Archives de catégorie : Publications des membres de l’unité

Dessiner, enseigner. François-Georges Pariset (1904-1980), historien de l’art au XXe siècle

Myriam Metayer, Adriana Sotropa (dir.), Dessiner, enseigner. François-Georges Pariset (1904-1980), historien de l’art au XXe siècle, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, Les Cahiers du Centre François-Georges Pariset hors-série n° 11, 2023, 227 p., 24 euros.

Ce volume  met en lumière des aspects inédits liés à la carrière et aux pratiques de François-Georges Pariset (1904-1980). Premier professeur d’histoire de l’art moderne et contemporain de la faculté des lettres de Bordeaux, Pariset est principalement connu comme l’un des spécialistes de Georges de La Tour (1593-1652) et des artistes lorrains de la Renaissance. Le traitement récent de ses archives personnelles et professionnelles, aujourd’hui conservées à la bibliothèque de l’INHA, à la bibliothèque municipale de Bordeaux ou encore à l’université Bordeaux Montaigne, permet notamment d’étudier ses enseignements et de découvrir sa production graphique. Myriam Metayer et Adriana Sotropa explorent ces deux composantes significatives des fonds d’archives, contribuant à mieux analyser les racines intellectuelles de François-Georges Pariset. Les autrices reviennent ainsi sur les traces d’une histoire de l’art inscrite aux croisements de l’érudition, de la connaissance empirique des œuvres et de la compréhension des formes saisies dans leur contexte. Le cas de François-Georges Pariset soulève par ailleurs des questions relatives à la fabrique institutionnelle de la discipline, dans le cadre universitaire de l’immédiat après-guerre jusqu’aux années 1970.

SOMMAIRE

Préface – Laurent Houssais

Avant-propos – Myriam Metayer et Adriana Sotropa

Patrimonialisation des modi operandi d’un historien de l’art  – Myriam Metayer & Adriana Sotropa

Dessiner pour mieux voir : archéologie d’une pratique ininterrompueAdriana Sotropa

  • Introduction
  • Amy, Jeanne et Mina : les « tantes de Nancy qui m’ont donné le goût de l’Art »
  • Dessiner d’après les maîtres : les débuts d’une carrière
  • Un purgatoire éternel ? Le Pariset de Georges de La Tour
  • De la pratique de l’aquarelle au stylo « Bic
  • La vie des formes selon Pariset

Un professeur à la faculté des lettres de Bordeaux (1952-1974)Myriam Metayer

  • Introduction
  • La « chaire » d’histoire de l’art moderne et contemporain : enjeux d’une dénomination
  • Les certificats d’histoire de l’art : un cadre national pour une spécificité régionale d’enseignement et de recherche
  • Liste des enseignements de François-Georges Pariset (1952-1968)
  • Aux sources du cours magistral
  • Par-delà le support pédagogique : une collection de diapositives pour un institut de  recherche

Panorama des archives : les fonds Pariset

Le fonds Pariset de l’Institut national d’histoire de l’art : une vie en archives – Sophie Derrot

Le fonds Pariset de la bibliothèque municipale de Bordeaux – Clotilde Angleys & Hélène Fleury Ameztoy

ANNEXES

Formation et carrière de François-Georges Pariset : chronologie indicative

Publications de François-Georges Pariset

Les archives iconographiques et audiovisuelles de la Reconstruction en France, de 1940 aux années 1960

Fruit d’un partenariat entre les Archives nationales et les Écoles nationales supérieures d’architecture, la journée d’étude sur « les archives iconographiques et audiovisuelles de la Reconstruction, de 1940 aux années 1960 », qui s’est tenue en 2021, s’inscrit dans un programme de recherche initié par le Bureau de la recherche architecturale urbaine et paysagère [BRAUP] du ministère de la Culture, intitulé « Architecture du XXe siècle, matière à projet pour la ville durable du XXIe siècle » (2016-2020).

