Archives de catégorie : Publications des membres de l’unité

ARTISTES VOYAGEUSES. L’APPEL DES LOINTAINS (1880-1944)

Artistes voyageuses. L’Appel des lointains (1880-1944), sous la direction d’Ariele Pélenc, avec la collaboration de Marion Lagrange, Paris, Édition Snoeck, 2022, 264 p.

Cet ouvrage est publié au regard de l’exposition éponyme qui se déroule au palais Lumière à Évian du 11 décembre 2022 au 21 mai 2023, puis au musée de Pont-Aven, du 24 juin au 5 novembre 2023.

Alix Aymé, Affiche L’Annam, 1930, lithographie, 110 x 76 cm, coll. Ferrier-Lacombe

Dès la fin du XIXe siècle, un nouveau contexte, généré par les premiers mouvements féministes, encourage les femmes à s’affirmer hors de l’espace domestique, et promeut l’image d’une « femme nouvelle » actrice de son destin. Leur formation académique, effectuée à l’École des beaux-arts ou dans des académies privées, permet aux artistes femmes d’acquérir un statut professionnel, d’exposer aux salons, d’obtenir des bourses de voyage, de satisfaire aux commandes des Expositions universelles ou des expositions coloniales, comme à celles des compagnies maritimes.

Parallèlement, on observe un renouveau d’intérêt pour l’orientalisme, stimulé par le tourisme d’hivernage, notamment à Biskra, et encouragé par les expositions de la Société des peintres orientalistes français auxquelles participent Marie Caire-Tonoir, Marie Lucas-Robiquet et Andrée Karpelès.

À partir des années vingt, ce sont les territoires de « la plus grande France » qui invitent de nombreuses artistes aux voyages, de l’Afrique équatoriale à Madagascar, jusqu’à la péninsule indochinoise. C’est le cas de Marcelle Ackein, Alix Aymé, Monique Cras, Marthe Flandrin, Anna Quinquaud, Jane Tercafs et Jeanne Thil. D’autres voyagent jusqu’au Tibet et en Chine, telles Alexandra David-Neel, Léa Lafugie et Simone Gouzet. Pour Denise Colomb et Thérèse Le Prat, le voyage devient le moteur d’une carrière de photographe.

L’exposition s’intéresse également aux rares artistes n’appartenant pas à la culture occidentale qui ont voyagé : les Chinoises Fan Tchunpi et Pan Yuliang venues étudier aux Beaux-Arts de Paris, puis séjournant en Europe et en Chine. Contrairement aux récits des grandes voyageuses du XIXe siècle qui parcouraient le monde, du Spitzberg au Cap Horn, les itinéraires empruntés par ces artistes suivent la carte de l’expansion hégémonique européenne, et plus particulièrement celle de la colonisation française sous la Troisième République. Le regard des artistes femmes est sans conteste différent de leurs homologues masculins. La présence de nombreux portraits indiquent leur recherche d’une proximité avec les populations rencontrées, notamment celle des femmes dans leurs vies quotidiennes, auxquelles elles ont plus facilement accès. Si cette traversée d’un monde colonisé est exempte d’une vision raciste et caricaturale, elle ne s’accompagne pas pour autant d’une remise en question de la « mission civilisatrice » de la France. Lucie Cousturier est la seule, parmi les artistes, à critiquer le système colonial. Sa vie a basculé lorsqu’elle rencontre en 1916 des tirailleurs africains, installés dans un camp militaire près de sa maison à Fréjus. Elle leur apprend bénévolement le français et se lie d’amitié avec plusieurs d’entre eux. En 1921, elle embarque à Marseille pour un voyage de dix mois, du Sénégal au Soudan français. Mes inconnus chez moi (1920) et Mes inconnus chez eux (1925) sont les récits de cette aventure humaine.

Cette exposition réunit une trentaine d’artistes et de photographes, de la « Belle Époque » à la seconde guerre mondiale, dont les itinéraires artistiques ont emprunté les routes de l’ailleurs. Le catalogue articule des essais thématiques avec des notices biographiques sur les artistes femmes qui sillonnent l’exposition.

