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“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions

“Dire presque la même chose”. L’histoire de l’art et ses traductions, essais réunis par Adriana Sotropa et Myriam Métayer, Paris, Éditions Esthétiques du Divers, 2019, 189 p. 10 ill.

Le présent recueil explore l’influence du « presque » et de l’« autrement » de la traduction sur les développements de l’histoire de l’art, du XVIe siècle à son institutionnalisation au XIXe siècle, jusqu’à ses pratiques actuelles. Les rapports franco-allemands, dans la continuité des transferts culturels, et la question de la diffusion de la langue anglaise, dans le sillage de l’histoire globale de l’art, dominent l’actualité de la recherche dès lors qu’il s’agit de conjuguer histoire de l’art et traduction. Pourtant ce champ d’étude reste encore très largement à explorer et pourrait reconfigurer une certaine appréhension de l’histoire de l’art. En effet, par son caractère pluriel, la traduction offre toute latitude pour analyser des contextes, des situations et des acteurs que l’historiographie ne met pas toujours en évidence. Comment arrivent, dans une autre langue, une autre culture ou un autre temps, les idées et les discours originaux d’un historien de l’art ? Quels écarts, quelles relectures, quels sens nouveaux les séparent-ils de leurs traductions ? Les essais réunis ici abordent ces questions en mettant en évidence l’irrémédiable imbrication des langues, des pratiques d’écritures, des moyens de diffusion et des acteurs de la traduction…

SOMMAIRE

Introduction

Traductions et reconfigurations de l’histoire de l’art, par Myriam Métayer et Adriana Sotropa, maîtres de conférences en histoire de l’art contemporain, université Bordeaux Montaigne

Études

De la récréation à la souricière : traduire le Dialogo di pittura de Paolo Pino, Pascale Dubus, maître de conférences HDR à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne

Sur quelques problèmes de traduction. De la Stille de Winckelmann aux Nachleben de Warburg, Paul Bernard-Nouraud, docteur en histoire et théorie de l’art de l’EHESS

L’intrusion dans l’œuvre : les traductions françaises de John Ruskin et de Joshua Reynolds au début du XXe siècle, Julie Lageyre, doctorante en histoire de l’art, université Bordeaux Montaigne

L’art et le langage. Julius Meier-Graefe (1867-1935) et le problème de la traduction, Catherine Krahmer, historienne de l’art

Figures de l’ombre ? Trois traductrices dans l’historiographie de l’art en Europe ( XIXe– XXe siècle), Charlotte Foucher Zarmanian (docteure en histoire de l’art, chargée de recherches au CNRS – UMR 8238) et Émilie Oléron Evans (docteure en études germaniques et lecturer en culture visuelle du monde francophone à Queen Mary, University of London)

Quelle(s) langue(s) pour la muséographie ? Réflexions sur la place de la traduction à l’OIM et dans sa revue Mouseion, Pauline Michaud, doctorante (Paris 1, École du Louvre)

Traductions, transferts méthodologiques et construction d’une histoire de l’art internationale : quelques cas français et italiens, Émilie Passignat, docteure en histoire de l’art, enseignante à l’Università Ca’Foscari Venezia

Au-delà des stratégies éditoriales en temps de censure. Meridiane (1960-2006), maison d’édition bucarestoise, Adriana Sotropa et Myriam Métayer

  • Annexe : collection Biblioteca de Arta (1967-2003), publiée par Meridiane

Entretien

À la croisée des langues, Julie Ramos, maître de conférences à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne


Au pied du mur. Bâtir le vide autour des villes (XVIe-XVIIIe siècleS)

Émilie d’Orgeix, directrice d’études à l’École pratique des Hautes Études (Histara, EA 7347), membre du Centre F.-G. Pariset jusqu’en 2018, vient de publier cet ouvrage chez Mardaga, avec une préface d’Antoine Picon (École nationale des ponts et chaussées, Harvard University).

