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Art & Diplomacy in Cold War Romania : Transnational Exchanges & the Evolution of Socialist Realism : une conférence d’Irina Cărăbaș Olaru, professeure invitée 2025

Le CRHA F.-G. Pariset accueille en cette rentrée, du 20 janvier au 20 février, Madame Irina Cărăbaș Olaru, maîtresse de conférences en histoire de l’art contemporain et directrice du département d’histoire et théorie de l’art à l’université nationale d’art de Bucarest. Son domaine de recherche concerne l’art en Europe de l’Est pour la période contemporaine, notamment les avant-gardes historiques, le réalisme socialiste, les relations transnationales dans le bloc de l’Est et les survivances du Modernisme après la seconde guerre mondiale. On lui doit  par exemple Realismul socialist cu fața spre trecut. Instituții și artiști în România 1944-1953 [Socialist Realism facing the past. Institutions and artists in Romania 1944-1953], Cluj-Napoca, Idea Design&Print, 2017.

Leopoldo Méndez, La Fusillade, 1950, linogravure, Bucarest, musée national d’art de Roumanie

Menant actuellement des recherches sur la réception de l’art mexicain en Roumanie, elle élargit ses investigations sur la réception et la circulation de l’art mexicain en France de 1950 à 1960. Le musée des Beaux-Arts de Bordeaux a joué un rôle non négligeable dans cette histoire puisqu’il a accueilli une rétrospective sur l’Art mexicain contemporain : peinture et gravure en 1958.

Ses domaines de recherche et leurs développements futurs intéressent l’axe « Histoire de l’art : écrits, discours, langages » du CRHA. Irina Cărăbaș Olaru a récemment co-dirigé avec Adriana Sotropa, un volume d’hommage à Madame Iona Vlasiu, l’une des meilleures spécialistes de l’art roumain pour la période contemporaine.

Art & Diplomacy in Cold War Romania : Transnational Exchanges & the Evolution of Socialist Realism : cette conférence d’Irina Cărăbaș Olaru se tiendra le mercredi 12 février, de 14h à 15h, à la salle des thèses de la Maison de la Recherche.

This paper examines the role of cultural diplomacy in Socialist Romania during the 1950s through the lens of three significant art exhibitions held in Bucharest: Renato Guttuso (1954), Mireille Miailhe and Boris Taslitzky (1954), and a collective of Mexican artists (1955). Featuring works by international well-known artists, these exhibitions were integral to Romania’s broader diplomatic strategy of fostering connections with both the West and the Third World. The study explores how cultural exchanges, led by institutions like the Romanian Institute for Foreign Cultural Relations, facilitated transnational networks and influenced the evolution of Socialist Realism. Additionally, it investigates the complex interplay between Romanian cultural diplomacy and international actors, highlighting the dual impact of these exhibitions on diplomatic relations and domestic debates about Socialist Realism’s future.

Léa Tichit, première lauréate de la Bourse Majid Boustany 2025

Titulaire d’une thèse d’histoire de l’art contemporain sur Les expositions d’architecture en France : des premières initiatives à une institutionnalisation (1914-1977), menée sous la direction de Gilles Ragot (université Bordeaux Montaigne, CRHA F.-G. Pariset UR 538) et Nicolas Meynen (université Toulouse-Jean Jaurès, Framespa UMR 5136), Léa Tichit est lauréate de la première bourse Majid Boustany.
 
Le Fonds Majid Boustany, créé au sein du Fonds de dotation du musée du Louvre en 2020, propose une bourse de recherche depuis 2025. Cette bourse est destinée à soutenir une recherche doctorale ou post-doctorale en histoire de l’art, archéologie ou études muséales sur un thème concernant le musée du Louvre, sans restriction de période ni d’aire géographique.
 
Le projet de Léa Tichit est intitulé « Collectionner et exposer l’architecture au musée du Louvre (1793-1989) ».  Cette dernière entend analyser comment l’architecture est considérée, conservée et exposée au musée du Louvre, de l’ouverture au public de la Grande Galerie en 1793 à l’inauguration de la Pyramide en 1989, qui a renouvelé notre regard sur ce patrimoine. Cette recherche post-doctorale se fera au sein de la direction des études muséales et de l’appui à la recherche du musée du Louvre.
 
Pour télécharger le communiqué de presse : CP-LOUVRE_laureat-prix-Denon-et-bourse-Boustany
 
 

Les artistes face au catalogue d’exposition

Appel à communication. Pour tout·e artiste, une exposition représente un enjeu important : outre le fait qu’elle rende visible ses œuvres auprès d’un public de regardeurs, elle témoigne du soutien des organisateur·ices et de l’institution qui l’accueille, que celle-ci soit publique (musée, centre d’art, FRAC, etc.) ou privée (fondation, galerie, etc.). Dans ce contexte, la production d’un catalogue apparaît souvent comme un atout supplémentaire dans la carrière d’un·e artiste : il est une trace pérenne de la manifestation, diffusant potentiellement des reproductions de ses œuvres au-delà des limites spatio-temporelles du lieu d’exposition, et pouvant s’accompagner de textes critiques qui participent à la réception théorique de son œuvre et qui peuvent s’imposer comme des références pour la postérité historiographique de l’artiste.

Cette manifestation scientifique, qui s’inscrit dans la série de journées d’étude sur le catalogue d’exposition lancée en mai 2023, se propose d’interroger la manière dont les artistes se positionnent à l’égard de cet objet catalogue d’exposition, qu’il s’agisse d’artistes des périodes modernes et contemporaines ou d’artistes vivant·es, de catalogues d’expositions personnelles ou collectives, de catalogues produits par des institutions publiques ou privées.

