Élèves & maîtresses. Apprendre et transmettre l’art (1849-1928), sous la direction de Marion Lagrange et Adriana Sotropa, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, 2022, 127 p., 53 ill.
Existe-t-il une spécificité de l’enseignement artistique au féminin ? À la fin du XIXe siècle, un nombre croissant de femmes accèdent à une professionnalisation, de la miniature au tableau de chevalet, en passant par la gravure. Certaines envisagent la pratique artistique sans avoir la nécessité d’en vivre, mais avec tout autant d’implication, rejetant le statut d’amatrices dans lequel on voudrait les circonscrire. En outre, l’artiste comme enseignante, souvent invisibilisée, occupe une place non négligeable dans les processus d’apprentissage. Cette mosaïque de profils et de trajectoires a pu émerger par le biais d’enseignements où la différenciation sexuée et la hiérarchisation des objets sont encore prégnantes. Appréhender cette histoire nécessite une déconstruction des schémas narratifs et une refonte des conventions linguistiques, l’introduction du mot maîtresse pouvant en faire partie.
Huit approches monographiques, études de cas d’élèves femmes, de maîtres et de maîtresses, à la tonalité parfois intimiste, entendent questionner la formation auprès d’un homme ou d’une femme. Des éléments de compréhension des relations et des enjeux qui s’établissent au sein de l’atelier, dans un contexte d’émancipation féminine, y seront également apportés.
SOMMAIRE
Préface – Séverine Sofio et Julie Verlaine
Dans les coulisses de l’enseignement artistique au féminin – Marion Lagrange et Adriana Sotropa
APPRENTISSAGE(S) GENRÉ(S)
L’atelier parisien de Félix-Joseph Barrias (1822-1907) et la formation des artistes femmes – Margarida Güell-Baró
Une élève à la recherche d’un maître : Dorothy Tennant (1855-1926) et Jean-Jacques Henner (1829-1905) – Mathilde Leduc
Juliette Roche (1884-1980) à l’académie Ranson. Une émancipation au prisme des maîtres – Fériel Dridi
TRANSMISSION(S) AU FÉMININ
Delphine de Cool (1830-1921), artiste et enseignante – Dominique Lobstein
Du Muséum à l’université des arts : l’enseignement de Madeleine Lemaire (1845-1928) – Michaël Vottero
Amélie Beaury-Saurel (1848-1924) : maîtresse et “férule bienveillante” à l’académie Julian – Magdalena Illán Martín et Custodio Velasco Mesa
Gabrielle Debillemont-Chardon (1860-1957). Grande maîtresse en miniature – Camille Lesbros
Professeures “spinsters” : Constance Mary Pott (1862-1957) et Laura Sylvia Gosse (1881-1968) – Camille Belvèze
Jalons pour une histoire de l’enseignement des artistes femmes (1849-1928) – Marion Lagrange
Gilles Ragot, Maisons des bords de mer. Modernité et régionalisme en Charente-Maritime 1945-1980, Paris, Hermann, coll. “Architectures contemporaines”, 2023, 235 p., 262 ill.
Fruit d’un programme de recherche lancé et financé par le Conseil d’architecture, d’urbanisme et de l’environnement de Charente-Maritime (CAUE), cet ouvrage constitue l’aboutissement de cinq années d’inventaire et de travail documentaire. Il a été récompensé du prix de l’Académie de Saintonge et du prix Pèlerin du livre régional.
Villa “Oasis”, rebaptisée villa “Boomerang” par l’usage populaire, Pierre Marmouget architecte, 9 allée Georges à Royan, 1955
Au cours des Trente glorieuses, l’émergence de la civilisation des loisirs voit se démocratiser les vacances, auparavant réservées à une frange aisée de la société. Cette profonde mutation économique et sociologique invite les architectes, mais aussi les entrepreneurs-concepteurs, à réinventer la résidence balnéaire qui, de villa cossue, devient une maison de vacances accessible au plus grand nombre. Le littoral de Charente-Maritime se révèle un riche territoire d’expérimentation, d’autant plus que la guerre a fait table rase de vastes secteurs de villégiature à Royan et dans ses communes limitrophes. L’architecture moderne, jusque-là absente des stations balnéaires – hormis dans sa déclinaison art déco -, y fait une entrée remarquée et renouvelle les codes de la villa de bord de mer, dont témoignent certains ouvrages exceptionnels. Le régionalisme, paradoxalement importé du sud-ouest basco-landais au cours des années vingt, livre également encore quelques réalisations de qualité. Toutefois, ici comme ailleurs sur tout le territoire, l’enjeu est quantitatif et la conception de la nouvelle villa balnéaire n’échappe pas à la réflexion plus large sur la production de la maison individuelle dont rêvent les Français.
