieuse – Emmanuelle Bordure

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940, sous la direction de Jérôme Delaplanche et Dominique Jarrassé, Rome, Académie de France à Rome – Villa Médicis, coll. Histoire de l’art, 2020, 271 p.

Réécrire l’histoire de l’art du premier XXe siècle en y intégrant des tendances longtemps écartées au nom d’un dictat moderniste qui s’est érigé en norme absolue du droit d’entrer ou non dans l’histoire, tel est l’objectif des auteurs de cet ouvrage, conscients de la nécessité non pas tant de dénoncer les -ismes ou la suprématie du moderne que de remettre à leur place les productions figuratives entre 1905 et 1940, en privilégiant celles, souvent décriées, des Prix de Rome.

Yves Brayer (1907-1990). Séminaristes allemands à Rome. Huile sur toile, 1932. Paris, musée Carnavalet.

Cela permet de découvrir des artistes bien plus originaux et divers que ne le laisse prévoir le discours convenu, et il semble, dès lors, bien vain de se demander s’ils étaient académiques, antimodernes, modernes qui s’ignorent, voire d’arrière-garde…

Et s’ils représentaient une tradition révolutionnaire, propre à faire exploser les rhétoriques et les positionnements idéologiques de notre discipline ? Cette réécriture passe par les trois phases qui ordonnent ce livre. En premier lieu, est proposé un examen critique des notions clés et des catégories historiographiques, d’ “académisme” à “tradition” en passant par “décoratif” ou “moderne”, pour échapper aux impasses.

La démarche historiographique est ensuite complétée par une contextualisation des œuvres qui privilégie le cadre des directorats de l’Académie de France, car elles subissent les interférences de la politique franco-italienne particulièrement complexe, certain directeur se posant même en ambassadeur… Enfin, les auteurs s’attachent à cerner les valeurs spécifiques défendues par les artistes passés par la Villa Médicis, figuration, métier, dessin, monumentalité… préoccupations que ces artistes partagent avec leur temps et auxquelles ils offrent des réponses.

SOMMAIRE

Avant-propos – Jérôme Delaplanche

Suivre la tradition serait-il révolutionnaire ? – Dominique Jarrassé

Dictionnaire

Académisme – Louis Deltour

Antimodernes ou non modernes ? – Dominique Jarrassé

Art Déco – Dominique Jarrassé

Décoratif – Pierre Sérié

Moderne / modernité / modernisme – Claire Garcia

Retour à l’ordre – Dominique Jarrassé

Tradition – Pierre Sérié

Directorats

Albert Besnard ou le directorat du trait d’union (1913-1921) – Sarah Linford

Denys Puech : autonomie de l’Académie de France à Rome, engagement politique et éclectisme esthétique (1921-1933) – Dominique Jarrassé

La “Mission à Rome” de Paul Landowski ou la Villa Médicis au temps de l’alliance entre la France et l’Italie fasciste (1933-1937) – Catherine Fraixe

Jacques Ibert, un temps suspendu (1937-1940) – Dominique Jarrassé et Pierre Sérié

Tradition, révolution

Le pouvoir, le mur, l’artiste : éthique et esthétique monumentale des Prix de Rome – Louis Deltour

“Des murs pour les sculpteurs !” – Amélie Simier et Claire Garcia

Dissymétries : dialogues manqués sur la peinture murale, le retour au métier, l’histoire de l’art – Laura Iamurri

Tradition à l’horizon : messianisme réactionnaire d’une poignée de Romains – Pierre Sérié

De la ligne à la chair : les luttes pour la définition d’une pratique du dessin – Louis Deltour

Académies anglo-saxonnes à Rome : résistance à la modernité dans les démocraties libérales en perspective – Pierre Sérié

Conclusion

Vue de Rome – Laura Iamurri

Annexes

Présence des pensionnaires de l’Académie de France à Rome par directorat (1913-1939) – Patrizia Celli

Liste de pensionnaires (1913-1939)

Bibliographie

Les arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies

Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, sous la dir. de Dominique Jarrassé et Sarah Ligner, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du Divers, 2021, 208 p.