Comment les artistes sont-ils/elles amené·es à participer ou non à la production des catalogues ? Comment s’impliquent-ils/elles dans le processus éditorial ? Y publient-ils/elles volontiers des textes personnels ? Des entretiens sont-ils réalisés spécifiquement pour le catalogue ? Des textes antérieurs sont-ils réédités ? Le catalogue peut-il se transformer en une anthologie de textes critiques sur le travail de l’artiste ? L’artiste peut-il/elle décider de la mise en page, du graphisme, au-delà même de la question plus spécifique du livre d’artiste, déjà largement étudiée ?

Par ailleurs, dans quelle mesure l’artiste est-il/elle amené·e à contrôler le discours autour de son œuvre ? Décide-t-il/elle des auteur·ices invité·es à écrire sur son travail ? Peut-il/elle exercer une forme de censure sur les textes produits à cette occasion ?

Le « catalogue », dont la durée de vie est liée à celle de l’exposition, est-elle la meilleure formule pour accompagner durablement les sujets soulevés dans une exposition et questionnés par les artistes ?

Qu’en est-il des formes non-orthodoxes du catalogue, de la dimension créative de ce format ? Dans quelle mesure les artistes s’en emparent-ils/elles pour le transformer en un autre type de livre, ou pour en faire une publication hors livre ?

Quid des artistes qui assurent le rôle de commissaire d’exposition ? Deviennent-ils/elles nécessairement directeur·ice du catalogue ? Comment s’exprime alors leur regard sur la production d’autrui ? Dans le cas de catalogues d’expositions collectives, leurs œuvres sont-elles également présentées, au même titre que celles des autres artistes ?

Enfin, quel impact a un catalogue sur la carrière d’un·e artiste ? Que se passe-t-il lorsque des artistes refusent l’édition de catalogues accompagnant leurs expositions ? À l’inverse, comment certains catalogues se distinguent dans la carrière d’artistes qui ont bénéficié de nombreuses publications autour de leur travail ? Arrive-t-il, dans la réception de l’œuvre d’un·e artiste, que des catalogues soient plus importants que les expositions qu’ils accompagnent ?

Toutes ces questions pourront être interrogées sur le temps long, afin de comprendre si et dans quelle mesure l’implication des artistes a pu suivre l’évolution des formes du catalogue d’exposition comme sa généralisation, ou si chaque cas est un cas individuel, quelle que soit la période concernée.

Cette manifestation se tiendra à Bordeaux le jeudi 22 et le vendredi 23 mai 2025.

Modalités de soumission des propositions

Pour cette journée d’étude sont attendues des propositions de doctorant·es, de post-doctorant·es, d’universitaires, mais aussi celles d’artistes et de commissaires d’exposition et/ou directeur·ices de publication qui ont été amené·es à travailler plus ou moins régulièrement avec des artistes à l’occasion d’une exposition ayant conduit à la publication d’un catalogue.

Les propositions de communication (5 000 signes maximum) seront accompagnées d’une courte bibliographie et de quelques lignes de présentation bio-bibliographique de l’auteur·ice. Elles sont à envoyer par mail jusqu’au 3 février 2025 aux trois membres du comité d’organisation.

Comité d’organisation

Hélène Trespeuch, professeure d’histoire de l’art contemporain, université Bordeaux-Montaigne, CRHA – F.-G. Pariset (UR 538) : helene.trespeuch@u-bordeaux-montaigne.fr

Marie Gispert, professeure d’histoire de l’art contemporain, université Grenoble Alpes, LARHRA (UMR 5190) : marie.gispert@univ-grenoble-alpes.fr

Mica Gherghescu, conservatrice à la Bibliothèque Kandinsky, Mnam, Centre Pompidou, Paris : mica.gherghescu@centrepompidou.fr

Comité scientifique

Cédric Fauq, commissaire en chef et responsable du service des projets au Capc − Musée d’Art Contemporain de Bordeaux.

Céline Kopp, directrice du Centre national d’art contemporain Le Magasin, Grenoble.

Magali Nachtergael, professeure en littérature française (XXe et XXIe siècles), théorie et arts visuels, université Bordeaux Montaigne, Plurielles (UR 24142).

Cyril Vergès, chargé des éditions (papier et numérique) et de la documentation, FRAC Nouvelle-Aquitaine MÉCA.

“Grands maîtres” ?! Démocratisation de l’art et dé/construction des canons (XIXe-XXIe siècles)

Appel à communication. La monographie d’artiste constitue en histoire de l’art un modèle d’écriture dont s’est emparé le milieu éditorial à compter du XIXe siècle. Cette période a vu se multiplier de nombreuses collections de livres et de fascicules monographiques, publiées pour toucher un plus large public, et ce au nom de la vulgarisation de l’art. Aujourd’hui, les récits biographiques circulent au travers de supports de médiation d’une grande variété (bande dessinée, roman graphique, film documentaire, biopic, capsules vidéo ou audio, etc.). Au regard de cette évolution culturelle, il s’agit d’interroger les processus de construction et de déconstruction des canons artistiques constitutifs du modèle de discours biographique et de questionner le phénomène de la démocratisation de l’art en considérant la pluralité des médias qu’il convoque.

Argumentaire

« Grands maîtres », « grands peintres », « pionniers », « pionnières »… : il n’est pas rare de croiser ces locutions dans les intitulés de collections pour des bandes dessinées, des films documentaires ou encore des web séries. Les argumentaires de ces productions se font souvent écho. Par exemple, le projet de la collection « Grands peintres » (2015-2017), qui consiste à « dresser en bande dessinée un portrait de ces hommes hors du commun » (site de Glénat), fait écho à « la (re)découverte du travail des peintres qui ont marqué le monde de l’art » (site de Museum TV) de la série documentaire « Les plus grands peintres du monde » (2016-2017).