Villa “Ombre blanche”, Claude Bonnefoy architecte, 70 boulevard Frédéric Garnier à Royan, 1958-1959
S’appuyant sur un corpus de 12 000 maisons identifiées dans les communes du littoral de Charente-Maritime, cet ouvrage retrace l’évolution de la villa balnéaire en simple maison de bord de mer. Il montre comment le rejet de l’architecture moderne et du régionalisme conduit dans les années soixante-dix à une banalisation des types et à la production d’une maison ordinaire, ainsi qu’à la revalorisation des caractères de l’architecture traditionnelle locale et l’invention d’une postmodernité vernaculaire créative.
SOMMAIRE
Avant-propos – Michel Gallice
I. Une maison singulière conjuguée au pluriel
Définition d’un corpus
Maison singulière et maison ordinaire
Un corpus de 12 000 maisons
II. Les derniers feux du classicisme et du régionalisme 1945-1965
Architecture balnéaire en Charente-Inférieure avant la seconde guerre mondiale
Disparition de la culture historiciste dans la villégiature d’après-guerre
Permanence et disparition du régionalisme balnéaire sur le littoral charentais
III. Une modernité inventive 1945-1965
Émergence d’une architecture balnéaire moderne
Une modernité de rupture : le secteur de Royan 1945-1960
Modernité de rupture hors du secteur de Royan
IV. La banalisation des types 1960-1980, le boom des congés payés
Artistes voyageuses. L’Appel des lointains (1880-1944), sous la direction d’Ariele Pélenc, avec la collaboration de Marion Lagrange, Paris, Édition Snoeck, 2022, 264 p.
Cet ouvrage est publié au regard de l’exposition éponyme qui se déroule au palais Lumière à Évian du 11 décembre 2022 au 21 mai 2023, puis au musée de Pont-Aven, du 24 juin au 5 novembre 2023.
Alix Aymé, Affiche L’Annam, 1930, lithographie, 110 x 76 cm, coll. Ferrier-Lacombe
Dès la fin du XIXe siècle, un nouveau contexte, généré par les premiers mouvements féministes, encourage les femmes à s’affirmer hors de l’espace domestique, et promeut l’image d’une « femme nouvelle » actrice de son destin. Leur formation académique, effectuée à l’École des beaux-arts ou dans des académies privées, permet aux artistes femmes d’acquérir un statut professionnel, d’exposer aux salons, d’obtenir des bourses de voyage, de satisfaire aux commandes des Expositions universelles ou des expositions coloniales, comme à celles des compagnies maritimes.
Parallèlement, on observe un renouveau d’intérêt pour l’orientalisme, stimulé par le tourisme d’hivernage, notamment à Biskra, et encouragé par les expositions de la Société des peintres orientalistes français auxquelles participent Marie Caire-Tonoir, Marie Lucas-Robiquet et Andrée Karpelès.
À partir des années vingt, ce sont les territoires de « la plus grande France » qui invitent de nombreuses artistes aux voyages, de l’Afrique équatoriale à Madagascar, jusqu’à la péninsule indochinoise. C’est le cas de Marcelle Ackein, Alix Aymé, Monique Cras, Marthe Flandrin, Anna Quinquaud, Jane Tercafs et Jeanne Thil. D’autres voyagent jusqu’au Tibet et en Chine, telles Alexandra David-Neel, Léa Lafugie et Simone Gouzet. Pour Denise Colomb et Thérèse Le Prat, le voyage devient le moteur d’une carrière de photographe.