Dans la ville corsetée d’Ancien Régime où “les bourgeois sont, pour ainsi dire, les uns sur les autres” selon Vauban, les terrains situés au-delà de l’enceinte attisent toutes les convoitises. Si l’administration militaire impose officiellement l’établissement d’une zone non aedificandi où toute construction est interdite – vaste anneau périphérique qui ne cesse de s’élargir au cours des XVIIe et XVIIIe siècles -, l’ensemble des archives dévoile une réalité de terrain bien différente. Au pied des remparts, agents du roi, administrateurs municipaux, gestionnaires militaires et habitants se livrent une guerre sans merci pour s’approprier des espaces où tous se considèrent comme légitimes. La zone, souvent interlope, toujours bruyamment revendiquée par la population, bruisse d’infractions et de “petits arrangements” entre voisins de tout rang et de tout bord. Loin du portrait policé qu’offre la cartographie officielle, il n’y est question que de potagers clandestins établis dans les fortifications, de lavoirs, d’étendoirs, de mares à canards et même de futaies à haut vent plantées sur les glacis qui entravent les tirs depuis les bastions.

Gendarmer les populations n’est pourtant pas le seul défi auquel doit répondre l’administration militaire. Sur “les dehors” des villes, les ingénieurs du roi se retrouvent confrontés à des travaux titanesques impliquant la gestion simultanée d’un grand nombre de corps bâtisseurs et ouvriers, le transport de centaines de milliers de mètres cubes de terre, la construction d’imposants ouvrages militaires et l’établissement de terrains pouvant être rapidement inondés en cas d’attaque. Au fil des décennies, la lente expertise qu’ils acquièrent en fait le principal outil d’un système de modélisation du territoire qui transforme durablement la physionomie des villes.

Cet ouvrage traite ainsi de la construction des marges de la ville à l’époque moderne, tout en allant bien au-delà. Il illustre combien la périphérie urbaine, dont la naissance est encore souvent associée aux mutations de l’ère industrielle, a en réalité constitué l’un des principaux laboratoires de la fabrique urbaine d’Ancien Régime, reconstruisant par là même la généalogie brisée entre villes modernes et contemporaines.

CAPEYRON BLANC : L’ART DÉCO EN QUESTION

La villa Capeyron Blanc de Mérignac est inclassable et résiste à toute recherche d’interprétation unique. Cette maison de Raoul Perrier, imaginée dans les années trente et construite au début des années cinquante, se dérobe à toute appellation réductrice. Elle n’est authentiquement ni une œuvre du Mouvement moderne, parfois qualifié de Style international, ni une œuvre Art déco, pas davantage un exemple pur de classicisme. Éclectique, elle est l’enfant étonnant et improbable de ces multiples ascendances.

La journée d’étude, qui aura lieu le jeudi 18 avril, interrogera les limites et la validité de l’étiquette Art déco à travers les interventions de trois historiens de l’art, la visite commentée des collections arts déco du Musée des arts décoratifs de Bordeaux et la visite critique de la villa Capeyron Blanc elle-même.

Toutes les modalités pratiques et le programme de cette manifestation, organisée par le Centre F.-G. Pariset et l’UMR CNRS Passages, se trouvent dans le fichier téléchargeable ci-dessous.

TRANSFRONTALIERS

L’association TRANSFRONTALIERS lance les deux premières séances du séminaire destiné aux doctorants et jeunes chercheurs autour de deux thématiques qui sont au cœur de son projet.

La séance du 17 mai (18h00 – Salle Benjamin, Galerie Colbert, 2 rue Vivienne, Paris, 75002) sera consacrée à la traduction et à ses enjeux dans la théorie et dans la pratique de l’histoire de l’art.

Des manifestations et des colloques récents ont mis l’accent sur la place déterminante que la traduction occupe dans la démarche des chercheurs. Les intervenants sont invités à prendre la parole sur le sujet, pour partager leurs approches aux problématiques de la langue et de la traduction, à partir d’études de cas précis. Parmi les axes qui pourront être abordés on peut évoquer les difficultés liées aux traductions controversées de sources majeures, la question de l’absence ou de la mauvaise traduction, le problème de mots ou de concepts intraduisibles, ou encore la mise en valeur d’un important travail de traduction dans le cadre d’une thèse ou d’une publication.

