Georges de La Tour, La découverte du corps de saint Alexis, huile sur toile, XVIIe siècle, Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain
Cet article de Pierre-Hippolyte Pénet, conservateur du patrimoine, chargé des collections XVe-XVIIIe siècles au Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, est désormais en ligne sur le carnet Hypothèses dédié à F.-G. Pariset. Il est consultable en ligne et téléchargeable en pdf :
Dominique Jarrassé, Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du divers, 2022, 226 p.
Chef-d’œuvre de la sculpture des années 1930, le bas-relief qui couvre la façade de l’ancien musée des Colonies, aujourd’hui, palais de la porte Dorée, est réalisé par Alfred Janniot pour l’Exposition coloniale de 1931. Sommet de l’art colonial, il demeure méconnu.
Dans un contexte d’appel au déboulonnage des statues liées à la colonisation, cet essai propose, posément et avec rigueur, une lecture approfondie et contextualisée de ce lieu majeur de notre mémoire coloniale où s’entremêlent fictions, idéologies, exaltation de la beauté et de la diversité…
Une postface dénonce, moins posément, le « boniment des placiers en produits [dé]coloniaux » et des nouveaux censeurs qui restaurent dénis et tabous.
SOMMAIRE
Avant-propos
Introduction
1. Aux marches du palais
Un non-lieu de mémoire ?
Des lectures dérivées
1931, tournant anthropologique ?
Un chef-d’œuvre de l’Art Déco ?
2. Le chef-d’œuvre de l’art colonial n’est pas l’œuvre d’un “artiste colonial”
Pied de nez à la corporation
Le projet de Laprade et le rôle assigné à la sculpture
Le choix d’ “un” sculpteur
L’Unique et sa propriété
3. Mise en abyme de l’empire et de l’exposition
Angle Sénégal/Madagascar
Le programme iconographique du palais
Un atlas colonial
Mise en abyme et synthèse
4. Composition d’une fiction coloniale
“Le bas-relief est une œuvre de fiction”
Une “colonialité fictive”
Plastique et propagande
5. Tentative d’épuisement d’un bas-relief
Bas-relief ouest : Amérique-Océan Indien
Bas-relief sud-ouest : Afrique
Bas-relief est : Annam-Tonkin-Océanie
Bas-relief sud-est : Indochine
Portail central : la métropole
6. Modèles plastiques et sources documentaires
Un modèle “oriental hindou-khmer”?
Dictat réaliste et poids des sources
Une démarche naturaliste ?
7. Une poétisation du monde colonial par ellipse
Absence de troupes et de missionnaires
Les races
Les Travaux et les Jours
La culture de l’hévéa (Indochine)
8. Une esthétique du divers
Exotique versus colonial
Un refus de l’histoire ?
Esthétique et domination
La nostalgie du Divers ?
9. Réceptions : puissance de l’image
Chronique d’un succès annoncé
Autorité des photos de Gilbert
Les méandres de la réception contemporaine
Postface : “Magnifique boniment de placiers en produits [dé]coloniaux”
Claudia P. Damiani, A Imagem Nômade. A tapeçaria das Índias e o Brasil dos século XVII, Porto Alegre, ediPUCRS, 2022.
Chercheuse associée au CRHA, Claudia P. Damiani publie dans la collection “História” un livre en partie issue des recherches entreprises au sein du Centre, sous la direction de Pascal Bertrand.
“L’omniprésence de l’image, dans ses différentes manifestations et procédés, est une empreinte dans le temps.
Peu de personnes ont conscience de la vigueur avec laquelle les images du monde extra-européen ont circulé au XVIIe siècle. La Tapisserie des Indes illustre l’ampleur de ce phénomène.
Cet ensemble de tapisseries véhicule des images de la connaissance et de la circulation mondiales, qui se manifestent par le biais de motifs exotiques. La Tapisserie des Indes se fonde sur des images artistiques liées à l’occupation hollandaise au Brésil, diffusées par Maurice de Nassau. À partir de 1687, les thèmes brésiliens ont été tissés dans les ateliers de la Manufacture des Gobelins.