L’exposition s’intéresse également aux rares artistes n’appartenant pas à la culture occidentale qui ont voyagé : les Chinoises Fan Tchunpi et Pan Yuliang venues étudier aux Beaux-Arts de Paris, puis séjournant en Europe et en Chine. Contrairement aux récits des grandes voyageuses du XIXe siècle qui parcouraient le monde, du Spitzberg au Cap Horn, les itinéraires empruntés par ces artistes suivent la carte de l’expansion hégémonique européenne, et plus particulièrement celle de la colonisation française sous la Troisième République. Le regard des artistes femmes est sans conteste différent de leurs homologues masculins. La présence de nombreux portraits indiquent leur recherche d’une proximité avec les populations rencontrées, notamment celle des femmes dans leurs vies quotidiennes, auxquelles elles ont plus facilement accès. Si cette traversée d’un monde colonisé est exempte d’une vision raciste et caricaturale, elle ne s’accompagne pas pour autant d’une remise en question de la « mission civilisatrice » de la France. Lucie Cousturier est la seule, parmi les artistes, à critiquer le système colonial. Sa vie a basculé lorsqu’elle rencontre en 1916 des tirailleurs africains, installés dans un camp militaire près de sa maison à Fréjus. Elle leur apprend bénévolement le français et se lie d’amitié avec plusieurs d’entre eux. En 1921, elle embarque à Marseille pour un voyage de dix mois, du Sénégal au Soudan français. Mes inconnus chez moi (1920) et Mes inconnus chez eux (1925) sont les récits de cette aventure humaine.
Cette exposition réunit une trentaine d’artistes et de photographes, de la « Belle Époque » à la seconde guerre mondiale, dont les itinéraires artistiques ont emprunté les routes de l’ailleurs. Le catalogue articule des essais thématiques avec des notices biographiques sur les artistes femmes qui sillonnent l’exposition.
Femmes nouvelles, nouvelles artistes
L’Orient des voyageuses
Un entre-deux-guerres en « Orient »
De Paris à Madagascar : nouveaux territoires d’exploration artistique
Du voyage à l’exil : artistes chinoises
Itinéraires asiatiques : entre exotisme et ethnographie
Les artistes
Hélène Dufau, Amélie Beaury-Saurel, Jane Dieulafoy, Virginie Demont-Breton, Marie Caire-Tonoir, Grace Ravlin, Marie-Lucas Robiquet, Andrée Karpelès, Marcelle Rondenay, Suzanne Drouet-Réveillaud, Jeanne Thil, Marguerite Barrière-Prévost, Yvonne Mariotte, Geneviève Barrier-Demnati, Renée Bernard, Zofia Piramowicz, Marthe Flandrin, Lucie Cousturier, Anna Quinquaud, Marcelle Ackein, Jane Tercafs, Suzanne Létorey-Dumond, Raymonde Heudebert, Monique Cras, Odette du Puigaudeau, Thérèse Le Prat, Pan Yuliang, Fan Tchupi, Alix Aymé, Marie-Anoinette Boullard-Devé, Denise Colomb, Suzanne Bonnal de Noreuil, Élise Rieuf, Léa Lafugie, Simone Gouzé, Alexandra David-Neel.
Dominique Jarrassé, Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du divers, 2022, 226 p.
Chef-d’œuvre de la sculpture des années 1930, le bas-relief qui couvre la façade de l’ancien musée des Colonies, aujourd’hui, palais de la porte Dorée, est réalisé par Alfred Janniot pour l’Exposition coloniale de 1931. Sommet de l’art colonial, il demeure méconnu.
Dans un contexte d’appel au déboulonnage des statues liées à la colonisation, cet essai propose, posément et avec rigueur, une lecture approfondie et contextualisée de ce lieu majeur de notre mémoire coloniale où s’entremêlent fictions, idéologies, exaltation de la beauté et de la diversité…
Une postface dénonce, moins posément, le « boniment des placiers en produits [dé]coloniaux » et des nouveaux censeurs qui restaurent dénis et tabous.
SOMMAIRE
Avant-propos
Introduction
1. Aux marches du palais
Un non-lieu de mémoire ?
Des lectures dérivées
1931, tournant anthropologique ?
Un chef-d’œuvre de l’Art Déco ?
2. Le chef-d’œuvre de l’art colonial n’est pas l’œuvre d’un “artiste colonial”
Pied de nez à la corporation
Le projet de Laprade et le rôle assigné à la sculpture
Le choix d’ “un” sculpteur
L’Unique et sa propriété
3. Mise en abyme de l’empire et de l’exposition
Angle Sénégal/Madagascar
Le programme iconographique du palais
Un atlas colonial
Mise en abyme et synthèse
4. Composition d’une fiction coloniale
“Le bas-relief est une œuvre de fiction”
Une “colonialité fictive”
Plastique et propagande
5. Tentative d’épuisement d’un bas-relief
Bas-relief ouest : Amérique-Océan Indien
Bas-relief sud-ouest : Afrique
Bas-relief est : Annam-Tonkin-Océanie
Bas-relief sud-est : Indochine
Portail central : la métropole
6. Modèles plastiques et sources documentaires
Un modèle “oriental hindou-khmer”?