  1. Femmes nouvelles, nouvelles artistes
  2. L’Orient des voyageuses
  3. Un entre-deux-guerres en « Orient »
  4. De Paris à Madagascar : nouveaux territoires d’exploration artistique
  5. Du voyage à l’exil : artistes chinoises
  6. Itinéraires asiatiques : entre exotisme et ethnographie

Les artistes

Hélène Dufau, Amélie Beaury-Saurel, Jane Dieulafoy, Virginie Demont-Breton, Marie Caire-Tonoir, Grace Ravlin, Marie-Lucas Robiquet, Andrée Karpelès, Marcelle Rondenay, Suzanne Drouet-Réveillaud, Jeanne Thil, Marguerite Barrière-Prévost, Yvonne Mariotte, Geneviève Barrier-Demnati, Renée Bernard, Zofia Piramowicz, Marthe Flandrin, Lucie Cousturier, Anna Quinquaud, Marcelle Ackein, Jane Tercafs, Suzanne Létorey-Dumond, Raymonde Heudebert, Monique Cras, Odette du Puigaudeau, Thérèse Le Prat, Pan Yuliang, Fan Tchupi, Alix Aymé, Marie-Anoinette Boullard-Devé, Denise Colomb, Suzanne Bonnal de Noreuil, Élise Rieuf, Léa Lafugie, Simone Gouzé, Alexandra David-Neel.

 

François-Georges Pariset et les artistes lorrains dans les collections du palais des ducs de Lorraine-Musée Lorrain

Georges de La Tour, La découverte du corps de saint Alexis, huile sur toile, XVIIe siècle, Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain

Cet article de Pierre-Hippolyte Pénet, conservateur du patrimoine, chargé des collections XVe-XVIIIe siècles au Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, est désormais en ligne sur le carnet Hypothèses dédié à F.-G. Pariset. Il est consultable en ligne et téléchargeable en pdf :

https://fgp.hypotheses.org/category/etudes

 

 

Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée

Dominique Jarrassé, Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du divers, 2022, 226 p.

Chef-d’œuvre de la sculpture des années 1930, le bas-relief qui couvre la façade de l’ancien musée des Colonies, aujourd’hui, palais de la porte Dorée, est réalisé par Alfred Janniot pour l’Exposition coloniale de 1931. Sommet de l’art colonial, il demeure méconnu.

Dans un contexte d’appel au déboulonnage des statues liées à la colonisation, cet essai propose, posément et avec rigueur, une lecture approfondie et contextualisée de ce lieu majeur de notre mémoire coloniale où s’entremêlent fictions, idéologies, exaltation de la beauté et de la diversité…

Une postface dénonce, moins posément, le « boniment des placiers en produits [dé]coloniaux » et des nouveaux censeurs qui restaurent dénis et tabous.

SOMMAIRE

Avant-propos

Introduction

1. Aux marches du palais

  • Un non-lieu de mémoire ?
  • Des lectures dérivées
  • 1931, tournant anthropologique ?
  • Un chef-d’œuvre de l’Art Déco ?

2. Le chef-d’œuvre de l’art colonial n’est pas l’œuvre d’un “artiste colonial”

  • Pied de nez à la corporation
  • Le projet de Laprade et le rôle assigné à la sculpture
  • Le choix d’ “un” sculpteur
  • L’Unique et sa propriété

3. Mise en abyme de l’empire et de l’exposition

Angle Sénégal/Madagascar
  • Le programme iconographique du palais
  • Un atlas colonial
  • Mise en abyme et synthèse

4. Composition d’une fiction coloniale

  • “Le bas-relief est une œuvre de fiction”
  • Une “colonialité fictive”
  • Plastique et propagande

5. Tentative d’épuisement d’un bas-relief

  • Bas-relief ouest : Amérique-Océan Indien
  • Bas-relief sud-ouest : Afrique
  • Bas-relief est : Annam-Tonkin-Océanie
  • Bas-relief sud-est : Indochine
  • Portail central : la métropole

6. Modèles plastiques et sources documentaires

  • Un modèle “oriental hindou-khmer”?
  • Dictat réaliste et poids des sources
  • Une démarche naturaliste ?

7. Une poétisation du monde colonial par ellipse

  • Absence de troupes et de missionnaires
  • Les races
  • Les Travaux et les Jours
    La culture de l’hévéa (Indochine)

8. Une esthétique du divers

  • Exotique versus colonial
  • Un refus de l’histoire ?
  • Esthétique et domination
  • La nostalgie du Divers ?