Ces images nomades possèdent une historicité, à savoir qu’elle sont connectées à des réseaux visuels et subissent, encore aujourd’hui, des transformations. Connaître une partie de l’histoire des images suppose une réflexion sur la vision du monde de l’humanité” (quatrième de couverture, traduit par Céline Ventura Teixeira)
Les pêcheurs (détail), tenture des Anciennes Indes, Manufacture royale des Gobelins, v. 1692-1723, Amsterdam, Rijksmuseum.
Léa Tichit, Pierre Fabre & Roger Taillibert. L’industriel et l’architecte : histoire d’une longue collaboration, Toulouse, Presses universitaires du Midi, coll. Tempus Artis, disponible à partir du 13 septembre 2022, 66 p., 76 fig.
Doctorante du CRHA-F-G. Pariset (UR 538), Léa Tichit publie dans la collection dirigée par Quitterie Cazes, un ouvrage issu de ses premières recherches touchant l’architecture du xxe siècle. À travers cet ouvrage, elle souhaite rendre hommage à une collaboration exceptionnelle entre deux hommes profondément investis dans leurs milieux respectifs, à l’origine d’une architecture qui reflète les préoccupations et les valeurs de son commanditaire.
La collaboration entre l’architecte Roger Taillibert (1926-2019) et l’industriel Pierre Fabre (1926-2013), qui s’étend sur plus d’un demi-siècle (1963-2016), a marqué le monde architectural et industriel. Cet ouvrage met au jour un pan méconnu de la carrière de Roger Taillibert : reconnu pour ses réalisations de complexes sportifs tels que le Parc des Princes de Paris ou le complexe olympique de Montréal, il livre également des édifices industriels à la demande de l’entreprise pharmaceutique Pierre Fabre. C’est de là qu’une réelle entente professionnelle et amicale va unir les deux hommes pour donner naissance à une écriture architecturale spécifique qui place la nature et l’humain au cœur des projets.
Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.
Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884
S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.
Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.
Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88
SOMMAIRE
Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon
Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon
En famille
Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon
Redon & Peyrelebade : l’œil du maître – L. Houssais
Odilon Redon à ses débuts
« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887) – P. Pinchon
Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon
Portfolio
Trois carnets inédits – Fred Leeman
Nuancier à visages – D. Gamboni
« Léonard devient scie » – D. Gamboni
Mémoires d’atelier
« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni
Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott
Charline Coupeau, La Métaphysique du bijou. Objet d’histoires, parure du corps et matériau de l’œuvre d’art au XIXe siècle, Rennes, PUR, 2022, 318 p.
Convoquant plusieurs sciences humaines et s’appuyant sur de vastes sources – traités, manuels de savoir-vivre, dictionnaires spécialisés, rapports d’expositions, correspondances et chroniques journalistiques –, cet ouvrage entend définir les contours d’une ontologie du bijou afin de sonder la diversité des relations dans lesquelles il se trouve impliqué. Grâce à une conceptualisation pluridisciplinaire, il convient de montrer que le bijou est un moyen d’investigation pour comprendre la période complexe et chargée en rebondissements qu’est le XIXe siècle. En effet, médium polysémique complexe et fortement connoté, le bijou de ce siècle permet de cerner une esthétique, un rapport au monde, au temps qui passe. Il est une clé, une façon d’être au monde, un pôle de compréhension et, en somme, un véritable microcosme. Que dit-il du XIXe siècle ? S’articulant autour de trois directives : objet, corps et matière, la dialectique mise en place tente de montrer toute la richesse et la singularité de la bijouterie de cette époque en France. Les bijoux ne sont pas là par hasard, ils véhiculent des sens cachés, des codes, ils sont les référents immuables que cette étude propose de faire découvrir.