Dictat réaliste et poids des sources
Une démarche naturaliste ?
7. Une poétisation du monde colonial par ellipse
Absence de troupes et de missionnaires
Les races
Les Travaux et les Jours
La culture de l’hévéa (Indochine)
8. Une esthétique du divers
Exotique versus colonial
Un refus de l’histoire ?
Esthétique et domination
La nostalgie du Divers ?
9. Réceptions : puissance de l’image
Chronique d’un succès annoncé
Autorité des photos de Gilbert
Les méandres de la réception contemporaine
Postface : “Magnifique boniment de placiers en produits [dé]coloniaux”
Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.
Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884
S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.
Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.
Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88
SOMMAIRE
Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon
Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon
En famille
Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon
Redon & Peyrelebade : l’œil du maître – L. Houssais
Odilon Redon à ses débuts
« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887) – P. Pinchon
Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon
Portfolio
Trois carnets inédits – Fred Leeman
Nuancier à visages – D. Gamboni
« Léonard devient scie » – D. Gamboni
Mémoires d’atelier
« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni
Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott
Charline Coupeau, La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle, Rennes, PUR, 2022, 318 p.
Convoquant plusieurs sciences humaines et s’appuyant sur de vastes sources – traités, manuels de savoir-vivre, dictionnaires spécialisés, rapports d’expositions, correspondances et chroniques journalistiques –, cet ouvrage entend définir les contours d’une ontologie du bijou afin de sonder la diversité des relations dans lesquelles il se trouve impliqué. Grâce à une conceptualisation pluridisciplinaire, il convient de montrer que le bijou est un moyen d’investigation pour comprendre la période complexe et chargée en rebondissements qu’est le XIXe siècle. En effet, médium polysémique complexe et fortement connoté, le bijou de ce siècle permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension et, en somme, un véritable microcosme. Que dit-il du XIXe siècle ? S’articulant autour de trois directives : objet, corps et matière, la dialectique mise en place tente de montrer toute la richesse et la singularité de la bijouterie de cette époque en France. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes, ils sont les référents immuables que cette étude propose de faire découvrir.
SOMMAIRE
Objet d’histoires
La bijouterie, une Histoire qui s’écrit
Ciseler le verbe : la mise en histoire du bijou au XIXe siècle
Un discours estampé par les bijoutiers
Une presse orfévrée
Facetter le discours : sertissage plurisdisciplinaire dans les études du XXe siècle
La culture de l’apparence
Culture matérielle : pour une écriture visuelle du bijou
Parure du corps
Bijoux à corps et accords joailliers
Le devoir de conformité
Voir et être vu
Les codes de la représentativité
L’art de la distinction
Le souci d’apparat : bijoux et excessive mise en scène
Séduis-moi si tu peux
La boîte de Pandore
Les maux du bijou, pathologies de l’esprit
Bijou, crise et cartharsis
Langage du cœur : le bijou, confident intime
Le pouvoir mnémonique de la parure
Le coffret symbolique
Par-delà l’ornement, le talisman
Matériau de l’œuvre d’art
Les mutations du métier : économie, technique et création
Un marché transfiguré : fluctuations et évolutions du secteur bijoutier
« Tout ce qui brille n’est pas d’or »
Des produits diversifiés : entre mécanisation et tradition
De l’objet à l’œuvre d’art, le nouveau statut du bijou
Dans l’atelier du bijoutier
Une sauvegarde du métier par l’enseignement
Sculpturalité poétique et sonorités colorées : précieuses corrélations artistiques
François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818), sous la dir. d’Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier, Paris, Éditions Picard, 2021. 256 p., 217 ill.
Construire Bagatelle en trois mois : ce pari fou – et réussi – entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François-Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode qui, aux côtés de Ledoux, Chalgrin, De Wailly et Brongniart, fut parmi les architectes les plus talentueux de son temps.