Les réflexions autour de la traduction nous introduiront au sujet de la séance du 19 juin (18h00 – Salle Jullian, Galerie Colbert, 2 rue Vivienne, Paris, 75002), consacrée aux problèmes de l’accès aux sources pour les historiens de l’art transfrontaliers. Les intervenants sont invités à évoquer les difficultés affrontées lors de leurs recherches sur un sujet étranger. Les propositions pourront aborder, par exemple, la difficulté de repérer une bibliographie en langue étrangère dans les bibliothèques françaises, les différences dans les démarches à suivre pour avoir accès aux archives dans un pays étranger, ou bien l’impossibilité de repérer les sources et d’y accéder, comme dans le cas de fonds d’archives conservés dans des pays en conflit. Encore une fois, il sera question d’interroger l’impact de ces questions pratiques sur la réflexion théorique.

Chaque séance accueillera jusqu’à trois intervenants pour des communications courtes, de la durée de 15 minutes, ciblées autour de cas précis. Les communications seront suivies d’un débat animé par un répondant autour des points communs. Les propositions, de 300 mots maximum, accompagnées d’une courte notice biographique, sont à envoyer d’ici le 07 avril 2019 au plus tard à l’adresse transfrontaliers@contact.net, en précisant la date de la séance envisagée dans l’objet du mail.

Le comité organisateur

Eveline Deneer

Marta Francia

Jacopo Ranzani

Sara Vitacca

Vous trouverez ci-joint une présentation du groupe de recherche Transfrontaliers, ainsi qu’une version téléchargeable de l’appel à communication.


Bacchanales ! Ivresse des arts au XIXe siècle

Ouvrage publié sous la direction d’Adriana Sotropa, maître de conférences en histoire de l’art contemporain (université Bordeaux Montaigne) et Sara Vitacca, docteure en histoire de l’art (université de Paris I).

Ce livre est issu du colloque international adossé à l’exposition Bacchanales modernes ! Le nu, l’ivresse et la danse dans l’art français du XIXe siècle (Palais Fesch-musée des Beaux-Arts d’Ajaccio ; Bordeaux, musée des Beaux-Arts). Sur ces manifestations, qui se sont tenues en 2016, voir : http://www.musba-bordeaux.fr/fr/Bacchanales

Au cours d’un XIXe siècle fortement marqué par la porosité des relations entre les arts, le thème dionysiaque est un témoignage efficace des correspondances constantes entre champs artistiques. La bacchanale pénètre en particulier les mythologies voisines qui s’élaborent autour de l’Orient et de l’Italie. Elle émerge dans un univers idyllique qui célèbre le retour à l’âge d’or, le culte de la fête champêtre et de la pastorale mais qui possède aussi un versant diabolique, dans les scènes de sabbat, de festin ou d’orgie des corps en tumulte. La bacchante côtoie de près l’image de la danseuse, de Salomé, en un mot, de la femme fatale. Simple prétexte iconographique souvent, occasion de dénonciation des tares d’une société bridée parfois, la figure de la bacchante n’a pas fini de livrer ses mystères. Protagoniste d’une mythologie particulière et secrète, ses travestissements sont en partie dévoilés dans les pages qui suivent. L’analogie de la bacchante et de la danseuse, particulièrement heureuse, révèle également le domaine où le dionysiaque trouve son parfait accomplissement à l’époque de la modernité : la danse.

Cette publication cherche à nourrir les réflexions des chercheurs qui s’intéressent au champ du dionysiaque et à sa réception à travers les siècles, mais s’adresse également à ceux et celles qui souhaitent regarder la création dix-neuviémiste sous un nouveau jour. Contournant et détournant les mouvements, les courants et les catégories historiographies traditionnelles, c’est à travers le prisme d’une inspiration commune, puisée dans les poétiques du vin, de l’extase et de la danse, que l’ivresse des arts du XIXe siècle est explorée.