À la suite de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui avait révélé les richesses, longtemps enfouies, d’œuvres à sujets exotiques et coloniaux, cet ouvrage propose un nouveau regard sur les productions artistiques en situation coloniale, loin de celui des prêcheurs de repentance et des déboulonnages, ou encore des nostalgiques. Les Arts coloniaux donne une définition de ce champ méconnu ou instrumentalisé, en privilégiant les circulations, celle des artistes comme des notions ou des pratiques, celle des artefacts et leur mise en collection. Ces processus ont provoqué une mondialisation artistique qui a durablement modelé les imaginaires et les mémoires. Sans nier les messages ouvertement colonialistes, ni les appropriations, sans écarter non plus ce qui se joue d’émerveillement devant la beauté et la diversité du monde, il s’agit de contextualiser pour comprendre.

SOMMAIRE

Ouverture – Dominique Jarrassé et Sarah Ligner


Circulations. Images, appropriations, expositions

Des arts coloniaux. Notion extensive et affinités appropriatives – Dominique Jarrassé

Le portrait à Saint-Domingue – Carlo A. Célius

Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires (1871-1958) – Sophie Leclercq

Identité africaine et idéologie coloniale. Les expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1939) – Marion Lagrange

Notice. Artiste “indigène”, “musulman”, “africain” – ML

Annexe. Expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1956) – ML

Au service de l’Empire. La promotion des arts coloniaux dans les Salons de la France d’Outre-Mer – Laurent Houssais

“Y a-t-il un art à Madagascar ?” Circulation et réception de la création malgache en France durant la période coloniale – Alexandre Girard-Muscagorry

Notice. De l’artisanat colonial à l’art contemporain africain : les poteaux de Jean-Jacques Efiaimbelo – A G-M.

Suzanne Truitard, couverture de Togo-Cameroun, avril 1930

Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres. Les arts du Cameroun vus par Suzanne Truitard – Isidore Pascal Njock Nyobe

Notice. Togo-Cameroun, un magazine de propagande – I. P. N.N.

La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France. Les graines de la rébellion artistique 1943-1945 – Christelle Lozère


Collections. Une transmission suspendue et retrouvée ?

Les arts coloniaux sous le prisme des collections – Sarah Ligner

Des collections réinventées pour un palais déshérité – Hélène Boccard

Un musée précurseur. Les collections d’art colonial du musée des Années trente – Claire Poirion

De l’Algérie en peinture à la peinture en Algérie, au prisme d’une collection – Florence Hudowicz

De la “mission civilisatrice” au “réveil des arts indigènes”. Dessins d’écoliers dans les colonies – Mathilde Allard

“Premiers essais de tailleurs d’images chrétiens en Afrique”, Le Patriote illustré, 11 octobre 1931

De l’Afrique à la Bretagne. Arts missionnaires, arts coloniaux : une mission et un destin commun ? – Gwenaël Ben Aissa

Notice. Musée spiritain des arts africains à Allex – G. B. A.

Administration des artistes, des œuvres et de leur exposition dans l’Empire colonial français. Quelles sources aux archives nationales ? – Pascale Riviale et Clothilde Roullier

Les auteurs

Index

Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat

Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat, sous la direction de Laurent Houssais et Dominique Jarrassé, Paris, Éditions Esthétiques du Divers, 2020, 302 p.

Faisant suite à “Nos artistes aux colonies”. Sociétés, expositions et revues dans l’empire français (1851-1940), ce volume poursuit l’étude des arts coloniaux en se concentrant sur un pays, la Tunisie. Ce champ d’étude favorise une approche élargie des arts, tant beaux-arts qu’artisanat ou “arts indigènes”, en contexte colonial. Entre 1881 et 1956 se construit progressivement un système colonial des arts qui repose sur trois piliers principaux : le Salon tunisien, dont l’histoire s’échelonne de 1894 à 1984, l’École des beaux-arts de Tunis, créée en 1923, l’Office des arts tunisiens, qui entendait sauvegarder et promouvoir l’artisanat. En revanche, aucun musée des beaux-arts qui eût complété le musée du Bardo consacré à l’archéologie et aux arts arabes, n’a été mis en place et cette lacune se fait sentir encore aujourd’hui. L’originalité de la situation tunisienne tient enfin à l’apparition, dès les années 1930, d’artistes qui, sans discrimination, élaborent une scène artistique originale, incarnée par la fameuse “École de Tunis”, dont le dynamisme perdure après l’indépendance.