Ces récits biographiques, par leur caractère prolifique et par la variété de leurs supports, témoignent du dynamisme de la sphère culturelle dans laquelle ils s’inscrivent. Pourtant, le modèle de discours qui les caractérise demeure ancré dans le sillage des conceptions traditionnelles de l’histoire de l’art. La terminologie en usage emprunte par ailleurs aux monographies d’artistes éditées à partir de la deuxième moitié du XIXe siècle sous la forme de séries et de collections illustrées. Friederike Kitschen, dans Als Kunstgeschichte populär wurde (Berlin, 2021), a récemment mis en évidence le rôle de ces publications dans la construction des canons nationaux. Diffusées dans toute l’Europe, et très souvent le fruit de co-éditions, ces séries aux intitulés suggestifs – Grands maîtres, Grands peintres, Les artistes célèbres, Les peintres illustres, Les maîtres de l’art moderne, Les maîtres de demain… – ont été des facteurs de la canonisation d’un noyau d’artistes européens, essentiellement masculins, selon un mécanisme de sélection et de répétition favorisant, d’une série à l’autre, leur identification. Vendues à prix modique et destinées aux « amateurs » comme aux « curieux », ces séries ont contribué à la visibilité d’une histoire de l’art canonique. Affleurent ici les implications idéologiques de pratiques éditoriales à relier au phénomène de la démocratisation de l’art, terme déjà identifié au tournant du XIXe siècle pour désigner l’idée de mettre l’art, et plus largement son histoire, à la portée du plus grand nombre[1].

À l’occasion de cette journée d’études pluridisciplinaire, nous souhaitons contextualiser et historiciser l’articulation entre cette démocratisation et la fabrique des canons. On se propose d’analyser les biographies d’artistes produites en dehors du contexte académique – mais pas nécessairement sans lien avec celui-ci – et diffusées sur des supports variés, du livre aux médias numériques. Comment ces biographies ont-elles évolué, selon quelles narrations et pour quelle agentivité ? En quels termes la fabrique et la circulation des récits reconfigurent-elles les canons ? Entre l’« héroïsation » de l’artiste (Ernst Kris et Otto Kurz, 1934) et sa « singularisation » (Nathalie Heinich, 1991), comment contribuent-elles à les déconstruire ou, au contraire, à les pérenniser ? Dans quelle mesure s’y rejoue la figure du « grand maître » ou du « pionnier » dont l’ancrage historique a depuis longtemps été mis en évidence, en particulier depuis le point de vue des études sur le genre et sur les artistes femmes (Griselda Pollock, 1999) ? La construction de ces récits et la nature des supports sur lesquels ils circulent constituent-ils un frein à une vision non occidentale de l’art ou, d’une manière générale, à une approche atypique de l’art (par exemple, un art sans artiste) ? Par-delà ces questions, nous invitons les participants à considérer l’histoire de l’art « dans sa dimension culturelle », pour citer Claire Barbillon, et « non comme auxiliaire d’une pratique » (2005).

Axes

Sans exclure d’autres approches, les contributions pourront s’inscrire dans l’un des axes suivants :

  • Protagonistes de la démocratisation de l’art et circulation des canons

 Une première piste de réflexion portera l’attention sur les réseaux d’acteurs (auteurs, éditeurs, institutions, universitaires ou spécialistes…) afin de considérer l’influence des dynamiques collectives sur la fabrique et la circulation des canons, notamment dans une approche transnationale. Qu’il s’agisse de collections de fascicules, de collections de bandes dessinées, ou bien encore de séries de documentaires télévisées, les productions sont souvent issues de coopérations internationales. Comment ces échanges ont-ils contribué à développer un socle de figures artistiques communes tout en veillant à varier certaines d’entre elles en fonction des aires culturelles ? La question des transferts culturels pourra, par ailleurs, être soulevée au prisme de l’étude d’une figure artistique et des déclinaisons des biographies qu’elle nourrit selon les lieux de publication. En outre, à quelles logiques économiques et institutionnelles les protagonistes de la démocratisation de l’art se conforment-ils encore aujourd’hui pour perpétuer ou faire évoluer une vision canonique de l’histoire de l’art ?

  • Représentations et historiographie de la figure de l’artiste

 Le traitement narratif et idéologique des récits biographiques constitue un autre angle d’approche. Déjà, en 1906, le romancier Romain Rolland mettait en exergue un Michel-Ange souffrant, presque christique, dans le volume qu’il lui consacrait dans sa série des « Vies des hommes illustres ». Depuis les années 2000, des bandes dessinées, des romans graphiques ou des productions cinématographiques – tels que Niki de Saint Phalle. Le jardin des secrets (Casterman, 2014), Niki de Saint Phalle. Shooter la vie (Eyrolles, 2023) et le biopic Niki (2024) –, ont développé des histoires croisant librement fiction et connaissances historiques de manière à explorer la subjectivité des artistes et leur rapport au quotidien. Quelle place ont les recherches documentaires propres (archives, iconographie, entretiens…) dans la construction du récit ? Quelles valeurs et quels imaginaires, par-delà les savoirs sur l’art, ces représentations contribuent-elles à véhiculer ? Les artistes femmes bénéficient-elles, dans ce contexte de la démocratisation de l’art, d’une plus grande attention ? Au contraire, les figures de génie, de héros et de pionnier sont-elles propices à véhiculer, revisiter ou déconstruire la notion de chef-d’œuvre et une conception téléologique de l’histoire ? En ce sens, on pourra s’interroger sur les spécificités de la mise en récit de la figure de l’artiste. En quoi diffère-t-elle de celle d’un protagoniste historique ? Enfin, quel est le rôle joué par ces récits dans la redécouverte ou dans l’appréhension des artistes, non seulement pour le public mais aussi pour les spécialistes ? La démocratisation de l’art peut-elle contribuer à vaincre des résistances au sein du milieu académique ?