Avant-propos, par Laurence Chesneau-Dupin, directrice de la culture à la Fondation pour la culture et les civilisations du vin – Bordeaux, La Cité du Vin

Préface, par Sophie Barthélémy, directrice du musée des Beaux-Arts de Bordeaux et Sandra Buratti-Hasan, directrice adjointe du musée des Beaux-Arts de Bordeaux

Trajectoires bachiques au XIXe siècle, Adriana Sotropa et Sara Vitacca

Bacchus et son cortège sur les cimaises officielles (1801-1900), Dominique Lobstein, historien de l’art

Nymphes, danses et tambourin : de la bacchanale à la saltarelle ou le monde merveilleux de Camille Corot, Nathalie Michel-Szelechowska, musée du Louvre

Autour de Ferdinand Levillain, Bacchus et la vigne dans les arts décoratifs du XIXe siècle, Michaël Vottero, conservateur des monuments historiques de Bourgogne

Dionysos et la musique dans la peinture de Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), Daniela Cataldo, Università del Salento

Danseuses en métamorphoses: les bacchantes de la littérature fin-de-siècle, Valérie Lavigne, université de Nice Sophia-Antipolis

Bacchantes romantiques : réminiscences dionysiaques dans le ballet et ses représentations au XIXe siècle, Bénédicte Jarrasse, Université Paris 3

“En cette chair secouée habite, semble-t-il, toute la fièvre de la trépidante existence moderne”. Vierge folle/Het Zotte Geweld de Rik Wouters (1912), Herwig Todts, conservateur au musée royal des Beaux-Arts d’Anvers

Les bacchanales d’Isadora Duncan : réaliser et déjouer un rêve de danse du XIXe siècle, Katharina Van Dyk, université Paris 8

« Sans Bacchus et Vénus, la Galerie se refroidit » : dispositif libérant le programme de l’intégralité du décor de la Galerie du Roi de Fontainebleau

Mme Christine de Léotard-Sommer soutiendra sa thèse de doctorat en histoire de l’art, dirigée par M. Pascal Bertrand, professeur d’histoire de l’art moderne, le 11 janvier à 14 h., dans la salle des thèses (001) de la Maison de recherche (UBM, Esplanade des Antilles, Pessac). La soutenance est publique.

Le jury est composé de MM. Pascal Bertrand, professeur des universités (Université Bordeaux Montaigne), Guillaume Cassegrain, professeur des universités (université Grenoble Alpes), Vincent Droguet, conservateur en chef du patrimoine, Guy-Michel Leproux, directeur d’études à l’École pratique des hautes études, Philippe Morel, professeur des universités (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne), Stéphane Toussaint, directeur de recherche, Institut européen en sciences des religions.

Présentation de la thèse

Conçu et réalisé entre 1531 et 1539 et composé de seize unités peintes aux encadrements surprenants, le décor originel de la Galerie du Roi de Fontainebleau organise deux réceptions distinctes selon ses spectateurs, l’une matérielle et sensible pour les spectateurs-visiteurs, celle d’un espace au revêtement à la fois somptueux, chaleureux par ses boiseries, et étourdissant par ses encadrements stuqués remplis d’une exubérance joyeuse ; l’autre éminemment discursive et cryptée, exclusivement réservée aux princes Valois-Angoulême, grâce à un dispositif qui prévoit la participation de ces destinataires princiers à des usages inédits des peintures et des encadrements pour leur communiquer le très vaste programme du « miroir du prince » de leur nouvelle dynastie.

Ce dispositif construit ce programme en termes de vérité chrétienne en exploitant le célèbre verset de saint Paul (1èreCor, XIII, 12) – « Nous voyons maintenant à travers un miroir en énigme, mais alors ce sera face à face. À présent, je connais de façon partielle, mais alors je connaîtrai comme je suis connu », dont les théologiens médiévaux ont tiré deux traditions spéculatives : l’approche de la vérité de la Parole divine par la « lecture à plus haut sens », et l’approche de la vérité de la connaissance du monde par l’équation suivante : vérité de la connaissance = énigme spéculaire résolue par analogie du terrestre au céleste. Cette dernière permet ici de résoudre l’énigme du décor par trois analogies spéculaires entre les valeurs de la monarchie très-chrétienne Valois-Angoulême destinataire, et les trois fonctions de la Monarchie céleste telles que définies par le franciscain Jean Thenaud dans deux manuscrits à lui commandés par François 1er