Armand Vergeaud et ses élèves à l’exposition de l’Association des élèves, anciens élèves et amis du Centre d’enseignement d’art, 1929, musée d’Angoulême

Ce livre engage, sur la base d’un important travail documentaire, une réflexion sur la fabrication d’une image de la Tunisie à travers les expositions comme sur son identité plurielle. Nourri d’une démarche historiographique critique, il contribue à la nécessaire réécriture d’une histoire de l’art en Tunisie, encore très lacunaire.

SOMMAIRE

Avant-propos

Introduction

Ré)écrire l’histoire des arts en situation coloniale – Laurent Houssais et Dominique Jarrassé

Mise en scène des “arts indigènes” et images de la Tunisie

Identité tunisienne et artisanat dans les expositions internationales et coloniales (1851-1939) – Dominique Jarrassé

Salons et expositions d’art industriel à Tunis (1896 et 1898) – Clara Álvarez Dopico

Art et artisanat tunisiens selon Victor Valensi. Ses pavillons d’expositions internationales (1925, 1931 et 1937) – Dominique Jarrassé

L’Œuvre de l’Office des arts tunisiens : de l’exposition propagandiste à la muséographie patrimonialisante – Mohamed-Ali Berhouma

Sociétés, écoles et expositions artistiques dans la Tunisie coloniale

Un Salon pour Tunis (1894-1939) : retours sur une histoire – Laurent Houssais

La fabrique des artistes “tunisiens”. L’institutionnalisation d’une École des beaux-arts durant le Protectorat (1923-1956) – Marion Lagrange

Défaire une histoire de la peinture tunisienne : l’ “École de Tunis” (1936-1956) – Marion Lagrange

Les expositions à travers la presse tunisienne

Notes sur quelques figures de la critique d’art dans la presse tunisienne francophone – Alain Messaoudi

Actualité et communauté italienne : l’activité de la Société Dante Alighieri et de la presse italophone – Silvia Finzi et Sonia Gallico

Les expositions dans la presse juive tunisienne et l’émergence d’ “artistes juifs” – Dominique Jarrassé

Annexes

Chronologie

Biographies (Albert Aublet – Pierre Berjole – Pierre Boucherle – Pierre Boyer – Alphonse Clément – André Delacroix – Alexandre Fichet – Gaston-Louis Le Monnier – Paul Proust – Jacques Revault – Armand Vergeaud – Yahia Turki)

Alexandre Roubtzoff, Les Membres de l’institut de Carthage, photographie d’une huile sur toile présentée au Salon tunisien de 1924 et calque d’identification des personnages représentés

Bibliographie

Présentation des auteurs

Index

JEUX ET ENJEUX DU CADRE DANS LES SYSTÈMES DÉCORATIFS DE LA PREMIÈRE MODERNITÉ (1500-1700)

Jeux et enjeux du cadre dans les systèmes décoratifs de la première modernité (1500-1700), sous la direction de Nicolas Cordon, Édouard Degans, Elli Doulkaridou-Ramantani et Caroline Heering, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2019.

Qu’il soit éphémère ou permanent, profane ou religieux, qu’il concerne l’architecture, la sculpture, la peinture, la tapisserie ou les jardins, l’art du décor atteint en Europe un degré exceptionnel d’élaboration et de complexité à partir de la Renaissance. Les études réunies dans le présent volume s’intéressent aux dispositifs d’encadrement, réels ou feints, imaginés par les artistes pour délimiter, articuler, transfigurer les différentes parties de leurs décors, tout en conditionnant l’expérience et la réception du message proposé aux sens. Trop souvent considéré par l’histoire de l’art comme un ornement accessoire destiné à embellir objets et images, le motif du cadre trouve dans les décors de la première modernité (1500-1700) un champ d’application aussi vaste que fécond, et permet de penser l’œuvre dans son ensemble comme un système unitaire organisant, parfois de façon étonnamment ludique, plusieurs niveaux de représentation et d’artifice.