9. Réceptions : puissance de l’image

  • Chronique d’un succès annoncé
  • Autorité des photos de Gilbert
  • Les méandres de la réception contemporaine

Postface : “Magnifique boniment de placiers en produits []coloniaux”

Brève chronologie. Quelques chiffres

Sources et bibliographie

 

 

L’Image nomade. La tapisserie des Indes et du Brésil au XVIIe siècle

Claudia P.  Damiani, A Imagem Nômade. A tapeçaria das Índias e o Brasil dos século XVII, Porto Alegre, ediPUCRS, 2022.

Chercheuse associée au CRHA, Claudia P.  Damiani publie dans la collection “História” un livre en partie issue des recherches entreprises au sein du Centre, sous la direction de Pascal Bertrand.

“L’omniprésence de l’image, dans ses différentes manifestations et procédés, est une empreinte dans le temps.

Peu de personnes ont conscience de la vigueur avec laquelle les images du monde extra-européen ont circulé au XVIIe siècle. La Tapisserie des Indes illustre l’ampleur de ce phénomène.

Cet ensemble de tapisseries véhicule des images de la connaissance et de la circulation mondiales, qui se manifestent par le biais de motifs exotiques.  La Tapisserie des Indes se fonde sur des images artistiques liées à l’occupation hollandaise au Brésil, diffusées par Maurice de Nassau. À partir de 1687, les thèmes brésiliens ont été tissés dans les ateliers de la Manufacture des Gobelins.

Ces images nomades possèdent une historicité, à savoir qu’elle sont connectées à des réseaux visuels et subissent, encore aujourd’hui, des transformations. Connaître une partie de l’histoire des images suppose une réflexion sur la vision du monde de l’humanité” (quatrième de couverture, traduit par Céline Ventura Teixeira)

Les pêcheurs (détail), tenture des Anciennes Indes, Manufacture royale des Gobelins, v. 1692-1723, Amsterdam, Rijksmuseum.

 

Pierre Fabre & Roger Taillibert. L’industriel et l’architecte : histoire d’une longue collaboration

Léa Tichit, Pierre Fabre & Roger Taillibert. L’industriel et l’architecte : histoire d’une longue collaboration, Toulouse, Presses universitaires du Midi, coll. Tempus Artis, disponible à partir du 13 septembre 2022, 66 p., 76 fig.

Doctorante du CRHA-F-G. Pariset (UR 538), Léa Tichit publie dans la collection dirigée par Quitterie Cazes, un ouvrage issu de ses premières recherches touchant l’architecture du xxe siècle. À travers cet ouvrage, elle souhaite rendre hommage à une collaboration exceptionnelle entre deux hommes profondément investis dans leurs milieux respectifs, à l’origine d’une architecture qui reflète les préoccupations et les valeurs de son commanditaire.

Roger Taillibert, centre de recherche Pierre Fabre, Castres, 1965. Photographie. © Groupe Pierre Fabre

La collaboration entre l’architecte Roger Taillibert (1926-2019) et l’industriel Pierre Fabre (1926-2013), qui s’étend sur plus d’un demi-siècle (1963-2016), a marqué le monde architectural et industriel. Cet ouvrage met au jour un pan méconnu de la carrière de Roger Taillibert : reconnu pour ses réalisations de complexes sportifs tels que le Parc des Princes de Paris ou le complexe olympique de Montréal, il livre également des édifices industriels à la demande de l’entreprise pharmaceutique Pierre Fabre. C’est de là qu’une réelle entente professionnelle et amicale va unir les deux hommes pour donner naissance à une écriture architecturale spécifique qui place la nature et l’humain au cœur des projets.

Roger Taillibert, hôtel Pierre Fabre, Avène, 2016. Photographie. © Groupe Pierre Fabre

 

SOMMAIRE

Avant-propos – Nicolas Meynen

Introduction – Deux hommes, une amitié, un parcours conjugué

  • Récit d’une rencontre
  • Le sport pour passion commune
  • Un rapport de confiance

Une écriture soumise aux contraintes de l’industrie

  • Des lieux fonctionnels
  • Des organisations spatiales ouverte
  • Des constructions de verre et de métal

La nature au cœur du propos

  • Des ouvertures sur l’extérieur
  • Des cadres paysagers construits
  • Des formes courbes à organiques

Conclusion – Une architecture au service d’une entreprise et de ses usagers

  • Prendre soin de l’Homme
  • Vers une architecture iconique

Appendice – Suite de l’aventure castraise au côté de Jacques Limouzy

 

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.

Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884

S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.

Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.

Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88

SOMMAIRE

Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

En famille

Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon

Redon & Peyrelebade : l’œil du maîtreL. Houssais

Odilon Redon à ses débuts

« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887)P. Pinchon

Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon

Portfolio

Trois carnets inédits – Fred Leeman

Nuancier à visages – D. Gamboni

« Léonard devient scie » – D. Gamboni

Mémoires d’atelier

« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni

Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott

Lignages

Collectionner, commémorer, créer : Gustave Fayet et Odilon Redon – Alexandre d’Andoque

Redon en héritage(s) : Roseline Bacou, écrits et parcours – Charlotte Foucher

Bibliographie sélective

Index

 

La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle

Charline Coupeau, La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle, Rennes, PUR, 2022, 318 p.

Convoquant plusieurs sciences humaines et s’appuyant sur de vastes sources – traités, manuels de savoir-vivre, dictionnaires spécialisés, rapports d’expositions, correspondances et chroniques journalistiques –, cet ouvrage entend définir les contours d’une ontologie du bijou afin de sonder la diversité des relations dans lesquelles il se trouve impliqué. Grâce à une conceptualisation pluridisciplinaire, il convient de montrer que le bijou est un moyen d’investigation pour comprendre la période complexe et chargée en rebondissements qu’est le XIXe siècle. En effet, médium polysémique complexe et fortement connoté, le bijou de ce siècle permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension et, en somme, un véritable microcosme. Que dit-il du XIXe siècle ? S’articulant autour de trois directives : objet, corps et matière, la dialectique mise en place tente de montrer toute la richesse et la singularité de la bijouterie de cette époque en France. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes, ils sont les référents immuables que cette étude propose de faire découvrir.

SOMMAIRE

Objet d’histoires 

La bijouterie, une Histoire qui s’écrit

  • Ciseler le verbe : la mise en histoire du bijou au XIXe siècle
  • Un discours estampé par les bijoutiers
  • Une presse orfévrée
  • Facetter le discours : sertissage plurisdisciplinaire dans les études du XXe siècle
  • La culture de l’apparence
  • Culture matérielle : pour une écriture visuelle du bijou

Parure du corps

Bijoux à corps et accords joailliers

  • Le devoir de conformité
  • Voir et être vu
  • Les codes de la représentativité
  • L’art de la distinction
  • Le souci d’apparat : bijoux et excessive mise en scène
  • Séduis-moi si tu peux
  • La boîte de Pandore
  • Les maux du bijou, pathologies de l’esprit
  • Bijou, crise et cartharsis
  • Langage du cœur : le bijou, confident intime
  • Le pouvoir mnémonique de la parure
  • Le coffret symbolique
  • Par-delà l’ornement, le talisman

Matériau de l’œuvre d’art

Les mutations du métier : économie, technique et création

  • Un marché transfiguré : fluctuations et évolutions du secteur bijoutier
  • « Tout ce qui brille n’est pas d’or »
  • Des produits diversifiés : entre mécanisation et tradition
  • De l’objet à l’œuvre d’art, le nouveau statut du bijou
  • Dans l’atelier du bijoutier
  • Une sauvegarde du métier par l’enseignement
  • Sculpturalité poétique et sonorités colorées : précieuses corrélations artistiques
  • Sculpturalité poétique
  • Bijoux, gemmes et matière littéraire
  • Bijoux, mythes et poésie
  • Sonorités colorées
  • Concerto chromatique
  • Symphonie parée

Conclusion

Biographie des artistes bijoutiers-joailliers

Glossaire

Bibliographie

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818)

François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818), sous la dir. d’Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier, Paris, Éditions Picard, 2021. 256 p., 217 ill.

Construire Bagatelle en trois mois : ce pari fou – et réussi – entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François-Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode qui, aux côtés de Ledoux, Chalgrin, De Wailly et Brongniart, fut parmi les architectes les plus talentueux de son temps.