C’est l’unité de l’extrémité Ouest qui fait fonction de miroir et de centre du dispositif. En effet, ce Bacchus et Vénus aujourd’hui au MNHA de Luxembourg, s’est avéré être une mirabilia peinte unique en son genre : sous le voile d’une scène érotique, elle traite de façon sophistiquée un adage récent d’Érasme, ici écourté, « Sans Bacchus, Vénus se refroidit » ; elle fonctionne en image de mémoire de la Monarchie céleste figurée dans un schéma de Jean Thenaud appartenant à sa Treschrestienne Cabale metrifiee offert à François 1eren 1519, et commenté dans son Traicté de la Cabale de 1521 ; elle affiche un mode d’emploi spécifique en trois temps qui s’appuie sur Érasme, puis Cues, puis Bonaventure ; enfin elle est construite « à la manière » des images irradiantes de Marsile Ficin, mais sans effet magique. 

Le discours de ces trois analogies propose des valeurs princières très-chrétiennes censées refléter celles de la Monarchie céleste, mais elles sont en outre enveloppées dans une spiritualité singulière, celle du franciscain Bonaventure : le Bacchus et Vénus reprend sa théologie symbolique, et le parcours des unités suit sa doctrine de la grâce. Le discours de ces trois analogies forme la réception principale du décor, et résulte d’un parcours précis des unités depuis l’entrée Est, en boucle puis en axe (analogie 2 puis 3) avant de se terminer à l’Ouest devant le Bacchus et Vénus (analogie 1). 

À cette réception principale s’ajoutent d’autres usages du décor permettant de communiquer aux destinataires princiers deux ambitions politiques majeures, chères au commanditaire : l’usage simplifié offre un discours sur le renforcement du pouvoir monarchique, et l’usage en recul de synthèse définit une nouvelle argumentation pour soutenir l’accès à l’imperium mundi. Enfin, les usages dérivés ou libres des images s’avèrent aussi avoir été pensés pour être utiles à la formation du nouveau prince, dans l’esprit pragmatique du fondateur dynastique.

Ce décor est particulièrement exceptionnel dans sa capacité à permettre différents fonctionnement de l’image à partir du même support plastique pour susciter chez les destinataires princiers plusieurs discours très précis, organisés en suite logique et cohérente à l’intérieur du cadre du dispositif. Tout en manifestant pour les sujets apparents une excellente maîtrise des différentes formules conventionnelles existant alors – illustration narrative, allégorie in praesentia, et allégorie in absentia–, il en a inventé de nouvelles pour les discours cryptés. Elles jouent toutes sur une transposition à l’image plastique de formules spéculatives bien chrétiennes mais réservées à l’image mentale : transposition à l’ensemble du décor du verset de saint Paul ; mode d’emploi spécial du Bacchus et Vénus (déterminant celui de toutes les unités) qui s’appuie sur la fragmentation des silènes d’Érasme, puis sur la coïncidence des opposés de Cues, puis sur l’usage de la théologie symbolique de Bonaventure ; transposition plastique du « modèle classique » d’art de mémoire dans toutes les unités, cadre compris, avec ductus de lecture des fragments fixé par chaque salamandre en cimier ; ou encore application de la « lecture à plus haut sens » au Bacchus et Vénus pour dégager l’analogie 1. Il transpose même dans le parcours physique des unités, en boucle puis en axe d’Est en Ouest, la remontée symbolique de l’âme du prince dans la Monarchie céleste selon Thenaud, et sa progression dans la grâce selon Bonaventure. Ajoutons que toutes ces usages spéciaux des images sont signifiées aux destinataires princiers.

Ce programme cite aussi le « théâtre » de Giulio Camillo acheté par le Roi en 1530 et livré début 1534, et éclaire son fonctionnement resté énigmatique : il distingue la formule efficace inventée par Camillo pour perfectionner l’éloquence et la mémoire de tout discours, de l’art secret du « théâtre » visant un enjeu de Sapience supérieure émanant de Dieu. Il se positionne aussi sur nombres de thématiques soulevées par le « théâtre ».