 

TABLE DES MATIÈRES

Introduction

Clôture & sémiotique du cadre

Dans la marge, à travers le cadre et au-delà. Dispositifs d’encadrement dans les manuscrits enluminés romains, de Léon X à Paul III, Elli Doulkaridou-Ramantani, doctorante en histoire de l’art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Cadre(s) gravé(s) : les affiches de thèse dans le décor éphémère de la soutenance académique, Gwendoline De Mûelenaere, docteur en histoire de l’art, université catholique de Louvain

Les cadres des azulejos baroques portugais, Rosário Salema de Carvalho (traduit de l’anglais par Édouard Degans), docteur en histoire de l’art de la faculté de lettres de l’université de Lisbonne

Le cadre dans l’art des jardins de la Renaissance : une figure de la transitio, Laurent Paya, ingénieur paysagiste (Agocampus Ouest, Angers), docteur en histoire de l’art (CESR, Tours)

Rhétorique & autonomie du cadre

La sculpture encadrée. Observations sur l’encadrement dans les ensembles sculptés italiens du XVIe siècle, Émilie Passignat, docteur en histoire de l’art (université de Strasbourg/università di Pisa), enseignante à l’università Ca’Foscari, Venezia

La pompe funèbre de Charles III ou les mensonges du cadre, Vincent Dorothée, diplômée de l’École supérieure des arts appliqués Duperré et de l’École Normale supérieure de Cachan, professeur agrégé d’arts appliqués à l’École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art Olivier de Serres (Paris, XVe), doctorant en histoire de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Le frontispice comme encadrement : statuts et fonctions d’un système décoratif (Anvers, XVIe-XVIIe siècles), Annelyse Lemmens, doctorante en histoire de l’art à l’université catholique de Louvain

Cadres et encadrements dans l’architecture française à l’Âge classique, Catherine Titeux, architecte DPLG, docteur en histoire de l’art et archéologie de l’université Paris 4-Sorbonne, maître de conférences à l’École nationale supérieure d’architecture de Montpellier

Un ornement mobile et détachable : le cartouche dans les décors modernes, Caroline Heering, docteur en histoire de l’art de l’université catholique de Louvain, post-doctorante dans le cadre du projet Ornamenta Sacra (Belspo)

Perméabilité du cadre

Portes, cadres, ornements et figures feintes dans les systèmes décoratifs maniéristes italiens, Édouard Degans, membre associé au Centre François-Georges Pariset (université de Bordeaux Montaigne)

De la peinture au relief : à propos des ignudi de la Sala Regia du Vatican, Nicolas Cordon, docteur en histoire de l’art, université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne

Tapisseries réelles et feintes : dispositifs d’encadrement dans la série du Triomphe de l’Eucharistie de Rubens, Kristen Adams, doctorante à l’université de Ohio State (traduit de l’anglais par Caroline Heering)

Le cadre et son double : le jeu des peintures sur miroirs en Italie au XVIIe siècle, Sandra Bazin-Henry, docteur en histoire de l’art de l’université de Paris 1, Panthéon-Sorbonne

Conclusion

 

“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions

“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions, essais réunis par Adriana Sotropa et Myriam Métayer, Paris, Éditions Esthétiques du Divers, 2019, 189 p. 10 ill.

Le présent recueil explore l’influence du « presque » et de l’« autrement » de la traduction sur les développements de l’histoire de l’art, du XVIe siècle à son institutionnalisation au XIXe siècle, jusqu’à ses pratiques actuelles. Les rapports franco-allemands, dans la continuité des transferts culturels, et la question de la diffusion de la langue anglaise, dans le sillage de l’histoire globale de l’art, dominent l’actualité de la recherche dès lors qu’il s’agit de conjuguer histoire de l’art et traduction. Pourtant ce champ d’étude reste encore très largement à explorer et pourrait reconfigurer une certaine appréhension de l’histoire de l’art. En effet, par son caractère pluriel, la traduction offre toute latitude pour analyser des contextes, des situations et des acteurs que l’historiographie ne met pas toujours en évidence. Comment arrivent, dans une autre langue, une autre culture ou un autre temps, les idées et les discours originaux d’un historien de l’art ? Quels écarts, quelles relectures, quels sens nouveaux les séparent-ils de leurs traductions ? Les essais réunis ici abordent ces questions en mettant en évidence l’irrémédiable imbrication des langues, des pratiques d’écritures, des moyens de diffusion et des acteurs de la traduction…

SOMMAIRE

Introduction

Traductions et reconfigurations de l’histoire de l’art, par Myriam Métayer et Adriana Sotropa, maîtres de conférences en histoire de l’art contemporain, université Bordeaux Montaigne