Il excella tout particulièrement dans la conception de l’habitat et des jardins, livrant alors quelques-unes des demeures les plus remarquées de l’Ancien Régime. Mais Bélanger ne fut pas seulement le chef d’orchestre des plaisirs d’un monde finissant : au cours de sa carrière, il traita aussi les programmes les plus divers tels que lotissements, halles, abattoirs, bains publics ou encore salles de spectacle ; il sut répondre également aux nouveaux défis de l’architecture en expérimentant de façon audacieuse des matériaux tels que le fer et la fonte à la Halle au blé.
L’architecte – qui n’a jamais fait le voyage à Rome mais qui s’est rendu à trois reprises en Angleterre – fit preuve d’une grande curiosité. Des embellissements urbains à la tabatière en passant par la petite maison ou la voiture hippomobile, la carrière de Bélanger offre une matière riche qui interroge les frontières de sa discipline.
SOMMAIRE
Préface. Monographie d’un polyarchitecte – Jean-Philippe Garric
Introduction
Les femmes de Bélanger – Olivier Blanc
Carrière, honoraires et fortune – Dominique Massounie
La collaboration avec Jallier de Savault (1772-1775) – Yvon Plouzennec
Les dîners de la « société académique » : une chimère aux premières heures de l’Empire – Yvon Plouzennec
Au service des princes
Bélanger décorateur des Menus Plaisirs : une expérience fondatrice – Sandra Bazin-Henry
Meubles et pièces d’orfèvrerie pour la corbeille de mariage de Marie-Antoinette– Vincent Bastien
Le « grand carrosse du corps du roy » pour le sacre de Louis XVI – Alexia Lebeurre
François-Joseph Bélanger, Projet de décoration pour le sacre de Louis XVIII à Reims, élévation d’une structure avec le trône, 1814. Graphite, plume et encre, aquarelle, 74,9 x 55,9 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art
Premier architecte d’un prince du sang : au service du comte d’Artois – Anaïs Bornet
Saint-Germain-en-Laye et Maisons : les grands projets pour le comte d’Artois – Étienne Faisant
Bagatelle : le pari fou d’un libertin – Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier
Le lotissement du fief d’Artois – Francesco Guidoboni
Les écuries du comte d’Artois au faubourg du Roule – Christophe Morin
Les écuries d’Artois et la maison de l’architecte à Fontainebleau – Vincent Droguet
L’obélisque du Pont-Neuf – Yvon Plouzennec
1814, le « retour à l’ordre » ou les fastes de la Restauration – Adrian Almoguera
Projet pour le sacre de Louis XVIII à Reims, 1814 – Jean-Philippe Garric
Un architecte à la mode
Sentimental et spéculateur : Bélanger et l’habitat – Claire Ollagnier
La folie Sainte-James à Neuilly – Marie-Geneviège Lagardère
Les maisons parisiennes, architecture remarquable et remarquée (1789-1809) – Charlotte Duvette
Les lotissements de petite envergure : projets et réalisations – Charlotte Duvette
Armand-Parfait Prieur d’après François-Joseph Bélanger, Salle de bains et boudoir de la maison de Mlle Dervieux, vers 1792-1793. Eau-forte et aquarelle, 49,9 x 32,2 cm. Paris, musée Carnavalet.
La décoration intérieure ou les charmes de la variété – Alexia Lebeurre
Une architecture osée : le goût arabesque chez Mlle Dervieux – Iris Moon
La cheminée réinventée – Emmanuel Sarméo
Raffinements mobiliers : la griffe de l’architecte – Alexia Lebeurre
Le goût des matériaux luxueux : les pierres dures et les marbres – Sophie Mouquin
Le goût des matériaux luxueux : l’acajou – Jean-François Belhoste
Jardins et architecture pittoresque
Bélanger, « jardineur » de la modernité – Monique Mosser
Le jardin du prince de Ligne à Belœil – Nathalie de Harlez de Deulin
Les voyages en Angleterre : sensations sublimes et pittoresques – Sigrid de Jong
Le parc de la Folie Sainte-James – Pierre-Antoine Gatier
Ce que le jardin de Méréville nous dit de Bélanger – Nicole Gouiric
Un hymne à la liberté pour Beaumarchais – Maryline Assante
François-Joseph Bélanger, Projet pour l’entrée du jardin Beaumarchais sur le boulevard Saint-Antoine, vers 1789. Plume, lavis et aquarelle, 20,2 x 33 cm. Paris, BNF.