  • L’œuvre mise en mots et en images

Un autre axe que nous souhaitons explorer est celui de l’appréhension de l’artiste comme producteur d’un art visuel. De quelle manière l’écrivain, le dessinateur, le scénariste, le documentariste ou le cinéaste, parviennent-ils à rendre compte de la dimension plastique des œuvres ? L’appropriation d’une esthétique constitue-t-elle l’unique moyen pour restituer l’œuvre d’un artiste ? L’auteur est-il amené à s’effacer face à l’artiste ? Ces questions conduisent à interroger le choix des œuvres évoquées, en termes verbaux comme visuels. En effet, dans le processus de démocratisation de l’art, la production des « grandes » figures artistiques semble avoir été restreinte à des corpus d’œuvres canoniques. Comment la pensée auctoriale peut-elle contribuer à reconduire ou à revisiter ces corpus ? Aussi, on pourra soulever l’enjeu de l’histoire des œuvres. Dans quelle mesure la tradition du récit biographique dans la vulgarisation des sciences historiques a-t-elle négocié avec une approche des œuvres dans leur contexte ?

  • Médialités et matérialités des récits biographiques

 On attend également que les contributions abordent la re/configuration des canons au prisme de l’historicité et de la diversité des supports de diffusion. Plus précisément, il s’agira de questionner l’articulation, voire les tensions, entre les univers visuels et discursifs de supports de circulation qui témoignent d’attentes et de pratiques différentes. Du livre aux nouveaux médias, comment les modèles d’énonciation des biographies d’artiste sont-ils revisités ? Quelles sont les incidences de leur adaptation, en termes de reconduction et/ou de déconstruction des canons, d’un média à un autre ? On pourra alors s’interroger sur la distance induite entre la nature du support, son caractère éventuellement ludique et la prise en considération, ou non, des études historiques – doctorats, catalogues d’exposition, travaux scientifiques – et des nouvelles approches en histoire de l’art.  Les propositions s’emparant des outils et des méthodes à même d’analyser la transmédialité de ces récits – c’est-à-dire la manière dont ils circulent d’un média à un autre – seront appréciées.

Modalités de soumission des propositions

Cette journée d’études pluridisciplinaire se tiendra à Bordeaux le jeudi 9 octobre 2025.

Les communications ne devront pas excéder 25 minutes. Les propositions de 3 000 signes maximum seront accompagnées d’un titre provisoire et d’une courte biographie de 500 signes maximum. Elles seront adressées avant le lundi 31 mars 2025 à :

Marion Lagrange (marion.lagrange@u-bordeaux-montaigne.fr)

et

Myriam Metayer (myriam.metayer@u-bordeaux-montaigne.fr)

Le comité scientifique transmettra ses réponses fin avril 2025 au plus tard.

Une publication sera programmée à la suite de la manifestation scientifique.

Orientations bibliographiques

« La monographie d’artiste », Perspective : la revue de l’INHA, n° 4, 2006.

Agosti Giovanni, « Vicissitudes récentes de la monographie d’art, Réflexions italiennes (1982-1985) », Actes de la recherche en sciences sociales, vol. 66-67, mars 1987, Histoires d’art, p. 95-104.

Barbillon Claire, « Un ‘‘vaste musée […] de jouissances artistiques’’ : L’Histoire des peintres de toutes les écoles depuis la Renaissance jusqu’à nos jours (1848-1876) de Charles Blanc », Revue de l’art, n° 182, 2013-4, p. 27-34.

Barbillon Claire, « ‘‘L’Art pour tous’’, une ‘‘mission de propagande éthique’’ », dans Dominique Viéville (éd.), Histoire de l’art et musées, actes de colloque, Paris, 2001, Paris, École du Louvre, 2005, p. 89-111.

Bottinelli Silvia, « Carlo Ludovico Ragghianti (1910-1987) e il Concetto di Divulgazione della Ricerca Storico-Artistica », Predella, n° 28, 2011, p. 62-75.

Bottinelli Silvia, « La Divulgazione della Storia dell’arte in Italia dal Secondo Dopoguerra agli Anni Sessanta. L’ultimo ‘‘Emporium’’ (1946-1964) », dans Massimo Ferretti (dir.), Emporium, parole e figure, Pisa, Edizioni della Scuola Normale Superiore, 2009, p. 555-588.

Citton Yves, Pour une écologie de l’attention, Paris, Éditions du Seuil, 2014.

Diodà Valentina, « Maestri, Classici, Diamanti. La divulgazione della storia dell’arte nei collezionabili », Classici : strategie di sopravvivenza : casi editoriali tra promozione e rinnovamento, Quaderni del master di editoria, 14, edizioni Santa Caterina, 2021, p. 155-164.

Heinich Nathalie, La gloire de Vincent Van Gogh. Essai d’anthropologie de l’admiration, collection « Critique », Paris, Les éditions de Minuit, 1991.

Kitschen Friederike, Als Kunstgeschichte populär wurde. Illustrierte Kunstbuchserien 1860-1960 und der Kanon der westlichen Kunst, Berlin, Deutscher Verlag für Kunstwissenschaft, 2021.

Kris Ernst et Kurz Otto, L’Image de l’artiste : légende, mythe et magie : un essai historique, Paris, Rivages, 1987 (1re éd. : Vienne, Krsytall Verlag, 1934).

Lesage Sylvain, « Bande dessinée et histoire. De l’histoire des représentations à l’histoire culturelle », Sociétés & Représentations, n° 53, printemps 2022, p. 15-38.

Nachtergael Magali, Quelles histoires s’écrivent dans les musées. Récits, contre-récits et fabrique des imaginaires, Paris, MKF Éditions, 2023.

Pollock Griselda, Differencing the Canon. Feminist Desire and the Writing of Art’s Histories, Londres et New York, Routledge, 1999.