Le décor de la Galerie s’avère une expérimentation unique et réussie, mais restée sans suite dans l’histoire de l’art : elle utilise l’art plastique des images, ici la peinture et le modelage stuqué, comme substitut visuel d’un programme précis de discours, qui ne se révèle qu’en l’associant à la participation des destinataires, en l’occurrence princiers. Ce dispositif maîtrise toutes les formes de réception des images par ces derniers, qu’elle soit prévue, simplifiée, en recul de synthèse, dérivée, ou libre, jusqu’à jouer pour la réception des non destinataires avec l’opacité et la séduction de l’essence même de ces images, un tissage de formes, de couleurs, et de reliefs. Le moine franciscain Jean Thenaud a conçu ce dispositif avec le peintre Rosso qui a assuré magistralement les inventions plastiques appuyant l’efficacité de son fonctionnement, et de sa double réception.

François Joseph Bélanger (1744-1818). Architecture et société, de l’Ancien Régime à la Restauration

Ce colloque international est organisé par l’association GHAMU et le Centre F.-G. Pariset (EA 538 ; université Bordeaux Montaigne), avec le concours du Centre André Chastel (Sorbonne Université) et de l’HICSA (université – Panthéon-Sorbonne). Il se tiendra à Paris, du 6 au 8 décembre 2018 (voir programme joint infra).

Construire une maison de plaisance en trois mois : ce pari fou – et réussi –  entre la reine Marie-Antoinette et son beau-frère le comte d’Artois a marqué la carrière de François Joseph Bélanger. Avec ce coup d’éclat se dessine le portrait d’un architecte à la mode, chef d’orchestre des plaisirs de l’Ancien Régime, qui intéresse depuis longtemps les historiens. Dès 1930, Bélanger bénéficie d’une monographie grâce au travail documentaire minutieux de Jean Stern. Depuis les années 1970, les recherches se poursuivent avec des études plus spécifiques consacrées à son activité au service du prince (M. Constans, Ch. Baulez, J.-J. Gautier, Y. Delaborde, B. Baudez), à ses demeures privées (M. Gallet, P. Étienne, C. Faraggi, G. Joudiou, R. Perry), à son rôle de paysagiste (M. Mosser, K. Woodbridge, J. Barrier) et à ses bâtiments publics (M. Deming). Cette riche historiographie n’épuise pas pour autant le sujet. Parmi les perspectives fructueuses, il convient notamment d’approfondir le travail de l’architecte au quotidien, ses relations avec les dessinateurs et les artisans, ses réseaux et les mécanismes de la commande, ses stratégies de carrière, son éclectisme, sa maîtrise technique ou encore ses écrits sur ses confrères et le soin apporté à la diffusion de son œuvre. Le bicentenaire de la mort de l’architecte offre ainsi l’occasion de revenir sur cette carrière exceptionnelle et de la mettre en perspective à la lumière des travaux récents sur l’architecture dite « néoclassique » qui se poursuit jusqu’à l’Empire et la Restauration.

Thèmes proposés

L’appel à communications s’est organisé autour de quatre thèmes : 

1er thème — Au service des princes

Dessinateur (1767) puis inspecteur des Menus Plaisirs du roi (1775), Bélanger demeure seize ans dans la prestigieuse administration, principalement occupé à la création de décors pour les fêtes publiques et les spectacles de la cour. À partir de 1777, sa carrière prend un nouvel envol en devenant Premier architecte du comte d’Artois. Ce prince prodigue le sollicite pour toutes sortes de projets tels que des palais, une petite maison, un jeu de paume, des écuries, des embellissements intérieurs ou encore la création d’un nouveau quartier. Mais la Révolution sonne le glas des ambitions architecturales du prince et de son architecte. Ce dernier ne retrouvera les faveurs de la cour qu’en 1814 à la Restauration : revenu aux Menus Plaisirs, il termine sa carrière comme il l’avait commencée ! Entre-temps l’architecte a fait évoluer son art et l’on s’interrogera sur sa manière de servir le pouvoir, d’un frère à l’autre et d’un siècle à l’autre, entre agrément et décorum.

2e thème — Habitat et décor à la mode

L’architecture domestique constitue une part essentielle de l’activité de Bélanger avec une trentaine de chantiers parmi lesquels deux édifices devenus des symboles de l’art de vivre sous l’Ancien Régime : Bagatelle et la folie Sainte-James. Le colloque sera l’occasion de revenir sur ces chantiers exceptionnels mais aussi de mieux connaitre ses autres demeures notamment celles construites dans les années 1785-1800. Il conviendra également d’approfondir son rôle de décorateur d’intérieur, son intérêt pour le mobilier, les marbres et le papier peint. Enfin, on pourra examiner le répertoire de l’architecte qui, après le renouveau classique des années 1760, témoigne d’un impérieux besoin de variété en convoquant tour à tour l’Antiquité romaine, le dorique sans base de Paestum, la serlienne de Palladio, l’arc brisé gothique, le revêtement brique et pierre ou encore, dans les intérieurs, l’exotisme, les arabesques de Raphaël et d’Herculanum.