Une amitié des Lumières : l’architecte et le « botaniste-filosophe » – Nicole Gouiric et Monique Mosser
Chez Monsieur et Madame Bélanger à Santeny – Nadine Villalobos
L’utile et l’agréable au jardin de Monsieur Le Picard – Nadine Villalobos
Équiper la ville
Les projets d’Opéra pour la réunion du Louvre et des Tuileries (1781-1809) – Daniel Rabreau
Le projet de place Louis XVI au Louvre – Alexandre Gady
Bélanger et la scène – Marc-Henri Jordan
François-Joseph Bélanger, Projet du Grand théâtre des Arts ou Temple d’Apollon au Carrousel, vue perspective, 1789. Eau-forte et aquatinte, 28,5 x 49 cm. Paris, BNF
Entretien et sécurité à la Bibliothèque nationale – Pauline Chougnet
Les bains Vigier : rebâtir une carrière au service de l’utilité publique sous le Directoire – Ronan Bouttier
Un sanctuaire pour le dieu Apis : les projets d’abattoirs (1805-1811) – Pauline Chougnet et Pierre Coffy
Approvisionner la ville sous l’Empire : la halle aux vins – Pierre Coffy
L’inlassable essayeur de matériaux – Jean-François Belhoste
La coupole en fonte et fer forgé de la Halle au blé (1809-1813) – Matteo Porrino
Une absence : la commande religieuse – Emmanuelle Bordure
Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940, sous la direction de Jérôme Delaplanche et Dominique Jarrassé, Rome, Académie de France à Rome – Villa Médicis, coll. Histoire de l’art, 2020, 271 p.
Réécrire l’histoire de l’art du premier XXe siècle en y intégrant des tendances longtemps écartées au nom d’un dictat moderniste qui s’est érigé en norme absolue du droit d’entrer ou non dans l’histoire, tel est l’objectif des auteurs de cet ouvrage, conscients de la nécessité non pas tant de dénoncer les -ismes ou la suprématie du moderne que de remettre à leur place les productions figuratives entre 1905 et 1940, en privilégiant celles, souvent décriées, des Prix de Rome.
Yves Brayer (1907-1990). Séminaristes allemands à Rome. Huile sur toile, 1932. Paris, musée Carnavalet.
Cela permet de découvrir des artistes bien plus originaux et divers que ne le laisse prévoir le discours convenu, et il semble, dès lors, bien vain de se demander s’ils étaient académiques, antimodernes, modernes qui s’ignorent, voire d’arrière-garde…
Et s’ils représentaient une tradition révolutionnaire, propre à faire exploser les rhétoriques et les positionnements idéologiques de notre discipline ? Cette réécriture passe par les trois phases qui ordonnent ce livre. En premier lieu, est proposé un examen critique des notions clés et des catégories historiographiques, d’ “académisme” à “tradition” en passant par “décoratif” ou “moderne”, pour échapper aux impasses.
La démarche historiographique est ensuite complétée par une contextualisation des œuvres qui privilégie le cadre des directorats de l’Académie de France, car elles subissent les interférences de la politique franco-italienne particulièrement complexe, certain directeur se posant même en ambassadeur… Enfin, les auteurs s’attachent à cerner les valeurs spécifiques défendues par les artistes passés par la Villa Médicis, figuration, métier, dessin, monumentalité… préoccupations que ces artistes partagent avec leur temps et auxquelles ils offrent des réponses.
SOMMAIRE
Avant-propos – Jérôme Delaplanche
Suivre la tradition serait-il révolutionnaire ? – Dominique Jarrassé
Dictionnaire
Académisme – Louis Deltour
Antimodernes ou non modernes ? – Dominique Jarrassé
Art Déco – Dominique Jarrassé
Décoratif – Pierre Sérié
Moderne / modernité / modernisme – Claire Garcia
Retour à l’ordre – Dominique Jarrassé
Tradition – Pierre Sérié
Directorats
Albert Besnard ou le directorat du trait d’union (1913-1921) – Sarah Linford
Denys Puech : autonomie de l’Académie de France à Rome, engagement politique et éclectisme esthétique (1921-1933) – Dominique Jarrassé
La “Mission à Rome” de Paul Landowski ou la Villa Médicis au temps de l’alliance entre la France et l’Italie fasciste (1933-1937) – Catherine Fraixe
Jacques Ibert, un temps suspendu (1937-1940) – Dominique Jarrassé et Pierre Sérié
Tradition, révolution
Le pouvoir, le mur, l’artiste : éthique et esthétique monumentale des Prix de Rome – Louis Deltour
“Des murs pour les sculpteurs !” – Amélie Simier et Claire Garcia
Dissymétries : dialogues manqués sur la peinture murale, le retour au métier, l’histoire de l’art – Laura Iamurri
Tradition à l’horizon : messianisme réactionnaire d’une poignée de Romains – Pierre Sérié
De la ligne à la chair : les luttes pour la définition d’une pratique du dessin – Louis Deltour
Académies anglo-saxonnes à Rome : résistance à la modernité dans les démocraties libérales en perspective – Pierre Sérié
Conclusion
Vue de Rome – Laura Iamurri
Annexes
Présence des pensionnaires de l’Académie de France à Rome par directorat (1913-1939) – Patrizia Celli
Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, sous la dir. de Dominique Jarrassé et Sarah Ligner, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du Divers, 2021, 208 p.