Comité d’organisation

Marion Lagrange, CRHA F.-G. Pariset, université Bordeaux Montaigne Myriam Metayer, CRHA F.-G. Pariset, université Bordeaux Montaigne

Comité scientifique

Irene Baldriga, Università Sapienza, Rome ; Friederike Kitschen, chercheuse indépendante ; Marion Lagrange, CRHA F.-G. Pariset, université Bordeaux Montaigne ; Myriam Metayer, CRHA F.-G. Pariset, université Bordeaux Montaigne ; Hélène Trespeuch, CRHA F.-G. Pariset, université Bordeaux Montaigne

Pour télécharger l’ensemble de cette annonce : JE canons-démocratisation-UBM

[1] Le terme de « démocratisation de l’art » émerge à la fin du XIXe siècle pour faire référence à la démocratisation de l’enseignement artistique, à la libéralisation du marché mais aussi à une production artistique où l’estampe incarne un espace de création en soi. Toutefois, c’est au travers de la « vulgarisation des arts », dont le principe est développé par des sociétés d’éducation populaire, telle la société de vulgarisation artistique « L’Art pour tous » (1901), que la démocratisation de l’art prend le sens d’une éducation à l’art et à son histoire pour le plus grand nombre. Dans un même temps, les publications illustrées telles que le Figaro illustré ou L’Art français en revendiquent le concept, et ce parallèlement à une diffusion accrue des œuvres par la gravure.

 

Hélène Fernandez, lauréate du Prix du musée d’Orsay 2023

Le jury du Prix du musée d’Orsay, composé de Laure Chabanne, conservatrice en chef au musée d’Orsay, Élise Dubreuil, conservatrice en chef au musée d’Orsay, Philippe Kaenel, professeur à l’université de Lausanne, Stéphane Paccoud, conservateur en chef au musée des Beaux-Arts de Lyon, et Bertrand Tillier, professeur à l’université de Paris I Panthéon-Sorbonne, est heureux d’annoncer que le Prix du musée d’Orsay 2023 a été décerné à la thèse d’Hélène Fernandez, « Arsène Alexandre (1859-1937), critique et écrivain d’art, collectionneur et fonctionnaire des beaux-arts », menée à l’université de Bordeaux-Montaigne et l’École du Louvre sous la direction de Catherine Chevillot et Dominique Jarassé, soutenue le 15 décembre 2021 : https://pariset.hypotheses.org/4345

Le jury a souhaité récompenser un travail remarquable par sa qualité formelle ainsi que par l’ampleur et la richesse de ses annexes. L’approche, rigoureuse, échappe à la tentation de réhabilitation qui limite parfois l’appréhension monographique des personnalités complexes. L’apport de ce travail est manifeste pour l’histoire de l’art du XIXe siècle : son succès et son utilité dans la communauté scientifique semblent certains et le jury se réjouit d’une publication qui permettra à un public plus vaste d’en prendre connaissance.

L’Œil du connaisseur. Dessins de François-Georges Pariset (1904-1980) historien de l’art

Le vernissage de l’exposition « L’œil du connaisseur. Dessins de François-Georges Pariset (1904-1980) historien de l’art » se déroulera le 12 décembre à 15h00, au 4e étage de la bibliothèque municipale de Bordeaux.

Cette exposition complète l’ouvrage de Myriam Metayer et Adriana Sotropa, Dessiner, enseigner. François-Georges Pariset (1904-1980), historien de l’art au XXe siècle (Bordeaux, PUB, 2024) : https://pariset.hypotheses.org/5597. L’exposition dure jusqu’au 12 janvier 2025.

Du haut des murs. La végétalisation des fortifications, une histoire d’art militaire 

La soutenance de l’habilitation à diriger les recherches de Nicolas Meynen, maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Toulouse Jean Jaurès, préparée sous la garantie du professeur Gilles Ragot, aura lieu le vendredi 22 novembre 2024 à 14 heures à l’université Bordeaux Montaigne, amphithéâtre de la Maison des Suds, Esplanade des Antilles, à Pessac. La soutenance est publique.

Le jury est composé de : Gilles Ragot, professeur en histoire de l’art contemporain à l’université Bordeaux Montaigne, garant de l’habilitation ; Valérie Nègre, professeure d’histoire des techniques, université Paris 1 Panthéon Sorbonne, rapporteur ; Jean Nayrolles, professeur d’histoire de l’art contemporain, université Toulouse Jean Jaurès, rapporteur ; Caroline Le Mao, professeure d’histoire moderne, université Bordeaux Montaigne ; Laurent Baridon, professeur d’histoire de l’art contemporain, université Lumière Lyon 2.

Résumé

La végétalisation des fortifications au moyen d’arbres, de haies, d’herbes et de gazons, est une pratique ancienne, disparue du paysage actuel, qui remonte en France au moins à Vauban (1633-1707). Une cinquantaine d’années après l’épanouissement du jardin français d’agrément à la fin de la Renaissance et surtout après la fin des Guerres de religion, apparaît sous sa plume, la mention de plantations par les militaires sur les fortifications, à savoir les ouvrages de défense. Dorénavant, parmi les éléments constitutifs du paysage de la fortification permanente des places de guerre terrestres ou côtières, tendent à se trouver des plantations sur les remparts bastionnés et les glacis dès lors que le sol est arable. Décidée et orchestrée par le corps du génie, organisée par le Ministre de la Guerre par deux tentatives en vain en 1795 et en 1833, leur présence n’a pas une trajectoire linéaire dans l’histoire de la fortification moderne et contemporaine, et pourtant leur figuration sur des relevés et sur des documents techniques de précision, indique qu’elles ne sont certainement pas là comme décorum mais en raison du rôle qu’elles ont joué principalement dans la défense passive. Peut-on parler d’un absolu idéal commun à toutes les places fortes de France ? Cette hypothèse vers laquelle tend la vision de certains ministres de la Guerre au XIXe siècle, s’avère plus nuancée et plus riche, en raison de la variété des besoins en termes de défense, d’économie, de disponibilité de bois, de salubrité, ouvrant sur des champs disciplinaires connexes, au premier abord insoupçonnés, qui n’ont pas pris en compte jusqu’ici l’existence des plantations sur les fortifications : l’histoire de la défense, l’histoire de la ville, l’histoire économique, l’histoire des paysages, l’histoire des jardins, l’histoire des techniques, l’histoire sociale et environnementale, ainsi que bien sûr l’histoire de l’art.