SOMMAIRE
Objet d’histoires
La bijouterie, une Histoire qui s’écrit
Ciseler le verbe : la mise en histoire du bijou au XIXe siècle
Un discours estampé par les bijoutiers
Une presse orfévrée
Facetter le discours : sertissage plurisdisciplinaire dans les études du XXe siècle
La culture de l’apparence
Culture matérielle : pour une écriture visuelle du bijou
Parure du corps
Bijoux à corps et accords joailliers
Le devoir de conformité
Voir et être vu
Les codes de la représentativité
L’art de la distinction
Le souci d’apparat : bijoux et excessive mise en scène
Séduis-moi si tu peux
La boîte de Pandore
Les maux du bijou, pathologies de l’esprit
Bijou, crise et cartharsis
Langage du cœur : le bijou, confident intime
Le pouvoir mnémonique de la parure
Le coffret symbolique
Par-delà l’ornement, le talisman
Matériau de l’œuvre d’art
Les mutations du métier : économie, technique et création
Un marché transfiguré : fluctuations et évolutions du secteur bijoutier
« Tout ce qui brille n’est pas d’or »
Des produits diversifiés : entre mécanisation et tradition
De l’objet à l’œuvre d’art, le nouveau statut du bijou
Dans l’atelier du bijoutier
Une sauvegarde du métier par l’enseignement
Sculpturalité poétique et sonorités colorées : précieuses corrélations artistiques
François-Joseph Bélanger, artiste architecte (1744-1818), sous la dir. d’Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier, Paris, Éditions Picard, 2021. 256 p., 217 ill.
Construire Bagatelle en trois mois : ce pari fou – et réussi – entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François-Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode qui, aux côtés de Ledoux, Chalgrin, De Wailly et Brongniart, fut parmi les architectes les plus talentueux de son temps.
Il excella tout particulièrement dans la conception de l’habitat et des jardins, livrant alors quelques-unes des demeures les plus remarquées de l’Ancien Régime. Mais Bélanger ne fut pas seulement le chef d’orchestre des plaisirs d’un monde finissant : au cours de sa carrière, il traita aussi les programmes les plus divers tels que lotissements, halles, abattoirs, bains publics ou encore salles de spectacle ; il sut répondre également aux nouveaux défis de l’architecture en expérimentant de façon audacieuse des matériaux tels que le fer et la fonte à la Halle au blé.
L’architecte – qui n’a jamais fait le voyage à Rome mais qui s’est rendu à trois reprises en Angleterre – fit preuve d’une grande curiosité. Des embellissements urbains à la tabatière en passant par la petite maison ou la voiture hippomobile, la carrière de Bélanger offre une matière riche qui interroge les frontières de sa discipline.
SOMMAIRE
Préface. Monographie d’un polyarchitecte – Jean-Philippe Garric
Introduction
Les femmes de Bélanger – Olivier Blanc
Carrière, honoraires et fortune – Dominique Massounie
La collaboration avec Jallier de Savault (1772-1775) – Yvon Plouzennec
Les dîners de la « société académique » : une chimère aux premières heures de l’Empire – Yvon Plouzennec
Au service des princes
Bélanger décorateur des Menus Plaisirs : une expérience fondatrice – Sandra Bazin-Henry
Meubles et pièces d’orfèvrerie pour la corbeille de mariage de Marie-Antoinette– Vincent Bastien
Le « grand carrosse du corps du roy » pour le sacre de Louis XVI – Alexia Lebeurre
François-Joseph Bélanger, Projet de décoration pour le sacre de Louis XVIII à Reims, élévation d’une structure avec le trône, 1814. Graphite, plume et encre, aquarelle, 74,9 x 55,9 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art
Premier architecte d’un prince du sang : au service du comte d’Artois – Anaïs Bornet
Saint-Germain-en-Laye et Maisons : les grands projets pour le comte d’Artois – Étienne Faisant
Bagatelle : le pari fou d’un libertin – Alexia Lebeurre et Claire Ollagnier
Le lotissement du fief d’Artois – Francesco Guidoboni
Les écuries du comte d’Artois au faubourg du Roule – Christophe Morin
Les écuries d’Artois et la maison de l’architecte à Fontainebleau – Vincent Droguet
L’obélisque du Pont-Neuf – Yvon Plouzennec
1814, le « retour à l’ordre » ou les fastes de la Restauration – Adrian Almoguera
Projet pour le sacre de Louis XVIII à Reims, 1814 – Jean-Philippe Garric
Un architecte à la mode
Sentimental et spéculateur : Bélanger et l’habitat – Claire Ollagnier
La folie Sainte-James à Neuilly – Marie-Geneviège Lagardère
Les maisons parisiennes, architecture remarquable et remarquée (1789-1809) – Charlotte Duvette
Les lotissements de petite envergure : projets et réalisations – Charlotte Duvette
Armand-Parfait Prieur d’après François-Joseph Bélanger, Salle de bains et boudoir de la maison de Mlle Dervieux, vers 1792-1793. Eau-forte et aquarelle, 49,9 x 32,2 cm. Paris, musée Carnavalet.