À la suite de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui avait révélé les richesses, longtemps enfouies, d’œuvres à sujets exotiques et coloniaux, cet ouvrage propose un nouveau regard sur les productions artistiques en situation coloniale, loin de celui des prêcheurs de repentance et des déboulonnages, ou encore des nostalgiques. Les Arts coloniaux donne une définition de ce champ méconnu ou instrumentalisé, en privilégiant les circulations, celle des artistes comme des notions ou des pratiques, celle des artefacts et leur mise en collection. Ces processus ont provoqué une mondialisation artistique qui a durablement modelé les imaginaires et les mémoires. Sans nier les messages ouvertement colonialistes, ni les appropriations, sans écarter non plus ce qui se joue d’émerveillement devant la beauté et la diversité du monde, il s’agit de contextualiser pour comprendre.
SOMMAIRE
Ouverture – Dominique Jarrassé et Sarah Ligner
Circulations. Images, appropriations, expositions
Des arts coloniaux. Notion extensive et affinités appropriatives – Dominique Jarrassé
Le portrait à Saint-Domingue – Carlo A. Célius
Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires (1871-1958) – Sophie Leclercq
Identité africaine et idéologie coloniale. Les expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1939) – Marion Lagrange
Notice. Artiste “indigène”, “musulman”, “africain” – ML
Annexe. Expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1956) – ML
Au service de l’Empire. La promotion des arts coloniaux dans les Salons de la France d’Outre-Mer – Laurent Houssais
“Y a-t-il un art à Madagascar ?” Circulation et réception de la création malgache en France durant la période coloniale – Alexandre Girard-Muscagorry
Notice. De l’artisanat colonial à l’art contemporain africain : les poteaux de Jean-Jacques Efiaimbelo – A G-M.
Suzanne Truitard, couverture de Togo-Cameroun, avril 1930
Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres. Les arts du Cameroun vus par Suzanne Truitard – Isidore Pascal Njock Nyobe
Notice. Togo-Cameroun, un magazine de propagande – I. P. N.N.
La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France. Les graines de la rébellion artistique 1943-1945 – Christelle Lozère
Collections. Une transmission suspendue et retrouvée ?
Les arts coloniaux sous le prisme des collections – Sarah Ligner
Des collections réinventées pour un palais déshérité – Hélène Boccard
Un musée précurseur. Les collections d’art colonial du musée des Années trente – Claire Poirion
De l’Algérie en peinture à la peinture en Algérie, au prisme d’une collection – Florence Hudowicz
De la “mission civilisatrice” au “réveil des arts indigènes”. Dessins d’écoliers dans les colonies – Mathilde Allard
“Premiers essais de tailleurs d’images chrétiens en Afrique”, Le Patriote illustré, 11 octobre 1931
De l’Afrique à la Bretagne. Arts missionnaires, arts coloniaux : une mission et un destin commun ? – Gwenaël Ben Aissa
Notice. Musée spiritain des arts africains à Allex – G. B. A.
Administration des artistes, des œuvres et de leur exposition dans l’Empire colonial français. Quelles sources aux archives nationales ? – Pascale Riviale et Clothilde Roullier
Expositions et culture coloniale. Les Arts en Tunisie sous le Protectorat, sous la direction de Laurent Houssais et Dominique Jarrassé, Paris, Éditions Esthétiques du Divers, 2020, 302 p.