Intitulée « Intervenir dans les logements reconstruits : de la méthodologie de recherche aux stratégies d’action », la recherche dirigée dans ce cadre par Christel Palant proposait, dans l’esprit de l’appel à projet, une articulation forte entre recherche, enseignement et stratégies d’intervention, sur un patrimoine souvent qualifié d’« ordinaire », mais qui constitue aujourd’hui une grande part de notre cadre de vie, urbain et bâti.

Ce premier état des lieux sur les sources iconographiques et audiovisuelles de la Seconde Reconstruction, disponibles dans les fonds d’archives publiques, doit permettre de donner aux chercheurs et aux professionnels œuvrant dans les territoires et les collectivités locales, une meilleure visibilité de la richesse des fonds disponibles et des possibilités qu’elles offrent, et ainsi concilier connaissance scientifique et intervention sur l’existant.

La publication, en ligne, est consultable ici :

https://books.openedition.org/pan/2911

Élèves & maîtresses. Apprendre et transmettre l’art (1849-1928)

Élèves & maîtresses. Apprendre et transmettre l’art (1849-1928), sous la direction de Marion Lagrange et Adriana Sotropa, Bordeaux, Presses universitaires de Bordeaux, 2022, 127 p., 53 ill.

Existe-t-il une spécificité de l’enseignement artistique au féminin ? À la fin du XIXe siècle, un nombre croissant de femmes accèdent à une professionnalisation, de la miniature au tableau de chevalet, en passant par la gravure. Certaines envisagent la pratique artistique sans avoir la nécessité d’en vivre, mais avec tout autant d’implication, rejetant le statut d’amatrices dans lequel on voudrait les circonscrire. En outre, l’artiste comme enseignante, souvent invisibilisée, occupe une place non négligeable dans les processus d’apprentissage. Cette mosaïque de profils et de trajectoires a pu émerger par le biais d’enseignements où la différenciation sexuée et la hiérarchisation des objets sont encore prégnantes. Appréhender cette histoire nécessite une déconstruction des schémas narratifs et une refonte des conventions linguistiques, l’introduction du mot maîtresse pouvant en faire partie.

Huit approches monographiques, études de cas d’élèves femmes, de maîtres et de maîtresses, à la tonalité parfois intimiste, entendent questionner la formation auprès d’un homme ou d’une femme. Des éléments de compréhension des relations et des enjeux qui s’établissent au sein de l’atelier, dans un contexte d’émancipation féminine, y seront également apportés.

SOMMAIRE

Préface – Séverine Sofio et Julie Verlaine

Dans les coulisses de l’enseignement artistique au féminin – Marion Lagrange et Adriana Sotropa

APPRENTISSAGE(S) GENRÉ(S)

L’atelier parisien de Félix-Joseph Barrias (1822-1907) et la formation des artistes femmes – Margarida Güell-Baró

Une élève à la recherche d’un maître : Dorothy Tennant (1855-1926) et Jean-Jacques Henner (1829-1905) – Mathilde Leduc

Juliette Roche (1884-1980) à l’académie Ranson. Une émancipation au prisme des maîtres – Fériel Dridi

TRANSMISSION(S) AU FÉMININ

Delphine de Cool (1830-1921), artiste et enseignante – Dominique Lobstein

Du Muséum à l’université des arts : l’enseignement de Madeleine Lemaire (1845-1928) – Michaël Vottero

Amélie Beaury-Saurel (1848-1924) : maîtresse et “férule bienveillante” à l’académie Julian – Magdalena Illán Martín et Custodio Velasco Mesa

Gabrielle Debillemont-Chardon (1860-1957). Grande maîtresse en miniature – Camille Lesbros

Professeures “spinsters” : Constance Mary Pott (1862-1957) et Laura Sylvia Gosse (1881-1968) – Camille Belvèze


Jalons pour une histoire de l’enseignement des artistes femmes (1849-1928) – Marion Lagrange

Bibliographie – Manon Grégoire

Repères chronologiques – Manon Grégoire

Maisons des bords de mer. Modernité et régionalisme en Charente-Maritime 1945-1980

Gilles Ragot, Maisons des bords de mer. Modernité et régionalisme en Charente-Maritime 1945-1980,  Paris, Hermann, coll. “Architectures contemporaines”, 2023, 235 p., 262 ill.