Il excella tout particulièrement dans la conception de l’habitat et des jardins, livrant alors quelques-unes des demeures les plus remarquées de l’Ancien Régime. Mais Bélanger ne fut pas seulement le chef d’orchestre des plaisirs d’un monde finissant : au cours de sa carrière, il traita aussi les programmes les plus divers tels que lotissements, halles, abattoirs, bains publics ou encore salles de spectacle ; il sut répondre également aux nouveaux défis de l’architecture en expérimentant de façon audacieuse des matériaux tels que le fer et la fonte à la Halle au blé.

L’architecte – qui n’a jamais fait le voyage à Rome mais qui s’est rendu à trois reprises en Angleterre – fit preuve d’une grande curiosité. Des embellissements urbains à la tabatière en passant par la petite maison ou la voiture hippomobile, la carrière de Bélanger offre une matière riche qui interroge les frontières de sa discipline. 

SOMMAIRE

Préface. Monographie d’un polyarchitecte – Jean-Philippe Garric

Introduction

Les femmes de Bélanger – Olivier Blanc

Carrière, honoraires et fortune – Dominique Massounie

La collaboration avec Jallier de Savault (1772-1775) – Yvon Plouzennec

Les dîners de la « société académique » : une chimère aux premières heures de l’Empire – Yvon Plouzennec

Au service des princes

Bélanger décorateur des Menus Plaisirs : une expérience fondatrice – Sandra Bazin-Henry

Meubles et pièces d’orfèvrerie pour la corbeille de mariage de Marie-Antoinette– Vincent Bastien

Le « grand carrosse du corps du roy » pour le sacre de Louis XVI – Alexia Lebeurre

François-Joseph Bélanger, Projet de décoration pour le sacre de Louis XVIII à Reims, élévation d’une structure avec le trône, 1814. Graphite, plume et encre, aquarelle, 74,9 x 55,9 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art

Premier architecte d’un prince du sang : au service du comte d’Artois – Anaïs Bornet

Saint-Germain-en-Laye et Maisons : les grands projets pour le comte d’Artois – Étienne Faisant

Bagatelle : le pari fou d’un libertin – Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier

Le lotissement du fief d’Artois – Francesco Guidoboni

Les écuries du comte d’Artois au faubourg du Roule – Christophe Morin

Les écuries d’Artois et la maison de l’architecte à Fontainebleau – Vincent Droguet

L’obélisque du Pont-Neuf – Yvon Plouzennec

1814, le « retour à l’ordre » ou les fastes de la Restauration – Adrian Almoguera

Projet pour le sacre de Louis XVIII à Reims, 1814 – Jean-Philippe Garric

Un architecte à la mode

Sentimental et spéculateur : Bélanger et l’habitat – Claire Ollagnier

La folie Sainte-James à Neuilly – Marie-Geneviège Lagardère

Les maisons parisiennes, architecture remarquable et remarquée (1789-1809) – Charlotte Duvette

Les lotissements de petite envergure : projets et réalisations – Charlotte Duvette

Armand-Parfait Prieur d’après François-Joseph Bélanger, Salle de bains et boudoir de la maison de Mlle Dervieux, vers 1792-1793. Eau-forte et aquarelle, 49,9 x 32,2 cm. Paris, musée Carnavalet.

La décoration intérieure ou les charmes de la variété – Alexia Lebeurre

Une architecture osée : le goût arabesque chez Mlle Dervieux – Iris Moon

La cheminée réinventée – Emmanuel Sarméo

Raffinements mobiliers : la griffe de l’architecte – Alexia Lebeurre

Le goût des matériaux luxueux : les pierres dures et les marbres – Sophie Mouquin

Le goût des matériaux luxueux : l’acajou – Jean-François Belhoste

Jardins et architecture pittoresque

Bélanger, « jardineur » de la modernité – Monique Mosser

Le jardin du prince de Ligne à Belœil – Nathalie de Harlez de Deulin

Les voyages en Angleterre : sensations sublimes et pittoresques – Sigrid de Jong

Le parc de la Folie Sainte-James – Pierre-Antoine Gatier

Ce que le jardin de Méréville nous dit de Bélanger – Nicole Gouiric

Un hymne à la liberté pour Beaumarchais – Maryline Assante

François-Joseph Bélanger, Projet pour l’entrée du jardin Beaumarchais sur le boulevard Saint-Antoine, vers 1789. Plume, lavis et aquarelle, 20,2 x 33 cm. Paris, BNF.