Défense de Paris. Abattage des arbres du bois de Boulogne dans la zone avoisinant les fortifications, gravure sur bois, 1870, par Jean-Louis Provost. Extrait de “L’Illustration journal universel”, N°1436 du 3 septembre 1870. Bib. Mun. Valenciennes, G-F19SME0003.

Si cette étude sur les plantations sur les fortifications permet de considérer la matérialité de la défense des places fortes dans son système complet, et de prendre en compte les arbres comme des acteurs de l’histoire, elle se double d’une recherche-action inédite à l’heure de l’intégration des espaces de nature urbaine. Situés au cœur des villes, ces anciens sites fortifiés devenus patrimoniaux, ont aujourd’hui un intérêt écologique évident comme le confirme l’histoire. Dans notre époque en lutte contre le réchauffement climatique, où la surenchère confère à la nature en ville des vertus toujours plus complexes, l’étude révèle le potentiel oublié qu’offrent les fortifications pour ébaucher une nouvelle forme de verdissement en cohérence avec le site et son passé défensif.

 

Peindre les Muses, de l’allégorie à l’antonomase. Étude diachronique d’une iconographie au service des arts entre le XVe et le XVIIIe siècle

Sarah Crépieux-Duytsche soutiendra sa thèse de doctorat d’histoire de l’art moderne, intitulée Peindre les Muses, de l’allégorie à l’antonomase. Étude diachronique d’une iconographie au service des arts entre le XVe et le XVIIIe siècle, le 13 novembre 2024 à 14h00, dans la salle des thèses de la Maison de la Recherche (université de Bordeaux Montaigne, esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Cette thèse a été menée sous la direction de Pascal Bertrand, professeur émérite en histoire de l’art moderne à l’université Bordeaux Montaigne (CRHA F.-G. Pariset UR 538).

 Le jury est composé d’Estelle Leutrat, professeure en histoire de l’art moderne (université de Poitiers), d’Éric Francalanza, professeur des universités (université de Bretagne occidentale), de Laurence Riviale, maîtresse de conférences HDR en histoire de l’art moderne (université de Clermont Auvergne) et de Sabine du Crest, maîtresse de conférences HDR en histoire de l’art moderne (université de Bordeaux Montaigne).

Résumé

Entre le XVe et le XVIIIsiècle, les représentations en peinture des Muses allégoriques et antonomastiques composent par leur polysémie un discours sur la musique, la poésie, mais aussi les arts du disegno.

Les Fables des Muses survivent et parviennent transformées. Les peintres modernes s’inspirent ainsi d’un mythe enrichi par la théorie de la musique des sphères de Pythagore, par les relectures de Martianus Capella ou Fulgence, mais aussi par les muses amoureuses d’auteurs néolatins comme Dante ou Pétrarque. Les Muses incarnent alors les conceptions humanistes sur les arts.

Bartholomeus Spranger, Apollon et les Muses, après 1590, huile sur marbre, 37 x 49 cm, Vienne, Kunsthistorisches Museum

L’objectif de cette thèse est de démontrer que la représentation des Muses en histoire de l’art relève d’une transposition artistique de leur définition poétique et musicale dans laquelle la peinture se trouve figurée. C’est par l’analyse comparative d’un large corpus à l’aide d’une typologie et au regard de la littérature poétique, musicale, philosophique et hermétique que sont décelés les significations et les enjeux symboliques relatifs à cette transposition. Une approche diachronique démontre la permanence de conceptions des Muses durant toute la période moderne.

Cette thèse établit ainsi que les filles de Mnémosyne sont des déesses de l’harmonie musicale, céleste et amoureuse. À la rencontre du De institutione musica de Boèce, du De gentilium deorum Imaginibus de Ludovico Lazzrelli ou de la pensée de néoplatoniciens comme Marsile Ficin, elles deviennent des créatures célestes qui vivent dans l’entre-deux-mondes. Dans cette sphère des idées, elles inspirent peintres et poètes afin d’élever l’Âme humaine vers Dieu par les arts et savoirs.

En outre, elles s’allégorisent tout comme leur Mouseîon, et se muent en patronnes de l’Art de la mémoire et du Disegno. Elles sont ainsi l’expression artistique du topos « Ut pictura poesis ». Il en va de même pour les muses antonomastiques ou « muses d’artistes » qui, semblables aux muses des poètes néolatins, accompagnent l’élaboration des œuvres. Les peintres s’entourent de Béatrice et de Laure qui participent activement à la création. Le rôle de ces muses charnelles, comme les autoportraits en Muse de peintresses, reflète alors la réappropriation par les artistes du concept de muse en tant que mythe de la peinture.