Études

De la récréation à la souricière : traduire le Dialogo di pittura de Paolo Pino, Pascale Dubus, maître de conférences HDR à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne

Sur quelques problèmes de traduction. De la Stille de Winckelmann aux Nachleben de Warburg, Paul Bernard-Nouraud, docteur en histoire et théorie de l’art de l’EHESS

L’intrusion dans l’œuvre : les traductions françaises de John Ruskin et de Joshua Reynolds au début du XXe siècle, Julie Lageyre, doctorante en histoire de l’art, université Bordeaux Montaigne

L’art et le langage. Julius Meier-Graefe (1867-1935) et le problème de la traduction, Catherine Krahmer, historienne de l’art

Figures de l’ombre ? Trois traductrices dans l’historiographie de l’art en Europe ( XIXe– XXe siècle), Charlotte Foucher Zarmanian (docteure en histoire de l’art, chargée de recherches au CNRS – UMR 8238) et Émilie Oléron Evans (docteure en études germaniques et lecturer en culture visuelle du monde francophone à Queen Mary, University of London)

Quelle(s) langue(s) pour la muséographie ? Réflexions sur la place de la traduction à l’OIM et dans sa revue Mouseion, Pauline Michaud, doctorante (Paris 1, École du Louvre)

Traductions, transferts méthodologiques et construction d’une histoire de l’art internationale : quelques cas français et italiens, Émilie Passignat, docteure en histoire de l’art, enseignante à l’Università Ca’Foscari Venezia

Au-delà des stratégies éditoriales en temps de censure. Meridiane (1960-2006), maison d’édition bucarestoise, Adriana Sotropa et Myriam Métayer

  • Annexe : collection Biblioteca de Arta (1967-2003), publiée par Meridiane

Entretien

À la croisée des langues, Julie Ramos, maître de conférences à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne


Au pied du mur. Bâtir le vide autour des villes (XVIe-XVIIIe siècles)

Émilie d’Orgeix, directrice d’études à l’École pratique des Hautes Études (Histara, EA 7347), membre du Centre F.-G. Pariset jusqu’en 2018, vient de publier cet ouvrage chez Mardaga, avec une préface d’Antoine Picon (École nationale des ponts et chaussées, Harvard University).

Dans la ville corsetée d’Ancien Régime où “les bourgeois sont, pour ainsi dire, les uns sur les autres” selon Vauban, les terrains situés au-delà de l’enceinte attisent toutes les convoitises. Si l’administration militaire impose officiellement l’établissement d’une zone non aedificandi où toute construction est interdite – vaste anneau périphérique qui ne cesse de s’élargir au cours des XVIIe et XVIIIe siècles -, l’ensemble des archives dévoile une réalité de terrain bien différente. Au pied des remparts, agents du roi, administrateurs municipaux, gestionnaires militaires et habitants se livrent une guerre sans merci pour s’approprier des espaces où tous se considèrent comme légitimes. La zone, souvent interlope, toujours bruyamment revendiquée par la population, bruisse d’infractions et de “petits arrangements” entre voisins de tout rang et de tout bord. Loin du portrait policé qu’offre la cartographie officielle, il n’y est question que de potagers clandestins établis dans les fortifications, de lavoirs, d’étendoirs, de mares à canards et même de futaies à haut vent plantées sur les glacis qui entravent les tirs depuis les bastions.

Gendarmer les populations n’est pourtant pas le seul défi auquel doit répondre l’administration militaire. Sur “les dehors” des villes, les ingénieurs du roi se retrouvent confrontés à des travaux titanesques impliquant la gestion simultanée d’un grand nombre de corps bâtisseurs et ouvriers, le transport de centaines de milliers de mètres cubes de terre, la construction d’imposants ouvrages militaires et l’établissement de terrains pouvant être rapidement inondés en cas d’attaque. Au fil des décennies, la lente expertise qu’ils acquièrent en fait le principal outil d’un système de modélisation du territoire qui transforme durablement la physionomie des villes.

Cet ouvrage traite ainsi de la construction des marges de la ville à l’époque moderne, tout en allant bien au-delà. Il illustre combien la périphérie urbaine, dont la naissance est encore souvent associée aux mutations de l’ère industrielle, a en réalité constitué l’un des principaux laboratoires de la fabrique urbaine d’Ancien Régime, reconstruisant par là même la généalogie brisée entre villes modernes et contemporaines.