Une amitié des Lumières : l’architecte et le « botaniste-filosophe » – Nicole Gouiric et Monique Mosser

Chez Monsieur et Madame Bélanger à Santeny – Nadine Villalobos

L’utile et l’agréable au jardin de Monsieur Le Picard – Nadine Villalobos

Équiper la ville

Les projets d’Opéra pour la réunion du Louvre et des Tuileries (1781-1809) – Daniel Rabreau

Le projet de place Louis XVI au Louvre – Alexandre Gady

Bélanger et la scène – Marc-Henri Jordan

François-Joseph Bélanger, Projet du Grand théâtre des Arts ou Temple d’Apollon au Carrousel, vue perspective, 1789. Eau-forte et aquatinte, 28,5 x 49 cm. Paris, BNF

Entretien et sécurité à la Bibliothèque nationale – Pauline Chougnet

Les bains Vigier : rebâtir une carrière au service de l’utilité publique sous le Directoire – Ronan Bouttier

Un sanctuaire pour le dieu Apis : les projets d’abattoirs (1805-1811) – Pauline Chougnet et Pierre Coffy

Approvisionner la ville sous l’Empire : la halle aux vins – Pierre Coffy

L’inlassable essayeur de matériaux – Jean-François Belhoste

La coupole en fonte et fer forgé de la Halle au blé (1809-1813) – Matteo Porrino

Une absence : la commande religieuse – Emmanuelle Bordure

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940

Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940, sous la direction de Jérôme Delaplanche et Dominique Jarrassé, Rome, Académie de France à Rome – Villa Médicis, coll. Histoire de l’art, 2020, 271 p.

Réécrire l’histoire de l’art du premier XXe siècle en y intégrant des tendances longtemps écartées au nom d’un dictat moderniste qui s’est érigé en norme absolue du droit d’entrer ou non dans l’histoire, tel est l’objectif des auteurs de cet ouvrage, conscients de la nécessité non pas tant de dénoncer les -ismes ou la suprématie du moderne que de remettre à leur place les productions figuratives entre 1905 et 1940, en privilégiant celles, souvent décriées, des Prix de Rome.

Yves Brayer (1907-1990). Séminaristes allemands à Rome. Huile sur toile, 1932. Paris, musée Carnavalet.

Cela permet de découvrir des artistes bien plus originaux et divers que ne le laisse prévoir le discours convenu, et il semble, dès lors, bien vain de se demander s’ils étaient académiques, antimodernes, modernes qui s’ignorent, voire d’arrière-garde…

Et s’ils représentaient une tradition révolutionnaire, propre à faire exploser les rhétoriques et les positionnements idéologiques de notre discipline ? Cette réécriture passe par les trois phases qui ordonnent ce livre. En premier lieu, est proposé un examen critique des notions clés et des catégories historiographiques, d’ “académisme” à “tradition” en passant par “décoratif” ou “moderne”, pour échapper aux impasses.

La démarche historiographique est ensuite complétée par une contextualisation des œuvres qui privilégie le cadre des directorats de l’Académie de France, car elles subissent les interférences de la politique franco-italienne particulièrement complexe, certain directeur se posant même en ambassadeur… Enfin, les auteurs s’attachent à cerner les valeurs spécifiques défendues par les artistes passés par la Villa Médicis, figuration, métier, dessin, monumentalité… préoccupations que ces artistes partagent avec leur temps et auxquelles ils offrent des réponses.

SOMMAIRE

Avant-propos – Jérôme Delaplanche

Suivre la tradition serait-il révolutionnaire ? – Dominique Jarrassé

Dictionnaire

Académisme – Louis Deltour

Antimodernes ou non modernes ? – Dominique Jarrassé

Art Déco – Dominique Jarrassé

Décoratif – Pierre Sérié

Moderne / modernité / modernisme – Claire Garcia

Retour à l’ordre – Dominique Jarrassé

Tradition – Pierre Sérié

Directorats

Albert Besnard ou le directorat du trait d’union (1913-1921) – Sarah Linford

Denys Puech : autonomie de l’Académie de France à Rome, engagement politique et éclectisme esthétique (1921-1933) – Dominique Jarrassé

La “Mission à Rome” de Paul Landowski ou la Villa Médicis au temps de l’alliance entre la France et l’Italie fasciste (1933-1937) – Catherine Fraixe