Fruit d’un programme de recherche lancé et financé par le Conseil d’architecture, d’urbanisme et de l’environnement de Charente-Maritime (CAUE), cet ouvrage constitue l’aboutissement de cinq années d’inventaire et de travail documentaire. Il a été récompensé du prix de l’Académie de Saintonge et du prix Pèlerin du livre régional.

 

Villa “Oasis”, rebaptisée villa “Boomerang” par l’usage populaire, Pierre Marmouget architecte, 9 allée Georges à Royan, 1955

Au cours des Trente glorieuses, l’émergence de la civilisation des loisirs voit se démocratiser les vacances, auparavant réservées à une frange aisée de la société. Cette profonde mutation économique et sociologique invite les architectes, mais aussi les entrepreneurs-concepteurs, à réinventer la résidence balnéaire qui, de villa cossue, devient une maison de vacances accessible au plus grand nombre. Le littoral de Charente-Maritime se révèle un riche territoire d’expérimentation, d’autant plus que la guerre a fait table rase de vastes secteurs de villégiature à Royan et dans ses communes limitrophes. L’architecture moderne, jusque-là absente des stations balnéaires – hormis dans sa déclinaison art déco -, y fait une entrée remarquée et renouvelle les codes de la villa de bord de mer, dont témoignent certains ouvrages exceptionnels. Le régionalisme, paradoxalement importé du sud-ouest basco-landais au cours des années vingt, livre également encore quelques réalisations de qualité. Toutefois, ici comme ailleurs sur tout le territoire, l’enjeu est quantitatif et la conception de la nouvelle villa balnéaire n’échappe pas à la réflexion plus large sur la production de la maison individuelle dont rêvent les Français.

Villa “Ombre blanche”, Claude Bonnefoy architecte, 70 boulevard Frédéric Garnier à Royan, 1958-1959

S’appuyant sur un corpus de 12 000 maisons identifiées dans les communes du littoral de Charente-Maritime, cet ouvrage retrace l’évolution de la villa balnéaire en simple maison de bord de mer. Il montre comment le rejet de l’architecture moderne et du régionalisme conduit dans les années soixante-dix à une banalisation des types et à la production d’une maison ordinaire, ainsi qu’à la revalorisation des caractères de l’architecture traditionnelle locale et l’invention d’une postmodernité vernaculaire créative.

SOMMAIRE

Avant-propos – Michel Gallice

I. Une maison singulière conjuguée au pluriel

  1. Définition d’un corpus
  2. Maison singulière et maison ordinaire
  3. Un corpus de 12 000 maisons

II. Les derniers feux du classicisme et du régionalisme 1945-1965

  1. Architecture balnéaire en Charente-Inférieure avant la seconde guerre mondiale
  2. Disparition de la culture historiciste dans la villégiature d’après-guerre
  3. Permanence et disparition du régionalisme balnéaire sur le littoral charentais

III. Une modernité inventive 1945-1965

  1. Émergence d’une architecture balnéaire moderne
  2. Une modernité de rupture : le secteur de Royan 1945-1960
  3. Modernité de rupture hors du secteur de Royan

IV. La banalisation des types 1960-1980, le boom des congés payés

  1. Dernières formes de la modernité 1960-1975
  2. Maison ordinaire ou maison générique
  3. Maison balnéaire et création postmoderne

Conclusion : la mort de la villa balnéaire ?

ARTISTES VOYAGEUSES. L’APPEL DES LOINTAINS (1880-1944)

Artistes voyageuses. L’Appel des lointains (1880-1944), sous la direction d’Ariele Pélenc, avec la collaboration de Marion Lagrange, Paris, Édition Snoeck, 2022, 264 p.