Faisant suite à “Nos artistes aux colonies”. Sociétés, expositions et revues dans l’empire français (1851-1940), ce volume poursuit l’étude des arts coloniaux en se concentrant sur un pays, la Tunisie. Ce champ d’étude favorise une approche élargie des arts, tant beaux-arts qu’artisanat ou “arts indigènes”, en contexte colonial. Entre 1881 et 1956 se construit progressivement un système colonial des arts qui repose sur trois piliers principaux : le Salon tunisien, dont l’histoire s’échelonne de 1894 à 1984, l’École des beaux-arts de Tunis, créée en 1923, l’Office des arts tunisiens, qui entendait sauvegarder et promouvoir l’artisanat. En revanche, aucun musée des beaux-arts qui eût complété le musée du Bardo consacré à l’archéologie et aux arts arabes, n’a été mis en place et cette lacune se fait sentir encore aujourd’hui. L’originalité de la situation tunisienne tient enfin à l’apparition, dès les années 1930, d’artistes qui, sans discrimination, élaborent une scène artistique originale, incarnée par la fameuse “École de Tunis”, dont le dynamisme perdure après l’indépendance.
Armand Vergeaud et ses élèves à l’exposition de l’Association des élèves, anciens élèves et amis du Centre d’enseignement d’art, 1929, musée d’Angoulême
Ce livre engage, sur la base d’un important travail documentaire, une réflexion sur la fabrication d’une image de la Tunisie à travers les expositions comme sur son identité plurielle. Nourri d’une démarche historiographique critique, il contribue à la nécessaire réécriture d’une histoire de l’art en Tunisie, encore très lacunaire.
SOMMAIRE
Avant-propos
Introduction
Ré)écrire l’histoire des arts en situation coloniale – Laurent Houssais et Dominique Jarrassé
Mise en scène des “arts indigènes” et images de la Tunisie
Identité tunisienne et artisanat dans les expositions internationales et coloniales (1851-1939) – Dominique Jarrassé
Salons et expositions d’art industriel à Tunis (1896 et 1898) – Clara Álvarez Dopico
Art et artisanat tunisiens selon Victor Valensi. Ses pavillons d’expositions internationales (1925, 1931 et 1937) – Dominique Jarrassé
L’Œuvre de l’Office des arts tunisiens : de l’exposition propagandiste à la muséographie patrimonialisante – Mohamed-Ali Berhouma
Sociétés, écoles et expositions artistiques dans la Tunisie coloniale
Un Salon pour Tunis (1894-1939) : retours sur une histoire – Laurent Houssais
La fabrique des artistes “tunisiens”. L’institutionnalisation d’une École des beaux-arts durant le Protectorat (1923-1956) – Marion Lagrange
Défaire une histoire de la peinture tunisienne : l’ “École de Tunis” (1936-1956) – Marion Lagrange
Les expositions à travers la presse tunisienne
Notes sur quelques figures de la critique d’art dans la presse tunisienne francophone – Alain Messaoudi
Actualité et communauté italienne : l’activité de la Société Dante Alighieri et de la presse italophone – Silvia Finzi et Sonia Gallico
Les expositions dans la presse juive tunisienne et l’émergence d’ “artistes juifs” – Dominique Jarrassé
Annexes
Chronologie
Biographies (Albert Aublet – Pierre Berjole – Pierre Boucherle – Pierre Boyer – Alphonse Clément – André Delacroix – Alexandre Fichet – Gaston-Louis Le Monnier – Paul Proust – Jacques Revault – Armand Vergeaud – Yahia Turki)
Alexandre Roubtzoff, Les Membres de l’institut de Carthage, photographie d’une huile sur toile présentée au Salon tunisien de 1924 et calque d’identification des personnages représentés
Existe-t-il une spécificité de l’enseignement artistique au féminin ? À la fin du XIXe siècle, un nombre croissant de femmes accèdent à une professionnalisation, de la miniature au tableau de chevalet, en passant par la gravure. Certaines envisagent la pratique artistique sans avoir la nécessité d’en vivre, mais avec tout autant d’implication, rejetant le statut d’amatrices dans lequel on voudrait les circonscrire. En outre, l’artiste comme enseignante, souvent invisibilisée, occupe une place non négligeable dans les processus d’apprentissage. Cette mosaïque de profils et de trajectoires a pu émerger par le biais d’enseignements où la différenciation sexuée et la hiérarchisation des objets sont encore prégnantes. Appréhender cette histoire nécessite une déconstruction des schémas narratifs et une refonte des conventions linguistiques, l’introduction du mot maîtresse pouvant en faire partie.