Jacques Ibert, un temps suspendu (1937-1940) – Dominique Jarrassé et Pierre Sérié

Tradition, révolution

Le pouvoir, le mur, l’artiste : éthique et esthétique monumentale des Prix de Rome – Louis Deltour

“Des murs pour les sculpteurs !” – Amélie Simier et Claire Garcia

Dissymétries : dialogues manqués sur la peinture murale, le retour au métier, l’histoire de l’art – Laura Iamurri

Tradition à l’horizon : messianisme réactionnaire d’une poignée de Romains – Pierre Sérié

De la ligne à la chair : les luttes pour la définition d’une pratique du dessin – Louis Deltour

Académies anglo-saxonnes à Rome : résistance à la modernité dans les démocraties libérales en perspective – Pierre Sérié

Conclusion

Vue de Rome – Laura Iamurri

Annexes

Présence des pensionnaires de l’Académie de France à Rome par directorat (1913-1939) – Patrizia Celli

Liste de pensionnaires (1913-1939)

Bibliographie

Les arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies

Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, sous la dir. de Dominique Jarrassé et Sarah Ligner, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du Divers, 2021, 208 p.

À la suite de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui avait révélé les richesses, longtemps enfouies, d’œuvres à sujets exotiques et coloniaux, cet ouvrage propose un nouveau regard sur les productions artistiques en situation coloniale, loin de celui des prêcheurs de repentance et des déboulonnages, ou encore des nostalgiques. Les Arts coloniaux donne une définition de ce champ méconnu ou instrumentalisé, en privilégiant les circulations, celle des artistes comme des notions ou des pratiques, celle des artefacts et leur mise en collection. Ces processus ont provoqué une mondialisation artistique qui a durablement modelé les imaginaires et les mémoires. Sans nier les messages ouvertement colonialistes, ni les appropriations, sans écarter non plus ce qui se joue d’émerveillement devant la beauté et la diversité du monde, il s’agit de contextualiser pour comprendre.

SOMMAIRE

Ouverture – Dominique Jarrassé et Sarah Ligner


Circulations. Images, appropriations, expositions

Des arts coloniaux. Notion extensive et affinités appropriatives – Dominique Jarrassé

Le portrait à Saint-Domingue – Carlo A. Célius

Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires (1871-1958) – Sophie Leclercq

Identité africaine et idéologie coloniale. Les expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1939) – Marion Lagrange

Notice. Artiste “indigène”, “musulman”, “africain” – ML

Annexe. Expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1956) – ML

Au service de l’Empire. La promotion des arts coloniaux dans les Salons de la France d’Outre-Mer – Laurent Houssais

“Y a-t-il un art à Madagascar ?” Circulation et réception de la création malgache en France durant la période coloniale – Alexandre Girard-Muscagorry

Notice. De l’artisanat colonial à l’art contemporain africain : les poteaux de Jean-Jacques Efiaimbelo – A G-M.

Suzanne Truitard, couverture de Togo-Cameroun, avril 1930

Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres. Les arts du Cameroun vus par Suzanne Truitard – Isidore Pascal Njock Nyobe

Notice. Togo-Cameroun, un magazine de propagande – I. P. N.N.

La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France. Les graines de la rébellion artistique 1943-1945 – Christelle Lozère


Collections. Une transmission suspendue et retrouvée ?

Les arts coloniaux sous le prisme des collections – Sarah Ligner

Des collections réinventées pour un palais déshérité – Hélène Boccard

Un musée précurseur. Les collections d’art colonial du musée des Années trente – Claire Poirion

De l’Algérie en peinture à la peinture en Algérie, au prisme d’une collection – Florence Hudowicz

De la “mission civilisatrice” au “réveil des arts indigènes”. Dessins d’écoliers dans les colonies – Mathilde Allard

“Premiers essais de tailleurs d’images chrétiens en Afrique”, Le Patriote illustré, 11 octobre 1931

De l’Afrique à la Bretagne. Arts missionnaires, arts coloniaux : une mission et un destin commun ? – Gwenaël Ben Aissa

Notice. Musée spiritain des arts africains à Allex – G. B. A.

Administration des artistes, des œuvres et de leur exposition dans l’Empire colonial français. Quelles sources aux archives nationales ? – Pascale Riviale et Clothilde Roullier

Les auteurs

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