Cet ouvrage est publié au regard de l’exposition éponyme qui se déroule au palais Lumière à Évian du 11 décembre 2022 au 21 mai 2023, puis au musée de Pont-Aven, du 24 juin au 5 novembre 2023.

Alix Aymé, Affiche L’Annam, 1930, lithographie, 110 x 76 cm, coll. Ferrier-Lacombe

Dès la fin du XIXe siècle, un nouveau contexte, généré par les premiers mouvements féministes, encourage les femmes à s’affirmer hors de l’espace domestique, et promeut l’image d’une « femme nouvelle » actrice de son destin. Leur formation académique, effectuée à l’École des beaux-arts ou dans des académies privées, permet aux artistes femmes d’acquérir un statut professionnel, d’exposer aux salons, d’obtenir des bourses de voyage, de satisfaire aux commandes des Expositions universelles ou des expositions coloniales, comme à celles des compagnies maritimes.

Parallèlement, on observe un renouveau d’intérêt pour l’orientalisme, stimulé par le tourisme d’hivernage, notamment à Biskra, et encouragé par les expositions de la Société des peintres orientalistes français auxquelles participent Marie Caire-Tonoir, Marie Lucas-Robiquet et Andrée Karpelès.

À partir des années vingt, ce sont les territoires de « la plus grande France » qui invitent de nombreuses artistes aux voyages, de l’Afrique équatoriale à Madagascar, jusqu’à la péninsule indochinoise. C’est le cas de Marcelle Ackein, Alix Aymé, Monique Cras, Marthe Flandrin, Anna Quinquaud, Jane Tercafs et Jeanne Thil. D’autres voyagent jusqu’au Tibet et en Chine, telles Alexandra David-Neel, Léa Lafugie et Simone Gouzet. Pour Denise Colomb et Thérèse Le Prat, le voyage devient le moteur d’une carrière de photographe.

L’exposition s’intéresse également aux rares artistes n’appartenant pas à la culture occidentale qui ont voyagé : les Chinoises Fan Tchunpi et Pan Yuliang venues étudier aux Beaux-Arts de Paris, puis séjournant en Europe et en Chine. Contrairement aux récits des grandes voyageuses du XIXe siècle qui parcouraient le monde, du Spitzberg au Cap Horn, les itinéraires empruntés par ces artistes suivent la carte de l’expansion hégémonique européenne, et plus particulièrement celle de la colonisation française sous la Troisième République. Le regard des artistes femmes est sans conteste différent de leurs homologues masculins. La présence de nombreux portraits indiquent leur recherche d’une proximité avec les populations rencontrées, notamment celle des femmes dans leurs vies quotidiennes, auxquelles elles ont plus facilement accès. Si cette traversée d’un monde colonisé est exempte d’une vision raciste et caricaturale, elle ne s’accompagne pas pour autant d’une remise en question de la « mission civilisatrice » de la France. Lucie Cousturier est la seule, parmi les artistes, à critiquer le système colonial. Sa vie a basculé lorsqu’elle rencontre en 1916 des tirailleurs africains, installés dans un camp militaire près de sa maison à Fréjus. Elle leur apprend bénévolement le français et se lie d’amitié avec plusieurs d’entre eux. En 1921, elle embarque à Marseille pour un voyage de dix mois, du Sénégal au Soudan français. Mes inconnus chez moi (1920) et Mes inconnus chez eux (1925) sont les récits de cette aventure humaine.

Cette exposition réunit une trentaine d’artistes et de photographes, de la « Belle Époque » à la seconde guerre mondiale, dont les itinéraires artistiques ont emprunté les routes de l’ailleurs. Le catalogue articule des essais thématiques avec des notices biographiques sur les artistes femmes qui sillonnent l’exposition.