La décoration intérieure ou les charmes de la variété – Alexia Lebeurre
Une architecture osée : le goût arabesque chez Mlle Dervieux – Iris Moon
La cheminée réinventée – Emmanuel Sarméo
Raffinements mobiliers : la griffe de l’architecte – Alexia Lebeurre
Le goût des matériaux luxueux : les pierres dures et les marbres – Sophie Mouquin
Le goût des matériaux luxueux : l’acajou – Jean-François Belhoste
Jardins et architecture pittoresque
Bélanger, « jardineur » de la modernité – Monique Mosser
Le jardin du prince de Ligne à Belœil – Nathalie de Harlez de Deulin
Les voyages en Angleterre : sensations sublimes et pittoresques – Sigrid de Jong
Le parc de la Folie Sainte-James – Pierre-Antoine Gatier
Ce que le jardin de Méréville nous dit de Bélanger – Nicole Gouiric
Un hymne à la liberté pour Beaumarchais – Maryline Assante
François-Joseph Bélanger, Projet pour l’entrée du jardin Beaumarchais sur le boulevard Saint-Antoine, vers 1789. Plume, lavis et aquarelle, 20,2 x 33 cm. Paris, BNF.
Une amitié des Lumières : l’architecte et le « botaniste-filosophe » – Nicole Gouiric et Monique Mosser
Chez Monsieur et Madame Bélanger à Santeny – Nadine Villalobos
L’utile et l’agréable au jardin de Monsieur Le Picard – Nadine Villalobos
Équiper la ville
Les projets d’Opéra pour la réunion du Louvre et des Tuileries (1781-1809) – Daniel Rabreau
Le projet de place Louis XVI au Louvre – Alexandre Gady
Bélanger et la scène – Marc-Henri Jordan
François-Joseph Bélanger, Projet du Grand théâtre des Arts ou Temple d’Apollon au Carrousel, vue perspective, 1789. Eau-forte et aquatinte, 28,5 x 49 cm. Paris, BNF
Entretien et sécurité à la Bibliothèque nationale – Pauline Chougnet
Les bains Vigier : rebâtir une carrière au service de l’utilité publique sous le Directoire – Ronan Bouttier
Un sanctuaire pour le dieu Apis : les projets d’abattoirs (1805-1811) – Pauline Chougnet et Pierre Coffy
Approvisionner la ville sous l’Empire : la halle aux vins – Pierre Coffy
L’inlassable essayeur de matériaux – Jean-François Belhoste
La coupole en fonte et fer forgé de la Halle au blé (1809-1813) – Matteo Porrino
Une absence : la commande religieuse – Emmanuelle Bordure
Une tradition révolutionnaire. Les arts figuratifs de Rome à Paris 1905-1940, sous la direction de Jérôme Delaplanche et Dominique Jarrassé, Rome, Académie de France à Rome – Villa Médicis, coll. Histoire de l’art, 2020, 271 p.
Réécrire l’histoire de l’art du premier XXe siècle en y intégrant des tendances longtemps écartées au nom d’un dictat moderniste qui s’est érigé en norme absolue du droit d’entrer ou non dans l’histoire, tel est l’objectif des auteurs de cet ouvrage, conscients de la nécessité non pas tant de dénoncer les -ismes ou la suprématie du moderne que de remettre à leur place les productions figuratives entre 1905 et 1940, en privilégiant celles, souvent décriées, des Prix de Rome.
Yves Brayer (1907-1990). Séminaristes allemands à Rome. Huile sur toile, 1932. Paris, musée Carnavalet.
Cela permet de découvrir des artistes bien plus originaux et divers que ne le laisse prévoir le discours convenu, et il semble, dès lors, bien vain de se demander s’ils étaient académiques, antimodernes, modernes qui s’ignorent, voire d’arrière-garde…
Et s’ils représentaient une tradition révolutionnaire, propre à faire exploser les rhétoriques et les positionnements idéologiques de notre discipline ? Cette réécriture passe par les trois phases qui ordonnent ce livre. En premier lieu, est proposé un examen critique des notions clés et des catégories historiographiques, d’ “académisme” à “tradition” en passant par “décoratif” ou “moderne”, pour échapper aux impasses.