3e thème — Jardins et architecture pittoresque

Parmi les chantiers qui ont assuré la notoriété de Bélanger, les jardins occupent une place toute particulière. Il est en effet l’un des plus importants promoteurs du jardin anglo-chinois en France. Apprécié pour l’inventivité de ses fabriques, le luxe de leur conception, l’architecte s’adresse aux élites anglomanes alors que ses trois voyages outre-Manche (1774, 1778 et 1780) lui ont assuré une connaissance fine des jardins et un solide réseau amical chez les architectes anglais. Il conviendra d’étudier les jardins de Bélanger – Bagatelle (1777), la folie Sainte-James (1778), le parc de Méréville (1785-1786), le jardin de l’hôtel de Beaumarchais (1788) – dans ce rapport à l’Angleterre comme des créations affranchies de la tradition française du jardin régulier et nourries d’un imaginaire de fantaisie pour une clientèle en quête de nouveauté et d’exotisme

4e thème — Équiper la ville

Sous l’Empire, Bélanger consacre davantage de temps à l’architecture publique. En 1808, pour la Halle au blé, il innove avec la construction d’une gigantesque coupole en fer, recouverte de feuilles de cuivre. Mais à côté de ce célèbre exemple, d’autres bâtiments (réalisés ou non) tels les bains Vigier (1802), l’Opéra au Carrousel (1802), le réaménagement de Bruxelles (1804), la halle aux vins et les abattoirs de Rochechouart (1808) mériteraient d’être mis en lumière. Autant de projets variés témoignant d’une certaine vision de la ville moderne et qui conduisent à interroger les enjeux d’un renouveau – tant programmatique qu’esthétique – au début du XIXe siècle.

Comité scientifique

Janine Barrier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexandre Gady (Sorbonne Université) ; Jean-Philippe Garric (Université Panthéon-Sorbonne) ; Alexia Lebeurre (Université Bordeaux Montaigne) ; Christophe Loir (Université libre de Bruxelles) ; Werner Oechslin (Polytechnique de Zürich) ; Claire Ollagnier (Université Panthéon-Sorbonne) ; Monique Mosser (CNRS, Centre André Chastel) ; Eduardo Piccoli (Politecnico de Turin) ; Daniel Rabreau (université Panthéon-Sorbonne) ; José Luis Sancho (Patrimonio Nacional de Madrid) ; Létizia Tedeschi (Archivio del Moderno, Mendrisio) ; Richard Wittman (University of California Santa Barbara)


Faire l’histoire de l’architecture : acteurs, méthodes, enjeux

Cette journée d’étude, organisée par Nina Mansion (Centre F.-G. Pariset EA 538) et Gauthier Bolle (UMR Passages), se tiendra le vendredi 9 novembre 2018 à l’amphithéâtre de la Maison des Sud à Pessac.

Elle constitue le séminaire inaugural d’un cycle de séminaires qui auront lieu dans plusieurs villes françaises. L’objectif de notre groupe de travail est d’interroger la manière dont la « discipline » s’est constituée plus spécifiquement en France au fil du second XXe siècle, selon quelles méthodes et dans quelles directions, en questionnant les liens et les réseaux des acteurs qui ont marqué son développement sur des territoires précis. La diversité de l’enseignement et de la recherche en histoire de l’architecture, que ce soit au sein des départements d’histoire de l’art à l’université, des écoles d’architecture et d’institutions patrimoniales, est à l’origine de nos questionnements.

Le séminaire inaugural permet donc d’éclairer l’exemple bordelais, en croisant les regards et expériences d’acteurs qui y ont fait l’histoire de l’architecture.

La matinée sera consacrée à des communications sur l’histoire nationale et locale de la discipline et l’après-midi sera dédiée à deux tables-rondes.