  1. Femmes nouvelles, nouvelles artistes
  2. L’Orient des voyageuses
  3. Un entre-deux-guerres en « Orient »
  4. De Paris à Madagascar : nouveaux territoires d’exploration artistique
  5. Du voyage à l’exil : artistes chinoises
  6. Itinéraires asiatiques : entre exotisme et ethnographie

Les artistes

Hélène Dufau, Amélie Beaury-Saurel, Jane Dieulafoy, Virginie Demont-Breton, Marie Caire-Tonoir, Grace Ravlin, Marie-Lucas Robiquet, Andrée Karpelès, Marcelle Rondenay, Suzanne Drouet-Réveillaud, Jeanne Thil, Marguerite Barrière-Prévost, Yvonne Mariotte, Geneviève Barrier-Demnati, Renée Bernard, Zofia Piramowicz, Marthe Flandrin, Lucie Cousturier, Anna Quinquaud, Marcelle Ackein, Jane Tercafs, Suzanne Létorey-Dumond, Raymonde Heudebert, Monique Cras, Odette du Puigaudeau, Thérèse Le Prat, Pan Yuliang, Fan Tchupi, Alix Aymé, Marie-Anoinette Boullard-Devé, Denise Colomb, Suzanne Bonnal de Noreuil, Élise Rieuf, Léa Lafugie, Simone Gouzé, Alexandra David-Neel.

 

François-Georges Pariset et les artistes lorrains dans les collections du palais des ducs de Lorraine-Musée Lorrain

Georges de La Tour, La découverte du corps de saint Alexis, huile sur toile, XVIIe siècle, Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain

Cet article de Pierre-Hippolyte Pénet, conservateur du patrimoine, chargé des collections XVe-XVIIIe siècles au Palais des ducs de Lorraine-Musée lorrain, est désormais en ligne sur le carnet Hypothèses dédié à F.-G. Pariset. Il est consultable en ligne et téléchargeable en pdf :

https://fgp.hypotheses.org/category/etudes

 

 

Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée

Dominique Jarrassé, Fiction coloniale et esthétique du divers. Le bas-relief d’Alfred Janniot au palais de la porte Dorée, Le Kremlin-Bicêtre, Éditions Esthétiques du divers, 2022, 226 p.

Chef-d’œuvre de la sculpture des années 1930, le bas-relief qui couvre la façade de l’ancien musée des Colonies, aujourd’hui, palais de la porte Dorée, est réalisé par Alfred Janniot pour l’Exposition coloniale de 1931. Sommet de l’art colonial, il demeure méconnu.

Dans un contexte d’appel au déboulonnage des statues liées à la colonisation, cet essai propose, posément et avec rigueur, une lecture approfondie et contextualisée de ce lieu majeur de notre mémoire coloniale où s’entremêlent fictions, idéologies, exaltation de la beauté et de la diversité…

Une postface dénonce, moins posément, le « boniment des placiers en produits [dé]coloniaux » et des nouveaux censeurs qui restaurent dénis et tabous.

SOMMAIRE

Avant-propos

Introduction

1. Aux marches du palais

  • Un non-lieu de mémoire ?
  • Des lectures dérivées
  • 1931, tournant anthropologique ?
  • Un chef-d’œuvre de l’Art Déco ?

2. Le chef-d’œuvre de l’art colonial n’est pas l’œuvre d’un “artiste colonial”

  • Pied de nez à la corporation
  • Le projet de Laprade et le rôle assigné à la sculpture
  • Le choix d’ “un” sculpteur
  • L’Unique et sa propriété

3. Mise en abyme de l’empire et de l’exposition

Angle Sénégal/Madagascar
  • Le programme iconographique du palais
  • Un atlas colonial
  • Mise en abyme et synthèse

4. Composition d’une fiction coloniale

  • “Le bas-relief est une œuvre de fiction”
  • Une “colonialité fictive”
  • Plastique et propagande

5. Tentative d’épuisement d’un bas-relief

  • Bas-relief ouest : Amérique-Océan Indien
  • Bas-relief sud-ouest : Afrique
  • Bas-relief est : Annam-Tonkin-Océanie
  • Bas-relief sud-est : Indochine
  • Portail central : la métropole

6. Modèles plastiques et sources documentaires

  • Un modèle “oriental hindou-khmer”?
  • Dictat réaliste et poids des sources
  • Une démarche naturaliste ?