La démarche historiographique est ensuite complétée par une contextualisation des œuvres qui privilégie le cadre des directorats de l’Académie de France, car elles subissent les interférences de la politique franco-italienne particulièrement complexe, certain directeur se posant même en ambassadeur… Enfin, les auteurs s’attachent à cerner les valeurs spécifiques défendues par les artistes passés par la Villa Médicis, figuration, métier, dessin, monumentalité… préoccupations que ces artistes partagent avec leur temps et auxquelles ils offrent des réponses.
SOMMAIRE
Avant-propos – Jérôme Delaplanche
Suivre la tradition serait-il révolutionnaire ? – Dominique Jarrassé
Dictionnaire
Académisme – Louis Deltour
Antimodernes ou non modernes ? – Dominique Jarrassé
Art Déco – Dominique Jarrassé
Décoratif – Pierre Sérié
Moderne / modernité / modernisme – Claire Garcia
Retour à l’ordre – Dominique Jarrassé
Tradition – Pierre Sérié
Directorats
Albert Besnard ou le directorat du trait d’union (1913-1921) – Sarah Linford
Denys Puech : autonomie de l’Académie de France à Rome, engagement politique et éclectisme esthétique (1921-1933) – Dominique Jarrassé
La “Mission à Rome” de Paul Landowski ou la Villa Médicis au temps de l’alliance entre la France et l’Italie fasciste (1933-1937) – Catherine Fraixe
Jacques Ibert, un temps suspendu (1937-1940) – Dominique Jarrassé et Pierre Sérié
Tradition, révolution
Le pouvoir, le mur, l’artiste : éthique et esthétique monumentale des Prix de Rome – Louis Deltour
“Des murs pour les sculpteurs !” – Amélie Simier et Claire Garcia
Dissymétries : dialogues manqués sur la peinture murale, le retour au métier, l’histoire de l’art – Laura Iamurri
Tradition à l’horizon : messianisme réactionnaire d’une poignée de Romains – Pierre Sérié
De la ligne à la chair : les luttes pour la définition d’une pratique du dessin – Louis Deltour
Académies anglo-saxonnes à Rome : résistance à la modernité dans les démocraties libérales en perspective – Pierre Sérié
Conclusion
Vue de Rome – Laura Iamurri
Annexes
Présence des pensionnaires de l’Académie de France à Rome par directorat (1913-1939) – Patrizia Celli
Les Arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies, sous la dir. de Dominique Jarrassé et Sarah Ligner, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du Divers, 2021, 208 p.
À la suite de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui avait révélé les richesses, longtemps enfouies, d’œuvres à sujets exotiques et coloniaux, cet ouvrage propose un nouveau regard sur les productions artistiques en situation coloniale, loin de celui des prêcheurs de repentance et des déboulonnages, ou encore des nostalgiques. Les Arts coloniaux donne une définition de ce champ méconnu ou instrumentalisé, en privilégiant les circulations, celle des artistes comme des notions ou des pratiques, celle des artefacts et leur mise en collection. Ces processus ont provoqué une mondialisation artistique qui a durablement modelé les imaginaires et les mémoires. Sans nier les messages ouvertement colonialistes, ni les appropriations, sans écarter non plus ce qui se joue d’émerveillement devant la beauté et la diversité du monde, il s’agit de contextualiser pour comprendre.
SOMMAIRE
Ouverture – Dominique Jarrassé et Sarah Ligner
Circulations. Images, appropriations, expositions
Des arts coloniaux. Notion extensive et affinités appropriatives – Dominique Jarrassé
Le portrait à Saint-Domingue – Carlo A. Célius
Éduquer et séduire. Les arts coloniaux dans les images scolaires (1871-1958) – Sophie Leclercq
Identité africaine et idéologie coloniale. Les expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1939) – Marion Lagrange
Notice. Artiste “indigène”, “musulman”, “africain” – ML
Annexe. Expositions artistiques de l’Afrique française (1928-1956) – ML
Au service de l’Empire. La promotion des arts coloniaux dans les Salons de la France d’Outre-Mer – Laurent Houssais
“Y a-t-il un art à Madagascar ?” Circulation et réception de la création malgache en France durant la période coloniale – Alexandre Girard-Muscagorry
Notice. De l’artisanat colonial à l’art contemporain africain : les poteaux de Jean-Jacques Efiaimbelo – A G-M.