Les arts coloniaux. Circulation d’artistes et d’artefacts entre la France et ses colonies

Colloque organisé sous la direction scientifique de Sarah Ligner, commissaire de l’exposition, conservatrice du patrimoine, responsable de l’unité patrimoniale Mondialisation historique et contemporaine, musée du quai Branly – Jacques Chirac ; Dominique Jarrassé, professeur en histoire de l’art contemporain, Université Bordeaux Montaigne, centre François-Georges Pariset ; Frédéric Keck, directeur, département de la Recherche et de l’Enseignement, musée du quai Branly – Jacques Chirac.

Ce colloque se tiendra le mercredi 10 octobre 2018 à l’auditorium du Palais de la Porte dorée et le jeudi 11 octobre dans la salle de cinéma du musée du quai Branly-Jacques Chirac.

À l’occasion de l’exposition Peintures des lointains. La collection du musée du quai Branly-Jacques Chirac (30 janvier 2018 – 3 février 2019), le musée du quai Branly-Jacques Chirac et le Palais de la Porte Dorée s’associent pour organiser, en partenariat avec le centre Francois- Georges Pariset – UniversitéBordeaux-Montaigne, un colloque sur la notion d’« arts coloniaux ». Ce colloque pluridisciplinaire, au croisement de l’histoire de l’art, de la sociologie des institutions et des études postcoloniales, se propose d’interroger la circulation des artistes et des artefacts entre la France et les territoires de son Empire, comme support pour une réflexion sur la relation coloniale.

L’objectif est de mieux cerner la production artistique et artisanale en situation coloniale et cela dans une acceptation large, qu’il s’agisse d’artefacts produits par des artistes issus des populations colonisées ou par des artistes originaires de métropole. Pour ce faire, plusieurs axes ont étéretenus, afin d’interroger les catégories d’artefacts et les paradigmes qui sous-tendent leur production, leurs auteurs et leur statut, leurs promoteurs et leurs modes de diffusion, ainsi que les phénomènes de domination et d’appropriation qui ont pu s’exercer dans le domaine artistique et culturel. Tous ces aspects sont envisagés sous l’angle des réseaux de circulation de personnes, d’artefacts et de concepts, dans une pluralité de mouvements qui ne répondent pas à un schéma univoque.

Inscription sur : https://colloque-les-arts-coloniaux.eventbrite.fr

Programme (en pdf réduit) :

L’Armée dans la ville. Forces en présence, architectures et espaces urbains partagés (XVIe-XIXe siècle)

Affiche_coll_armee_ville_2018

Colloque international, Toulouse, hôtel d’Assézat, place d’Assézat, 18-19 octobre 2018, sous la direction de Nicolas Meynen (université Toulouse-Jean Jaurès) et Émilie d’Orgeix (Ephe)

Aborder la ville à travers la présence militaire, c’est épaissir une histoire urbaine qui a longtemps produit des études monographiques essentiellement centrées sur des archives civiles.
Le colloque “L’Armée dans la ville” entend ainsi faire une mise au point fine sur les interactions architecturales et urbaines entre sphères militaire et civile dans les villes. S’intéressant au large spectre de projets et réalisations organisant la vie des garnisons en temps de paix comme en temps de guerre (logements des gens de guerre, poudrières, magasins aux vivres, manufactures, hôpitaux, écoles militaires, hôtels de commandement), il visera aussi à approfondir les notions d’implantation et de répartition des espaces (discussions et controverses entre acteurs), la nature des contraintes, leur perméabilité, points de suture et conséquences (servitudes défensives) ainsi que la transmission des modèles. Il s’agira enfin de faire état d’expériences récentes menées en matière de restauration, de réhabilitation et de mise en valeur de propriétés militaires déclassées en ville.
Les échelles convoquées englobent tant la composition (et/ou la recomposition) des villes (incluant leurs marges) que celle de l’architecture (des ingénieurs militaires ayant pu concevoir des églises et des plans d’alignement et des architectes des casernes…).

Programme :

Prog_coll_armee_ville_2018

Contacts :

nmeynen@univ-tlse2.fr

emilie.dorgeix@ephe.sorbonne.fr