7. Une poétisation du monde colonial par ellipse

  • Absence de troupes et de missionnaires
  • Les races
  • Les Travaux et les Jours
    La culture de l’hévéa (Indochine)

8. Une esthétique du divers

  • Exotique versus colonial
  • Un refus de l’histoire ?
  • Esthétique et domination
  • La nostalgie du Divers ?

9. Réceptions : puissance de l’image

  • Chronique d’un succès annoncé
  • Autorité des photos de Gilbert
  • Les méandres de la réception contemporaine

Postface : “Magnifique boniment de placiers en produits []coloniaux”

Brève chronologie. Quelques chiffres

Sources et bibliographie

 

 

L’Image nomade. La tapisserie des Indes et du Brésil au XVIIe siècle

Claudia P.  Damiani, A Imagem Nômade. A tapeçaria das Índias e o Brasil dos século XVII, Porto Alegre, ediPUCRS, 2022.

Chercheuse associée au CRHA, Claudia P.  Damiani publie dans la collection “História” un livre en partie issue des recherches entreprises au sein du Centre, sous la direction de Pascal Bertrand.

“L’omniprésence de l’image, dans ses différentes manifestations et procédés, est une empreinte dans le temps.

Peu de personnes ont conscience de la vigueur avec laquelle les images du monde extra-européen ont circulé au XVIIe siècle. La Tapisserie des Indes illustre l’ampleur de ce phénomène.

Cet ensemble de tapisseries véhicule des images de la connaissance et de la circulation mondiales, qui se manifestent par le biais de motifs exotiques.  La Tapisserie des Indes se fonde sur des images artistiques liées à l’occupation hollandaise au Brésil, diffusées par Maurice de Nassau. À partir de 1687, les thèmes brésiliens ont été tissés dans les ateliers de la Manufacture des Gobelins.

Ces images nomades possèdent une historicité, à savoir qu’elle sont connectées à des réseaux visuels et subissent, encore aujourd’hui, des transformations. Connaître une partie de l’histoire des images suppose une réflexion sur la vision du monde de l’humanité” (quatrième de couverture, traduit par Céline Ventura Teixeira)

Les pêcheurs (détail), tenture des Anciennes Indes, Manufacture royale des Gobelins, v. 1692-1723, Amsterdam, Rijksmuseum.

 

Pierre Fabre & Roger Taillibert. L’industriel et l’architecte : histoire d’une longue collaboration

Léa Tichit, Pierre Fabre & Roger Taillibert. L’industriel et l’architecte : histoire d’une longue collaboration, Toulouse, Presses universitaires du Midi, coll. Tempus Artis, disponible à partir du 13 septembre 2022, 66 p., 76 fig.

Doctorante du CRHA-F-G. Pariset (UR 538), Léa Tichit publie dans la collection dirigée par Quitterie Cazes, un ouvrage issu de ses premières recherches touchant l’architecture du xxe siècle. À travers cet ouvrage, elle souhaite rendre hommage à une collaboration exceptionnelle entre deux hommes profondément investis dans leurs milieux respectifs, à l’origine d’une architecture qui reflète les préoccupations et les valeurs de son commanditaire.

Roger Taillibert, centre de recherche Pierre Fabre, Castres, 1965. Photographie. © Groupe Pierre Fabre

La collaboration entre l’architecte Roger Taillibert (1926-2019) et l’industriel Pierre Fabre (1926-2013), qui s’étend sur plus d’un demi-siècle (1963-2016), a marqué le monde architectural et industriel. Cet ouvrage met au jour un pan méconnu de la carrière de Roger Taillibert : reconnu pour ses réalisations de complexes sportifs tels que le Parc des Princes de Paris ou le complexe olympique de Montréal, il livre également des édifices industriels à la demande de l’entreprise pharmaceutique Pierre Fabre. C’est de là qu’une réelle entente professionnelle et amicale va unir les deux hommes pour donner naissance à une écriture architecturale spécifique qui place la nature et l’humain au cœur des projets.