Du nouveau sur le passé – cycle de conférences sur l’actualité de la jeune recherche en archéologie, histoire et histoire et l’art

L’idée de ce cycle de conférences a progressivement émergé des discussions menées entre deux doctorants du CEMMC – Clément Ferrier et Clément Monseigne – et Laurent Houssais, directeur du centre de recherche en histoire de l’art F.-G. Pariset (CRHA).  Stimulant les liens entre les doctorants et doctorantes de trois centres de recherche de l’université Bordeaux Montaigne – Ausonius, le CEMMC et le CRHA, trois unités qui s’intéressent de près au passé, de la préhistoire à l’époque contemporaine –, leur objectif est de valoriser les travaux des jeunes chercheurs auprès du grand public, dans le cadre du label SAPS (Sciences avec et pour la société) obtenu par l’université Bordeaux Montaigne.  Ce premier cycle de conférences pluridisciplinaire se déroulera intégralement dans l’auditorium de  la bibliothèque Mériadeck. Cette manifestation relaie et développe un cycle similaire, organisé en 2022-2023, mais uniquement par les doctorantes du CRHA.

5 novembre 2024, 18h00. Clément Monseigne (CEMMC) – Être soldat au siècle des Lumières

5 décembre 2024, 18h00. Julien Gravier (Ausonius) – La métallurgie du fer en Grèce antique

9 janvier 2025, 18h00. Manon Grégoire (CRHA F.-G. Pariset) – Les artistes bordelais sous la plume des salonnières au tournant du XXe siècle

4 février 2025, 18h00. Francesca Romana Posca (CRHA F.-G. Pariset) – Artistes italiennes : affirmation et présence sur la scène internationale  (1870-1915)

25 février 2025, 18h00. Jean-Charles Daumy (CEMMC) – La noblesse et le progrès au XVIIIsiècle

4 mars 2025, 18h00. Inès Arnaud (CEMMC) – Des nobles en exil : l’émigration des Rohan durant la Révolution française

15 avril 2025, 18h00. Méganne Moulon (Ausonius) – La sculpture gréco-romaine, une production industrielle ?

24 avril 2025, 18h00. Pauline Anicet (CEMMC) – Vivre et survivre à la violence : le génocide en Biélorussie (1941-1944)

15 mai 2025, 18h00. Clément Ferrier (CEMMC) – L’extrême droite et sa propagande : la Belgique de l’entre-deux-guerres

10 juin 2025, 18h00. Alicia Pertoldi (CRHA F.-G. Pariset) – La diffusion de la culture architecturale bordelaise

Rome et Paris en regard : transferts artistiques au cœur des capitales cosmopolites (1870-1918)

Appel à communication. Dès 1870, le Royaume d’Italie envisage une nouvelle politique culturelle où Rome regagnerait son rôle de centre artistique européen de premier plan. Pour accomplir cette ambition, les échanges avec Paris, « capitale du XIXe siècle » (W. Benjamin), s’intensifient.

Un dialogue constant entre les artistes et les institutions des deux capitales est soutenu par les séjours académiques, les déplacements professionnels, les voyages. La réalité de ces échanges se dévoile par exemples dans le séjour des Italiens à Paris (Antonio Mancini, Giuseppe De Nittis, Giovanni Boldini, Francesco Netti) ou la présence des Français à Rome (pensionnaires de la Villa Médicis). Ces interactions s’étendent aux artistes d’autres nations, résidants ou de passage dans les deux villes.

Avec ses académies et ateliers renommés, ses galeries d’art, ses Salons et ses expositions universelles et internationales, Paris offre une atmosphère libérale et cosmopolite qui permet aux artistes de divers horizons de se rencontrer, d’échanger, créant ainsi un terreau fertile pour amorcer et développer une carrière. Si la capitale française continue de séduire les artistes étrangers en leur offrant une visibilité inégalée et une reconnaissance auprès du public, des critiques et des collectionneurs, Rome tente de s’éloigner de son ancien système artistique pour se rapprocher de la modernité parisienne. Une démarche qui paraît paradoxale, pour un pays qui cherche à constituer sa propre identité artistique et nationale. Les artistes ne viennent plus seulement à Rome pour s’imprégner de son héritage antique et baroque, mais aussi pour s’intégrer à une communauté artistique internationale particulièrement dynamique. Les manifestations artistiques romaines se multiplient et se diversifient, attirant différentes catégories de publics et d’artistes (les représentants de l’Italie post-unitaire, les artistes étrangers vivant à Rome, artisti ecclesiastici, etc.). À l’instar de Paris, la figure du critique d’art acquiert à Rome une légitimité, capable d’exercer une influence décisive sur la carrière des artistes.

Pour saisir l’émergence de ce phénomène culturel, cette journée d’études propose d’étudier la construction des parcours artistiques entre 1870 et 1918 dans les deux centres culturels cosmopolites – la Rome des Savoie et le Paris de la Troisième République – à travers des voyages, des réseaux de sociabilité, des formations artistiques, des lieux d’expositions et des stratégies professionnelles, marqueurs des transferts artistiques. À cette occasion, nous souhaitons réunir des communications qui puissent explorer les pistes évoquées, voire en proposer d’autres dans une perspective de dialogue transdisciplinaire entre histoire de l’art, histoire culturelle, histoire des mentalités, histoire sociale, histoire des institutions, muséologie et sociologie.

Les réflexions des intervenants pourront s’inscrire dans un des quatre axes principaux :

  • Les lieux d’apprentissage : académies/ateliers, dépendance/indépendance académique, galeries et musées comme espaces de formation pour les artistes, bourses de voyage.
  • Les réseaux de sociabilité : relations et enjeux au sein de l’atelier, communautés artistiques et ateliers fondés sur les critères nationaux, religieux ou de genre, partisans des principes classiques/de la modernité, le Salon et les expositions des Sociétés d’art, artiste voyageur.
  • Les stratégies de carrière : reconnaissance professionnelle auprès du public romain/parisien, rôle des critiques d’art, être/devenir un artiste parisien/romain, intégrer une collection publique ou privée à Paris/Rome, recevoir des commandes privées/publiques à Paris/Rome.
  • Le cadre des expositions internationales et universelles : caractère national et international, présenter son pays/sa foi, tension entre modernisme et historicisme, école nationale, réception critique.