Suzanne Truitard, couverture de Togo-Cameroun, avril 1930
Graver et dessiner les colonies pendant l’entre-deux-guerres. Les arts du Cameroun vus par Suzanne Truitard – Isidore Pascal Njock Nyobe
Notice. Togo-Cameroun, un magazine de propagande – I. P. N.N.
La création de l’école des arts appliqués de Fort-de-France. Les graines de la rébellion artistique 1943-1945 – Christelle Lozère
Collections. Une transmission suspendue et retrouvée ?
Les arts coloniaux sous le prisme des collections – Sarah Ligner
Des collections réinventées pour un palais déshérité – Hélène Boccard
Un musée précurseur. Les collections d’art colonial du musée des Années trente – Claire Poirion
De l’Algérie en peinture à la peinture en Algérie, au prisme d’une collection – Florence Hudowicz
De la “mission civilisatrice” au “réveil des arts indigènes”. Dessins d’écoliers dans les colonies – Mathilde Allard
“Premiers essais de tailleurs d’images chrétiens en Afrique”, Le Patriote illustré, 11 octobre 1931
De l’Afrique à la Bretagne. Arts missionnaires, arts coloniaux : une mission et un destin commun ? – Gwenaël Ben Aissa
Notice. Musée spiritain des arts africains à Allex – G. B. A.
Administration des artistes, des œuvres et de leur exposition dans l’Empire colonial français. Quelles sources aux archives nationales ? – Pascale Riviale et Clothilde Roullier
Laurence Chevallier et Cécile Dantarribe, Capeyron Blanc, préface de Gilles Ragot, introduction de Pascale Dewambrechies-Rousseau, Bordeaux, Les Cahiers du Centre F.-G. Pariset n° 10 – hors série, Presses universitaires de Bordeaux, 2020, 144 p., 23 euros.
Ce premier numéro hors-série des Cahiers du Centre François-Georges Pariset est consacré à la villa Capeyron Blanc, construite par l’architecte Raoul Perrier (1882-1957) à Mérignac, entre 1930 et 1951. Cette demeure, absente de la littérature spécialisée, fut au cœur d’une journée d’étude organisée par Gilles Ragot (université Bordeaux Montaigne, Centre F.-G. Pariset) et Laurence Chevallier (École nationale et supérieure d’architecture et de paysage de Bordeaux, UMR 5319 Passages-CNRS) : https://pariset.hypotheses.org/?s=Capeyron L’étude de ce cas, entrepris par Laurence Chevallier et par l’historienne de l’art Cécile Dantarribe en 2012, permet en effet d’interroger, par son caractère inclassable, la nature et les limites de catégories courantes en histoire de l’art : du classicisme au Mouvement moderne en passant par l’Art Déco. Première monographie sur un édifice majeur du patrimoine mérignacais, cet ouvrage engage aussi une réflexion sur les effets déformants d’une certaine histoire de l’architecture.
Ce livre, à la croisée de deux axes majeurs du Centre, bénéficie aussi d’une riche iconographie, due au concours exceptionnel de Ferrante Ferranti, dont une quarantaine de photographies sont reproduites en pleine page. Vues d’ensemble ou de détails servent tour à tour le propos tout en favorisant, saisons aidant, une appréhension sensible de l’édifice.
Ouvrage de référence apte à séduire un public élargi par son iconographie et l’élégante maquette signée par Louise Brody, ce premier hors-série des Cahiers du Centre François-Georges Pariset engage notre politique d’édition sur des voies renouvelées. Diffusé par les Presses universitaires de Bordeaux, il sera disponible en librairie à partir du 7 janvier 2021. On peut aussi le commander en ligne soit par les Presses universitaires de Bordeaux : http://www.pub-editions.fr, soit par le Comptoir des presses d’université: http://www.lcdpu.fr