Roger Taillibert, hôtel Pierre Fabre, Avène, 2016. Photographie. © Groupe Pierre Fabre

 

SOMMAIRE

Avant-propos – Nicolas Meynen

Introduction – Deux hommes, une amitié, un parcours conjugué

  • Récit d’une rencontre
  • Le sport pour passion commune
  • Un rapport de confiance

Une écriture soumise aux contraintes de l’industrie

  • Des lieux fonctionnels
  • Des organisations spatiales ouverte
  • Des constructions de verre et de métal

La nature au cœur du propos

  • Des ouvertures sur l’extérieur
  • Des cadres paysagers construits
  • Des formes courbes à organiques

Conclusion – Une architecture au service d’une entreprise et de ses usagers

  • Prendre soin de l’Homme
  • Vers une architecture iconique

Appendice – Suite de l’aventure castraise au côté de Jacques Limouzy

 

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits

Redon retrouvé. Œuvres et documents inédits, sous la dir. de Dario Gamboni, Laurent Houssais, Pierre Pinchon, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 480 p., 300 ill. + détails.

Cette publication fait suite au volet rétrospectif du colloque international, Odilon Redon, hier & aujourd’hui, organisé en 2016 par le Centre François-Georges Pariset, en partenariat avec l’association Musée d’Art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’université de Genève, l’UMR 7303 TELEMME AMU-CNRS, et avec le soutien de la Région Nouvelle Aquitaine : https://pariset.hypotheses.org/884

S’appuyant sur une documentation inédite, issue des archives Redon/Bacou, cet ouvrage à visée monographique a été conçu pour satisfaire à la fois les attentes des spécialistes et celles des lecteurs désireux de (re)découvrir l’œuvre de cette figure majeure du Symbolisme. Les premiers y trouveront des éléments inédits ou attendus depuis longtemps, les seconds un découpage chronologique retraçant les principales périodes de la carrière d’Odilon Redon, de ses débuts dans les années 1860 à sa mort en 1916, ainsi qu’une abondante documentation sur l’un des plus singuliers et importants artistes de la fin du XIXe siècle.

Richement illustré grâce aux concours de musées prestigieux comme l’Art Institute of Chicago et le musée Van Gogh d’Amsterdam, l’ouvrage reproduit aussi de nombreux tableaux et des pastels inédits ou méconnus provenant de collections particulières. Cet ensemble est complété par deux carnets de dessins jamais publiés, intégralement reproduits, et une riche documentation photographique conservée dans les archives de l’artiste.

Cette publication est adossée à celle de “Sans adieu”. Correspondance Andries Bonger-Odilon Redon 1894-1916, sous la dir. de Dario Gamboni et Merel van Tilburg, Paris, Cohen & Cohen, 2022, 872 p., 274 ill. : https://www.cohen-cohen.fr/pages/detail.php?id=88

SOMMAIRE

Introduction – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

Note sur la correspondance familiale – D. Gamboni, L. Houssais et P. Pinchon

En famille

Odilon Redon et les siens – L. Houssais et P. Pinchon

Redon & Peyrelebade : l’œil du maîtreL. Houssais

Odilon Redon à ses débuts

« Ce que je désire, c’est d’être regardé » : œuvres refusées et projets d’illustration (1868-1887)P. Pinchon

Sur la Rive gauche : cercles et réseaux 1872-1885 – L. Houssais et P. Pinchon

Portfolio

Trois carnets inédits – Fred Leeman

Nuancier à visages – D. Gamboni

« Léonard devient scie » – D. Gamboni

Mémoires d’atelier

« Albums projetés » : une feuille à déplier – D. Gamboni

Dans les coulisses : Odilon Redon, ses encadreurs, imprimeurs et diffuseurs – Ted Gott

Lignages

Collectionner, commémorer, créer : Gustave Fayet et Odilon Redon – Alexandre d’Andoque

Redon en héritage(s) : Roseline Bacou, écrits et parcours – Charlotte Foucher

Bibliographie sélective

Index