La journée d’études se tiendra le 11 avril 2025 à l’Institut national d’histoire de l’art à Paris. Elle s’adresse aux étudiants du troisième cycle (futurs conservateurs, doctorants), jeunes docteurs et post-doctorants. Les propositions sont acceptées en trois langues : français, italien et anglais (1500-2000 signes, espaces compris). Elles doivent être accompagnées d’une courte biographie (1500 signes maximum, espaces compris) et envoyées avant le 6 janvier 2025 inclus à l’adresse suivante : romeparisXIX@gmail.com

Pour télécharger l’appel : 2025 Rome et Paris en regard

Comité d’organisation

Victoria Arzhaeva, doctorante en Histoire de l’art contemporain, École Pratique des Hautes Études – Paris Sciences & Lettres (Histara)

Francesca Romana Posca, doctorante contractuelle en Histoire de l’art contemporain, Université Bordeaux Montaigne (Centre de recherches en histoire de l’art – F.-G. Pariset – UR 538), Università degli Studi Roma Tre (Dipartimento di Studi Umanistici)

Comité scientifique

Alain Bonnet, professeur émérite en Histoire de l’art contemporain, Université de Bourgogne (Laboratoire Interdisciplinaire de Recherches « Sociétés, Sensibilités, Soin » – UMR CNRS 7366)

Giovanna Capitelli, professeure en Muséologie, Università degli Studi Roma Tre (Dipartimento di Studi Umanistici) 

Laura Iamurri, professeure en Histoire de l’art contemporain, Università degli Studi Roma Tre (Dipartimento di Studi Umanistici) 

Marion Lagrange, maîtresse de conférences en Histoire de l’art contemporain, Université Bordeaux Montaigne (Centre de recherches en histoire de l’art – F.-G. Pariset – UR 538)

Isabelle Saint-Martin, directrice d’études en Arts visuels et christianisme (XIXe – XXIe siècles), École Pratique des Hautes Études – Paris Sciences & Lettres (Histara)

Bibliographie indicative

BENJAMIN Walter, Paris, capitale du XIXe siècle. Livre des passages, trad. de l’allemand par Jean Lacoste, Paris, Le Cerf, 1989.

BOUILLON Jean-Paul, DUBREUIL-BLONDIN Nicole et alii (éd.), La promenade du critique influent : anthologie de la critique d’art en France, 18501900, Paris, Hazan, 2010 (rééd.).

BONFAIT Olivier (dir.), Maestà di Roma. Da Napoleone all’unità d’Italia : da Ingres a Degas, artisti francesi a Roma, cat. exp. (Rome, Académie de France à Rome-Villa Médicis, 7 mars – 29 juin 2003), Milan, Mondadori Electa, 2003.

BONNET Alain, LAVIE Juliette et alii (dir.), Art et transmission : l’atelier du XIXe au XXIe siècle, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. Art & société, 2014.

BONNET Alain, L’Artiste itinérant – Le Prix du Salon et les bourses de voyage décernés par l’État français aux expositions annuelles des artistes vivants, Paris, Mare & Martin, 2016.

BONNET Alain et DRUGEON Fanny (dir.), Passages à Paris : artistes étrangers à Paris de la fin du XIXe à nos jours, Paris, Mare & Martin, 2024.

CHARLE Christophe et ROCHE Daniel (dir.), Capitales culturelles, capitales symboliques, Paris, Éditions de la Sorbonne, 2002.

CHARLE Christophe (dir.), Le temps des capitales culturelles XVIIIeXXe siècles, Seyssel, Champ Vallon, 2009.

LAGRANGE Marion, Les Peintres italiens en quête d’identité (Paris, 1855-1909), Paris, CTHS-INHA, 2010.

LAMBERTI Maria Mimita, « Le mostre d’arte in Italia : gli studi recenti ed alcuni esempi », dans HANSMANN Martina et SEIDEL Max (dir.), Pittura italiana nell’Ottocento, Venise, Marsilio, 2005, p. 179–198.

LOBSTEIN Dominique, Les Salons au XIXe siècle. Paris, capitale des arts, Paris, La Martinière, 2006.

MONTANI Giovanna, La Società degli Amatori e Cultori delle Belle Arti in Roma. 1829-1883, thèse de doctorat, Università degli Studi Roma Tre, CINELLI Barbara (dir.), 2007.

PESCI Flavia, PIRANI Federica et RAIMONDI Gloria (dir.), Roma. Nascita di una capitale : 1870 – 1915, cat. exp. (Rome, Museo di Roma, Palazzo Braschi, 4 mai 26 septembre 2021), Rome, De Luca Editori d’Arte, 2021.

PIANTONI Gianna et PINGEOT Anne (dir.), Italies : 1880-1910. L’art italien à l’épreuve de la modernité, cat. exp. (Rome, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, 22 décembre 2000 – 11 mars 2001 ; Paris, Musée d’Orsay, 9 avril – 15 juillet 2001), Turin – Londres, Società editrice Umberto Allemandi ; Paris, RMN, 2001.

PICONE PETRUSA Mariantonietta, PESSOLANO Maria Raffaela et BIANCO Assunta, Le grandi esposizioni in Italia 1861-1911: la competizione culturale con l’Europa e la ricerca dello stile nazionale, Naples, Liguori, 1988. 

POULOT Dominique, PIRE Jean-Miguel et BONNET Alain (dir.), L’Éducation artistique en France. Du modèle classique et scolaire aux pratiques actuelles. XVIIIe-XIXe siècles, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. Art & société, 2010.

SUSINNO Stefano (progetto), PINTO Sandra et alii (dir.), Maestà di Roma. Da Napoleone all’unità d’Italia : universale ed eterna, capitale delle arti, cat. exp. (Rome, Scuderie del Quirinale, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, 7 mars – 29 juin 2003), Milan, Mondadori Electa, 2003